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Crónica: Mahler Chamber Orchestra en Quincena Musical (01 y 02-08-2019)

Este 2019 la Quincena Musical celebra su edición número 80. Y la encargada de inaugurar tan destacada edición ha sido la Mahler Chamber Orchestra, dirigida por el joven director moravo Jakub Hrusa, emergente figura de la dirección orquestal que era sin duda uno de los principales atractivos de ambos conciertos (porque el programa, a priori, me resultaba bastante poco atractivo en general, pero bueno, como en otros casos, eso es un tema estrictamente personal). 

La Mahler Chamber Orchestra, como ya hemos mencionado, ofreció dos conciertos en el Kursaal, los días 1 y 2 de agosto. Comenzamos por orden con el concierto del día 1, del que dejamos aquí un enlace del programa. 

El concierto se abría con la obertura de “Las Hébridas” de Felix Mendelsson, quizá la pieza que mejor conozco de todas las que formaban el programa, y la que más me gusta. Siempre he pensado que Mendelssohn está muy infravalorado en su labor como compositor orquestal, y esta obertura, una de sus obras más célebres, es buena prueba de ello. La obra requiere (como otras de las interpretadas en ambos programas) una orquesta de mayores dimensiones que la Mahler Chamber Orchestra, con una sección de cuerdas más nutrida, por lo que por momentos se percibían ciertos desequilibrios sonoros entre familias de instrumentos. Hrusa, con su movimiento dinámico y enérgico, enfatizó quizá demasiado apianar en no pocos momentos, en una obra que yo concibo más dramática, más sonora. Por lo demás, su dirección fue siempre enérgica y la orquesta respondió a gran nivel. 

A continuación le llegaba el turno al primer concierto de piano de Chopin. Y para mi sorpresa veo que a la orquesta se añaden dos trompas más y un trombón, y yo pensando ¿para qué se metía Chopin en estos berenjenales cuando sabía perfectamente que lo de orquestar no era lo suyo? ¿Por qué tanta parafernalia? Porque luego la orquesta suena casi como un conjunto carente de entidad propia, un mero acompañante en el que no se notan diferentes texturas sonoras; la orquesta es un cuerpo único. Pero, además, lo de las grandes estructuras tampoco era muy cómodo para el pianista polaco, y eso se nota en este debut en el campo concertístico, en una obra mucho menos lograda que su segundo concierto (por cierto, tercera vez que veo el primero, frente a una única que he podido ver el segundo, una de mis obras favoritas de Chopin).

¿Y por qué digo todo esto? Porque hay que ser un pianista muy, muye expresivo y muy habituado a la interpretación chopiniana para sacar adelante una obra que, de lo contrario, se hace aburrida. Yo tuve que recurrir a las grabaciones de dos chopinianos de pro como Zimerman y Blechacz para conseguir apreciar la obra. Y la presencia de un pianista asiático no parecía indicar que las cosas fueran a ir por esos lugares: habría más exhibición técnica que poesía. 

Pero claro, el joven coreano Seong-Jin Cho ganó el premio Chopin de Varsovia en 2015, por lo que se supone que algo de pianismo chopiniano habrá en su interpretación. El primer movimiento pasó sin pena ni gloria, con lucimiento técnico y una precisión pasmosa, pero sin alma, sin esa poesía que impregna la obra del polaco, y eso pese a un razonablemente buen uso del rubato. Más poesía hubo en el segundo movimiento, aunque siempre sabía a poco. En el tercer movimiento dio la exhibición técnica que esperábamos, siendo lo mejor de un concierto perfectamente acompañado por Hrusa y la orquesta. No deja de sorprender que lo mejor de Cho fuera su propina, un nocturno de Chopin interpretado impecablemente, con toda esa poesía que requiere la obra. Visto lo visto, quizá el problema sea del concierto en sí…

Terminaba el programa de este primer concierto la cuarta sinfonía de Beethoven. Obra de transición entre el clasicismo y el romanticismo, la orquesta de cámara parecía invitar a una visión más clásica, pero la enérgica dirección de Hrusa nos llevó por terrenos mucho más románticos, lo que en mi caso es siempre de agradecer. Ya es perfectamente sabido que Beethoven llevaba al máximo las exigencias interpretativas de los músicos, y aquí la orquesta demostró su enorme valía superando todos los escollos de la partitura, destacando por igual cuerdas, maderas y metales, además del percusionista. Magnífica interpretación, sin duda. 

Pasamos al segundo concierto, el del día dos, dejando de nuevo un enlace al programa. En esta ocasión acompañaba a la Mahler Chamber Orchestra el Orfeón Donostiarra, la Escolanía Easo y la sección de jóvenes cantantes femeninas de las misma formación. 

El programa se abría con el Te Deum de Dvorak, obra que en no pocos momentos nos recuerda a su celebérrima sinfonía del nuevo mundo, con esas sonoridades no sabemos si checas o americanas. La orquesta de nuevo demostró su gran nivel, junto a un Orfeón que se lució como pocas veces antes recordaba: desde el pianísimo más sutil hasta unos atronadores fortísimos. Hay que destacar la rotunda sonoridad de las notas altas de las sopranos y, en especial, de los tenores, que brillaron como no recordaba haberlos escuchado.

Junto a ellos, el bajo Adam Plachetka superó con solvencia su difícil parte, mientras la soprano Katerina Knezikova lució un timbre hermosísimo y una emisión impecable, sin excesivos vibratos, con agudos magníficos y capaz tanto del matiz más sutil como de conseguir hacerse oír sobre los fortes de orquesta y coro. Una soprano a la que seguir, desde luego. 

Después le llegó el turno a los Psalmus Hungaricus de Zoltán Kodály, compositor del que, confieso, nunca había escuchado ninguna obra. Se apreciaban ciertos elementos de vanguardia en medio de una atmósfera de carácter nacionalista húngaro. Dificultad añadida para los coros, que tuvieron que cantar pues en húngaro (a diferencia de en la obra de Dvorak, donde el checo que sería de esperar es sustituido por el litúrgico latín). Volvió a brillar el Orfeón, acompañado en este caso por los miembros jóvenes del coro Easo, que no tuvieron mucha ocasión de lucimiento, al cantar casi todo el tiempo junto al coro de adultos.

El tenor Gyula Rab solventó su difícil participación con una emisión un tanto discutible, no bien proyectada, pero con un idiomatismo lógico. 

Cerraba el concierto la segunda sinfonía de Schumann. Ay, Schummann… ¿Qué te he hecho yo para que nos llevemos así de mal? Es que no hay forma, no consigo entrar en el universo sinfónico del alemán. De nuevo, la interpretación orquestal fue de altísimo nivel, con un visible entusiasmo por parte de Hrusa. Los aplausos a la conclusión demostraron la gran satisfacción del público con el cometido de la Mahler Chamber Orchestra… aunque también hicieron acto de presencia los móviles sonando y las toses, las competiciones de toses en especial en el eterno final en pianísimo de la obra de Kodály. La orquesta no ofreció ninguna propina en ambos conciertos, por desgracia.

Comienza así esta 80 edición de la Quincena, con un alto nivel musical por parte de la Mahler Chamber Orchestra y de su director, Jakub Hrusa, que esperamos se mantenga a lo largo de la edición. 

Crédito fotográfico: Quincena Musical.

Crónica: Die Zauberflöte en Donostia (22-02-2019)

Opus Lírica y la recién creada Asociación Donostiarra de Amigos de la Ópera (ADAO-DOZE) no pasan por un buen momento económico, por lo que la presente temporada de ópera en la capital giputxi se limita a un único título, “Die Zauberflöte” de Mozart (cuya historia y argumento repasamos en este post), una de las óperas más conocidas y representadas del mundo, probablemente en un intento de atraer a la mayor cantidad posible de público con un título tan popular.

Pero programar “Die Zauberflöte” es un riesgo muy elevado para una compañía como Opus Lírica, por diversos motivos. En primer lugar, las exigencias del coro son muy elevadas, superiores a cualquiera de las óperas que han programado anteriormente: ha habido importantes intervenciones del coro, pero ninguna con una gran escena coral a secas, y en la obra de Mozart hay algunas páginas corales que se encuentran entre los mejores momentos de la ópera, pero que necesitan un coro bien empastado y con importante capacidad vocal. Por otro lado, el número de solistas es bastante elevado, aunque se busque la forma de reducirlos haciendo que algunos solistas interpreten dos o más papeles; nada comparable con los 3 solistas que requería la última ópera programada, “Orphée et Euridice” de Glück. Y, por último, si bien en general los papeles de esta ópera son vocalmente bastante accesibles, hay dos papeles, los dos más reseñables, más llamativos, que tienen unas dificultades vocales que hacen que no sea fácil conseguir solistas que los saquen adelante con dignidad. Con estos datos presentes, las cosas pintaban delicadas, y el resultado no pintaba demasiado bien en el intermedio, tras el primer acto. 

Antes de comentan en profundidad la función, dejamos como siempre un enlace del programa de la producción. 

La parte escénica corrió a cargo de Ópera de Cámara de Navarra. “Die Zauberflöte” no es una ópera escénicamente fácil, ya que empieza como un cuento de hadas y termina siendo una alegoría masónica, por lo que da mucho juego a la fantasía. Aquí, si conseguí entender bien lo que sucedía, todo parecía ser el sueño de un biobliotecario (no me quedó claro si el bibliotecario en cuestión era sarastro), que se queda dormido y ve a los distintos personajes que han pasado por su lado a lo largo de la jornada (esa costumbre de utilizar la obertura para contarnos algo…). No me parece una propuesta errada transformar la fantasía del libreto en algo onírico, desde luego. Con una escenografía sencilla, basada a menudo en telones y cortinas que abrían y cerraban espacios y unos pocos elementos de atrezzo, apoyados por una eficaz iluminación y por proyecciones que simulaban el agua y el fuego que Pamina y Tamino deben superar en sus pruebas de acceso, la historia estuvo correctamente contada. La dirección escénica de Pablo Ramos fue en este sentido eficaz, siendo especialmente logrado el dúo cómico de Papageno y Papagena cantado desde el patio de butacas. 

Los diálogos hablados se ofrecieron traducidos al español, en lugar del original alemán, reservado únicamente para los momentos hablados. Acostumbrado a la versión discográfica de Klemeper, que suprime dichos diálogos (y, aunque no lo hiciera, con mi nulo conocimiento del alemán poco arreglo), no sé bien lo que cuentan esos diálogos, si bien sospecho que en la traducción al español se insertaron algunos guiños cómicos, especialmente en el personaje de  Papageno, que no sé si encajan del todo bien en una obra tan solemne. 

La orquesta de Opus Lírica respondió con solvencia a su parte, destacando por supuesto a la flauta que lleva el peso de la música en no pocos momentos de la acción, y a la percusión que se hacía cargo de la parte de las campanillas de Papageno. la dirección de Iker Sánchez pecó de irregular, con tempos un tanto arbitrarios: algunos demasiado rápidos, como el trío del segundo acto de Pamina, Tamino y Sarastro, y otros bastante lentos, además del uso de un rubato que no me parece inadecuado en una obra que nos anuncia ya el incipiente romanticismo, pero que quizá se realizaron en uno de los momentos menos apropiados, el dúo cómico. Hubo además considerables desajustes con los solistas, aunque me es imposible saber si esto fue problema del director, de los solistas o de falta de ensayos, pero que empañaron el trabajo orquestal. Destacar en todo caso que la orquesta nunca tapó a los solistas. 

Mencionaba al principio que “Die Zauberflöte” es una prueba de fuego para el coro, y hay que decir que el de Donostia Opera superó la prueba con solvencia. El coro “O Isis und Osiris” fue cantado con la correcta contención, jugando con los matices de volumen, y el coro final fue igualmente resuelto con solvencia. Prueba sin duda superada, lo que no es poco decir. 

Pasamos al no pequeño plantel solista.Las tres damas, cantadas por Itziar Martínez Galdós, Lucía Gómez Aizpurua y Leticia Vergara, fueron correctas en sus papeles, si bien se notaba un acusado vibrato en las tres voces, propio de las técnicas de canto actuales que resultan tan peligrosas para la voz. 

Jagoba Fadrique, a parte de ser el director del coro, se hacía cargo del orador o Sprecher con solvencia. El agudo suena algo blancuzco y a la voz le falta autoridad, pero la suplió con un fraseo sutil que, en principio, no me pareció inadecuado para el papel. 

Juan Laborería y Josu Cabrero se hicieron cargo de los dos hombres armados y los dos sacerdotes, correctos en ambos casos. Josu Cabrero interpretó además la parte de Monostatos, superando su rápida aria del segundo acto con solvencia. 

Irene Fraile supo sacar partido cómico a sus diálogos como anciana Papagena, pero en la parte vocal su papel es muy reducido y a penas pudimos comprobar sus posibilidades canoras. 

Almudena Jal-Ladi fue quizá la solista más problemática de la noche: algún problema de afinación en la parte final del “O zittre nicht” condujo a un fa sobreagudo inexistente, sustituido por un grito afónico. Y su segunda aria, “Der hölle Rache”, tuvo también alguna calada al comienzo, al margen de una muy notable descoordinación con la orquesta. Superado el problema, aquí sí fue capaz de afrontar los Fa sobreagudos e incluso superar con corrección los terribles tresillos. Gracias a que pudo sobreponerse en la segunda parte de esa aria la cosa no terminó tan mal como cabría esperar al comienzo. 

No es la voz de Nika Guliashvili (con ese apellido, deduzco que de origen georgiano) la más adecuada para Sarastro: suena al típico bajo ruso, de voz grande pero con poco cuerpo, con poco grosor, falta de la autoridad y la solemnidad que requiere un personaje como este. Y, pese a todo, tiene las notas del papel (realmente difícil) y consiguió sacar adelante con dignidad esos dos maravillosos momentos que son el aria con coro “O Isis und Osiris” y el aria “In diesen heil’gen Hallen”. Quizá escuchar que, pese a los peros que se le podían poner, podía con el papel, contribuyó a tranquilizarnos en el segundo acto frente a los miedos que teníamos tras el primero. 

César San Martín tiró más de recursos cómicos que vocales en su Papageno; a fin de cuentas, ya se sabe que su personaje es el contrapunto cómico de la acción y que el público quiere reír. Y en ese sentido fue perfectamente adecuado. Probablemente el mejor actor de todos en los diálogos hablados, lució dotes cómicas en su escena del suicidio y en el dúo cómico inmediatamente posterior. 

Ainhoa Garmendia fue una sensible Pamina, con ese talento interpretativo que todos conocemos, recreando una Pamina inocente, esperanzada, luego doliente y finalmente valiente. Tuvo algún problema vocal, al rompérsele uno de esos agudos en pianísimo con los que nos ha deleitado con anterioridad, y tener algún problema para resolver de forma absolutamente satisfactoria, las pocas coloraturas de su aria, por lo demás impecablemente cantada. 

Marc Sala interpretó al protagonista Tamino. Comenzó un tanto flojo en su aria del retrato, con agudos mal emitidos que sonaban opacos y mal proyectados, pero en cuanto la voz calentó ese problema desapareció y lució un timbre bello y juvenil y un canto estilísticamente adecuado para el papel, pese a un puntual incidente en el que se le rompió la voz en un agudo. Su voz era la de Tamino, y en el segundo acto fue donde mejor lo demostró. 

Dejo para el final lo que, en mi opinión fue lo mejor de la noche. La Escolanía Easo no ha dado grandes momentos en anteriores óperas de Opus Lírica (La Boheme y, sobre todo, Carmen), pero aquí no hay coro infantil, sino tres solistas, encarnados por Manex Artola, Aner Etxaniz y Luken Munguira. Quizá en las primeras intervenciones hubo algunos desajustes y las voces no terminaban de empastar del todo. Pero, de nuevo, al llegar al segundo acto, los problemas desaparecieron y nos regalaron algunos momentos momentos magníficos, destacando la escena con Pamina, en mi opinión el mejor momento de la noche con diferencia. Ya sabemos lo difícil que es conseguir que unos niños puedan rendir a un buen nivel canoro, y por eso el resultado de esos momentos sólo merece felicitaciones. El nivel canoro de la escena mencionada es el que creo que cualquier donostiarra espera que tenga una temporada de ópera en su ciudad. Y en eso la Escoilanía Easo nunca nos falla. 

Ya lo he dicho, terminado el primer acto los ánimos no eran muy positivos, pero la función remontó considerablemente en el segundo acto. No fue un éxito musical (me duele decirlo), pero tampoco el fracaso que, por momentos, temimos que pudiera ser. La arriesgada apuesta de Opus Lírica se ha salvado casi por los pelos, pero ha superado la prueba. Otra cosa es el aspecto económico, que desconozco. Sólo nos queda esperar que no sea la última ópera que veamos en la capital gipuzkoana, que aprendamos de los fallos y los aciertos y la temporada operística estable vaya para arriba. 

Crónica: La Boheme de Opus Lirica en Donostia (02-03-2018)


Creo que ya había mencionado en alguna otra ocasión que “La Boheme” de Giacomo Puccini es mi ópera favorita. No es nada extraño, es la ópera favorita de muchísimos operófilos. Quizá por ello es también la ópera que más veces he tenido ocasión de ver en vivo (con la de ayer suman 5, superando a “La Traviata” con 4). Pero lo sorprendente es que nunca me he emocionado cuando la he visto en vivo (lo sorprendente es que la única vez que he llorado a lagrimones en la ópera fuera hace 9 años en Sevilla con “La fanciulla del West”, también de Puccini, una ópera en la que no muere nadie). Y ayer, por fin, me emocioné; no hasta el punto de llorar a lagrimones, pero sí que se me inundaron los ojos.




“La Boheme”, cuyo argumento comentamos ya en este post, era una apuesta segura para esta nuevo año de la incipiente temporada operística que intenta programar Opus Lirica en la capital donostiarra, en un esfuerzo casi titánico por la falta de ayudas institucionales y los considerables problemas económicos que ello supone. Y el resultado ha sido más que satisfactorio.

Antes de comentar la función dejamos como siempre un enlace del programa.

La producción es una colaboración con la Ópera de Cámara de Navarra, perteneciendo a esta agrupación el director de escena Pablo Ramos. Su labor fue impecable, destacando los momentos que más juego cómico dan: Mimì perdiendo la llave a posta o ese Alcindoro pagando la enorme cuenta que le han endosado los cuatro bohemios y compañía. La escenografía de Raúl Arraiza y Koldo Tainta fue eficaz para las casi nulas posibilidades que ofrece el Kursaal, con unos paneles móviles que simulaban distintos ambientes, beneficiándose de la proyección de David Bernués que conseguía que, en el tercer acto, por ejemplo, uno de esos paneles, con unas escaleras, pareciera adoquinado. No es una producción bonita, pero al menos sí efectiva.

La Orquesta Opus Lirica rindió a buen nivel, sin desajustes ni desafines, pero la batuta de José Rafael Pascual Villaplana fue muy mejorable: tempos arbitrarios, a menudo lentos en exceso, frente a alguno otro demasiado rápido, y especialmente desajustado con los cantantes en el primer acto, en el que los solistas tenían que ir siguiéndole a causa de los desajustes obvios, aunque la cosa mejoró bastante a partir del “Si, mi chiamano Mimì”. Además, la orquesta sonó en demasiadas ocasiones a un volumen excesivo que llegaba a tapar a algunos solistas, aunque, por otro lado, eso permitió apreciar detalles de la orquestación pucciniana que suelen pasar desapercibidos (y que nos demuestran la genialidad de un Puccini muy anterior al de Turandot o incluso La fanciulla, pero igualmente innovador, ya que esa orquestación no suena a Verdi,pero tampoco a Wagner, ni a los franceses, ni a Mahler, y nos adelanta lo que desarrollará años después).

El Coro ADAO ha mejorado ostensiblemente desde sus primeras funciones, y ayer el segundo acto fue superado con solvencia. Especial atención, como era de esperar tras su trabajo en “Carmen”, la de la Escolanía Easo, impecables, y sonando con una naturalidad que no tienen los coros infantiles discográficos; visto su nivel, creo que hay que sacarles el mayor partido posible y poder disfrutarlos en la prueba de fuego de un coro infantil: el final del Mefistofele de Boito. Puestos a pedir…

Jagoba Fadrique, director del coro ADAO, encarnó el doble papel de Alcindoro y Benoit tirando de bis cómica, gallos tradicionales incluidos, y resultó solvente, aunque los papeles no le den juego para lucirse.

Interesante la voz de César San Martín como Schaunard, sonora y en manos de un intérprete sutil que supo sacarle partido a un personaje que me parece muy interesante. Menos brilló el Colline de Alessandro Tirotta, con una voz sin brillo, de timbre un tanto claro en exceso y con algún problema en el registro agudo. Cantó con mucho gusto su breve monólogo “Vecchia Zimarra”, en pianísimo, pero tuvo algún problema vocal. Aprobado.

Muy bien Helena Orcoyen como Musetta, pese a un vibrato algo excesivo en el agudo, que por otra parte no molesta en la parte más histérica del personaje, que por otra parte fue la más lograda, aunque supo resulta emotiva en el último acto.

Grata sorpresa la del barítono Andrei Bondarenko como Marcello: voz noble, lírica, de timbre bello y claro, que se hacía oír en el Kursaal sin problemas, pese a la problemática acústica, y sin forzar el instrumento. De hecho, fue en las pocas frases en las que forzó el instrumento, en el segundo acto, donde peor estuvo. Interpretativamente le faltó un poco más de ironía en el acto segundo y en el cuarteto final del tercero, estando más efectivo en las partes más dramáticas. Pero fue una voz muy disfrutable en todo caso.

El valor de Francisco Corujo no tiene nombre. Nunca le había escuchado previamente, pero ayer la sensación que me dio es que su voz es casi la de un tenore di grazia, muy alejada del tenor lírico con cuerpo vocal que exige Rodolfo. Atreverse a cantar un papel así en un lugar del tamaño del Kursaal ya es tener valor, pero hacerlo en su estado (megafonía avisó que se encontraba indispuesto a causa del brutal cambio de clima, y el catarro se hizo evidente en toda su intervención) son si cabe palabras mayores. No tiene demasiado sentido, por tanto, comentar una intervención realizada muy por debajo de sus posibilidades reales y destacar los aspectos negativos, que eran lógicos. Por comentar algo: en su aria “Che gelida manina”, tras un Sib muy justito en “Chi son”, me resultó sorprendente la aparente facilidad con la que atacó los nada fáciles La del “Talor dal mio forziere”, mientras el Do de pecho de “la speranza” aguantó pese a un breve instante en el que pareció que fuera a romperse. Intérprete de gran gusto, su mejor momento, siempre con las limitaciones propias de su situación, fue el “Oh Mimì, tu più non torni”, luciendo medias voces en mixto de gran belleza, muy bien acompañado por Bondarenko, todo sea dicho.

Tras su Micaela en la pasada “Carmen” me quedé un tanto preocupado por el estado vocal de Ainhoa Garmendia, que está en ese difícil tránsito de soprano lírico-ligera a lírica pura, sin llegar a ser ninguna de las dos: los agudos ya no tienen el brillo de antaño, no siempre salen limpios, pero tampoco tiene los graves necesarios para un papel como Mimì y la voz tampoco va sobrada de peso. Y, pese a todo, su Mimì fue memorable, porque Garmendia es una artista que saca adelante el papel sacando el mayor partido a sus recursos vocales, en especial su capacidad para matizar. Correcta en el “Sì, mi chiamano Mimì” (confieso que por momentos llegó a ponerme la carne de gallina), fue a más a partir del tercer acto. Magnífica en el dúo con Marcello, se salió en la bellísima “Donde lieta uscì”, rematada con un “Addio senza rancor” en un pianisimo interminable de esos que son pura magia, y consiguió emocionarme. En el cuarto acto, tras superar el “Sono andati” que pone a prueba su tesitura grave, se fue apagando ya desde las últimas frases del dúo, rematando así con suma credibilidad la escena de su muerte, con esas frases apenas susurradas (pero siempre audibles) que inundaron mis ojos (y no creo haber sido el único). Habrá que ver qué tal se desenvuelve en futuros compromisos, pero esta Mimì la ha superado con sobresaliente.

Tristemente, la respuesta del público no ha sido tan positiva como la de Carmen; no es que el Kursaal estuviera vacío (no vamos a rememorar los negros recuerdos de aquel primer “Elissir”), pero aún así había demasiadas localidades libres. Esperemos que sea algo puntual, pero, en todo caso, a los donostiarras (y de los alrededores) que no vayan por desidia, sólo se les puede decir “Vosotros os lo perdéis”.



Crónica: Carmen de Opus Lirica en Donostia (10-02-2017)


Carmen de Bizet. Una de las óperas que más odio. Y esta iba a ser la tercera vez que la vería en vivo (las tres en Donostia, curiosamente). Iba camino del coche para ir a la función (empezando a las 8, era obvio que no iba a poder volver en bus a casa), medio dormido, preguntándome “¿Quién me manda a mí ir a una ópera que no me gusta a quedarme dormido?”. Bueno, el sentido de obligación de apoyar a Opus Lirica en ese intento por tener una temporada de ópera estable en Donostia es un motivo de mucho peso, sin duda. Pero la sorpresa fue que disfruté como un enano de la función.




¿Cuál es mi problema con Carmen? Todo el mundo se extraña de que no me guste; es de hecho una de las pocas óperas de repertorio que puedo decir que no me gustan (junto con Don Giovanni, La forza del destino, la Manon de Massenet y la Manon Lescaut de Puccini… acabo de ganarme enemigos a patadas por mi sinceridad). Y es que yo, cuando voy a la ópera (lo mismo me vale para el cine), necesito una de estas dos cosas: o que me divierta (caso del pasado Don Pasquale) o que me emocione (caso de La Traviata). Pues bien, se supone que Carmen divertida no es. Y para que una ópera me emocione, necesito empatizar con los protagonistas, y en este caso eso me resulta imposible: por hablar finamente, ella me parece una fresca y él un idiota. No puedo empatizar con ellos.

Y no, desde luego ayer no me emocioné. Pero curiosamente me divertí, y mucho. A parte de disfrutar de algunos de los grandes momentos que ofrece la partitura.

Comienzo ya la crónica de la función, dejando antes de nada un enlace del equipo de la función.

La producción de Ekaitz Unai González Urretxu era sencilla (hay que tener en cuenta que el escenario del Kursaal no ofrece apenas posibilidades de escenografía, dadas sus reducidas dimensiones), una especie de andamios de palés de distintos tamaños que se giraban para emular los distintos escenarios. Quizá los momentos mejor resueltos en ese sentido fueron los dos últimos actos. En todo caso, este recurso escénico recuerda demasiado al del pasado “Rigoletto”… En cuanto a la dirección de actores quizá me sobró que Don José tirara tantas veces al suelo a Carmen en el dúo final, así como las tres puñaladas que le dio (yo es que me imagino sólo una…), pero en general la dirección de escena fue correcta.

Magnífica la labor de la Orquesta Opus Lirica dirigida por Andrea Albertin, al que cabría achacarle quizá una excesiva lentitud en la chanson bohemienne a la que le faltó un poco de chispa. Lo compensó un bellísimo preludio del tercer acto casi mágico. A destacar así mismo la introducción de las trompas al aria de Micaela. Cosa extraña, los metales no sonaron desafinados en ningún momento. De agradecer también que la orquesta no tapara a los solistas, ya que pudimos escuchar a todos ellos sin problemas incluso desde la parte superior del Kursaal, donde yo me encontraba.

Sorpresa también la labor del coro Tempus Ensemble. En el pasado Don Pasquale me pareció solvente para una ópera en la que apenas tiene participación, pero Carmen es otra cosa: aquí el coro tiene mucha más participación, y no fácil precisamente. Cumplió más que satisfactoriamente, consiguiendo incluso interesantes pianísimos. Y maravillosa la participación de los niños de la Escolanía del Coro Easo, muy bien en el primer acto y fantásticos en el 4º; Ese comienzo del último acto, con el coro infantil y el de adultos rindiendo al máximo, fue uno de los mejores momentos de la noche, si no el mejor; yo no podía parar de moverme en mi butaca.

Correcto (aunque intrascendente) el ballet de la Escuela Municipal de Música y Danza de San Sebastián durante la Chanson Bohemienne.

Vamos ya con el reparto.

El Morales de Iosu Yeregui sería lo mejor que le he visto hasta ahora al bajo donostiarra, si no fuera porque masacró los agudos con una emisión imposible. Mejor cantado, aunque con una voz sin mayor interés, el Zuñiga de José Antonio García.

Sorprendía ver a Jagoba Fadrique, que en La Traviata había interpretado un papel de bajo como es el Doctor, cantar una parte de barítono más bien agudo como Dancaire. Y hubo alguna frase en el tercer acto que no salió del todo bien, quizá demasiado aguda para su tesitura. Pero su intervención en el magnífico quinteto del segundo acto fue más que correcta. Lo mismo se puede decir del Remendado de Gillen Munguia (recuerdo todavía que en aquella primera ópera de Opus Lirica, “L’elissir d’amore”, nos sentamos juntos, y ahora le veo en el escenario…), que sabía a poco en un papel tan breve. El citado quinteto salió redondo, y no se puede pedir más de estos personajes.

Un acierto la Frasquita de Helena Orcoyen y la Mercedes de Marifé Nogales, ambas perfectamente compenetradas, con voces que combinaban a la perfección, gracia escénica y buen canto. Magníficas ambas.

El Escamillo de Enrico Marrucci fue razonablemente solvente, dadas las dificultades del papel. En el aria del toreador se le notaba incómodo en la zona más grave del registro, pero es que es un aria muy difícil precisamente por la amplitud de registro que le acerca al de bajo. Mejorable el ataque al agudo del estribillo (“Qu’un oeil noir te reGARde), pero en todo caso el aria fue solvente, y su labor mejoró en el final del tercer acto.

Poco se puede decir de Ainhoa Garmendia, muy querida ya por el público. Aquí se hacía cargo del papel algo ñoño de Micaela, perfecta escénicamente y sin ningún problema vocal, apianando a su gusto y regalándonos unas bonita versión del aria del tercer acto.

Quizá el mayor punto negro de la función fuera el Don José de Eduardo Sandoval, con una versión verista del personaje, que recordaba más a Corelli que al estilista Gedda. Un canto casi siempre en forte (lo que perjudicó a la Garmendia al final del dúo del primer acto, donde a ella no se le oía el pianísimo final porque él se la comía) que hizo que el aria de la flor resultara más bien aburrida, falta de matices. Para colmo, el agudo sonaba opaco, sin fuerza, sin squillo, a diferencia del resto del registro. Mejoró como era de esperar en el tercer acto, donde sus frases al final del acto se adecuaban más a su visión del personaje.

Y lujazo poder contar con la Carmen de María José Montiel, famosa intérprete del rol que domina a la perfección. Baste con escuchar su “l’amour” al final de la canción del toreador para ver su coquetería y sus artes de seducción. Vocalmente impecable (salvo algún agudo algo tirante… alguno, que no todos, por cierto), era la viva personificación de Carmen. Simplemente magnífica. no hace falta decir más.

El Kursaal estaba lleno hasta los topes (y alegraba ver una media de edad considerablemente inferior a lo habitual; mucha gente joven e incluso niños) y respondió con entusiasmo en los aplausos. Al éxito artístico se sumaba por tanto el éxito de público. No servirá para mejorar la situación financiera de Opus Lirica, pero sí para demostrar (tanto a la propia compañía como a las instituciones que deberían aumentar su financiación) que la ópera tiene futuro en Donostia.

Si he de elegir lo mejor de la noche, me quedo con dos momentos: el ya mencionado coro del comienzo del cuarto acto y el final del segundo acto en el que, ahí sí, me emocioné.

Aunque sigo pidiendo a Opus Lirica más riesgo en la elección de los títulos a representar, esta Carmen ha sido todo un acierto. Sólo un aviso: después del elevado nivel artístico que nos están ofreciendo, el día que la pifien (y lo harán, no hay teatro que no lo haga), el tortazo va a ser mayúsculo. Pero mientras tanto, que nos quiten lo bailado… y ya han conseguido que yo disfrute con una Carmen, lo que a priori parecía imposible.



Crónica: Te Deum de Berlioz en la Quincena Musical (31-08-2016)


La clausura de la edición de 2016 de la Quincena Musical Donostiarra tenía un reto de más, ya que suponía la clausura de la edición de la capitalidad europea de la cultura, por lo que había que darle un tinte local pero al mismo tiempo espectacular. Por eso se optó por la interpretación del gigantesco Te Deum de Berlioz, que requiere una gran orquesta y coro, para lo que se unieron en el escenario las dos grandes orquestas vascas, la sinfónica de Euskadi y la sinfónica de Bilbao, los Orfeones Donostiarra y Pamplonés y la Escolanía Easo (que, para que pudieran entrar en el más bien reducido escenario del Kursaal, se hizo necesario eliminar varias filas de asientos), al que se sumarían además dos pequeñas obras (pequeñas por duración) de compositores autóctonos. El resultado cumplió con las expectativas que había, desde luego. Dejo, antes de nada, un enlace del programa.




Hector Berlioz era un compositor muy dado a la espectacularidad, a juntar grandes masas orquestales y corales en algunas de sus obras. De hecho, para el estreno de este Te Deum contó con un coro infantil de nada menos que 600 integrantes. Es una obra realmente magnífica (y conste que no soy yo muy fan de Berlioz), con algunos momentos memorables, que si se interpreta como es debido es muy disfrutable.

El encargado de dirigir el concierto fue Víctor Pablo Pérez, un director por el que no tengo una especial predilección, pero que en este caso cumplió con solvencia, consiguiendo un magnífico sonido de la fusión de ambas orquestas, especialmente en las cuerdas (las maderas en ocasiones se hicieron oír demasiado), que permitía que se oyeran las voces del coro, que, en definitiva, no se dedicó a dejar sordo al público con un chorro de sonido a máximo volumen, sino que supo extraer los matices de la partitura. Un trabajo más que notable, tanto el suyo como el de ambas orquestas. Quizá, en todo caso, algo lento (sinónimo en este caso de falto de tensión) el ritmo de la introducción del Te Deum y algo rápido el de la última parte, el Judex Crederis.

El joven organista labortano Thomas Ospital consiguió destacar en sus momentos solistas, con un magnífico sonido, especialmente en la introducción del ya mencionado Judex Crederis. Me temo que su labor pasó demasiado desapercibida entre el público.

Bastante flojo, en cambio, el tenor Christian Elsner en su parte solista  del te ergo quaesumus (una parte bellísima, por cierto); la voz sonaba sin brillo, falta de proyección y con un timbre demasiado dramático en una parte que pide una voz más plenamente lírica.

Tanto el orfeón Donostiarra como su homólogo Pamplonés brillaron en sus intervenciones, con esos juegos de dinámicas, con esos momentos poco menos que susurrados (bellísimo el comienzo del Dignare), y apabullantes en los momentos en forte. Sobresalientes, como cabía esperar de dos formaciones de su nivel.

Magníficos también los jóvenes miembros de la Escolanía Easo (y del Araoz Gazte Abesbatza (que, formada por chicas adolescentes, continúa la labor de la escolanía), especialmente remarcables de nuevo en  ese Judex Crederis que fue un momento para guardar en la memoria. Berlioz habría querido más niños en el coro, desde luego, pero pese a ser bastante pocos en comparación con los adultos, y mal situados en el escenario (lo lógico habría sido situarlos en el centro del coro, y no en un lateral), consiguieron hacerse notar.

Se completaba el concierto con dos obras en euskera (ya va siendo hora de situar a nuestra lengua, la única pre-indoeuropea que pervive en Europa, en el lugar musical que le corresponde). La primera fue el “Aita Gurea” del oñatiarra Aita Madina. Fue sin duda la parte menos atractiva del concierto.

Desconozco las versiones que existen de esta obra (yo he escuchado una exclusivamente coral); aquí se escogió poner a un miembro de la escolanía Easo, Javier Sánchez, como solista. La voz sonaba insegura (como para no… si yo llego a estar en el lugar del pobre niño, me meo en el escenario directamente), aunque de timbre realmente bello. El mayor problema es que, al tener que cantar junto con el coro, en muchos momentos no se le oía (como para oírsele sobre dos pedazo de coros…). Muy bien por su parte, que hizo claramente lo que pudo, pero la elección quizá no fuera la más adecuada.

Y el concierto terminaba con esa impresionante obra que es el Gernika de Pablo Sorozabal, en mi opinión el más grande compositor no sólo donostiarra, sino también euskalduna (y si entendemos euskalduna incluyendo Navarra e Iparralde, significa que lo pongo por delante del mismísimo Ravel…). Para la interpretación de esta obra se contó además con la participación de la Euskal Herriko Txistulari Elkartea.

Orquesta, coro y txistularis sonaron maravillosamente, y el resultado en su parte final era para poner la carne de gallina. Destacar de nuevo a los niños de la Escolanía Easo, que en sus breves intervenciones consiguieron hacerse oír, consiguiendo un bellísimo efecto. Y sobresalientes los coros.

Como propina, y ante la plana mayor del PNV (lehendakari, diputado general de Gipuzkoa y alcalde de Donostia incluidos) se interpretó el Agur jaunak, con el público en pie (y más de uno cantando).

Tanto el Te Deum de Berlioz como el Gernika de Sorozabal bien merecerían ser grabados (o publicados en video en youtube, por lo menos), porque fueron unas interpretaciones sobresalientes que dieron un digno colofón a esta edición de la Quincena tan especial. No, no fue en mi opinión el mejor concierto (para eso sigue imbatible la 3ª de Mahler), pero sí un concierto propiamente local que demostrara uno más de los innumerables motivos por los que nuestra querida Donostia merecía ser la Capital Europea de la Cultura 2016.