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Centenario del estreno de Gianni Schicchi (14-12-2018)

“Gianni Schicchi” es la más popular de las tres óperas que forman Il Trittico de Puccini, y es además la única comedia que compuso. Es por ello que representa el cielo, pese a estar extraído su argumento, con libreto de Giovacchino Forzano,  de una historia que narra Dante en la parte correspondiente al Infierno de su Divina Comedia. La absoluta genialidad de la obra es un buen indicativo del talento teatral de Puccini incluso en un campo tan ajeno a su obra como es la comedia. 

Como siempre, antes de pasar a comentar la obra dejamos un enlace al libreto. 

Nos encontramos en Florencia, ciudad Güelfa por excelencia, el 1 de septiembre de 1299 (el libreto es muy explícito con la fecha), en la rica mansión del mercader Buoso Donati. El libreto no señala sobre este personaje que existió realmente que en ese momento es viudo y no tiene hijos, y su riqueza proviene de su oficio y de ser uno de los líderes güelfos de la ciudad. 

Nos encontramos el el dormitorio del mercader, que justo acaba de morir. Sus numerosos familiares (primos, sobrinos…) lloran su pérdida, interrumpidos por los jugueteos del niño Gherardino, hijo de Gherardo, uno de los sobrinos de Buoso. Finalmente, por orden de Zita, la gruñona prima del difunto, sacan al niño de la habitación. Al poco, comienzan a escucharse unos murmullos; Zita, harta de escuchar esos cuchicheos, insiste en que digan en voz alta lo que se están contando los unos a los otros: en Signa, ciudad cercana, se comenta que Buoso ha dejado toda su herencia a un convento de monjes. Escuchamos la introducción con Ewa Podles como Zita:

Todos acuden en busca del consejo de Simone, primo de Buoso, el mayor de todos los parientes y antiguo alcalde de Fucecchio. Éste sugiere que, si el testamento no está en manos de un notario, sino en la casa, igual se puede hacer algo, así que todos se ponen a buscarlo. Rinuccio, el más joven, lo encuentra y pide, a cambio que le den el permiso de casarse con su amada Lauretta, la hija de Gianni Schicchi. Escuchamos la escena con Carlo del Monte como Rinuccio y Paolo Montarsolo como Simone:

Ante la insistencia de todos, su tía, Zita, le concede el permiso para casarse. Rinuccio, satisfecho, manda a Gherardino a buscar a Gianni y a Lauretta. Escuchamos de nuevo a Carlo del Monte:

Zita y Simone comienzan a leer el testamento. Todos desean ser los herederos de la casa, de la mula y del molino de Signa, los bienes más preciados que tiene Buoso. Pero a medida que van leyendo, la alegría desaparece de sus rostros. Escuchamos la escena con Ana Maria Canali como Zita y Paolo Montarsolo como Simone:

Todos están enfadados al comprobar que Buoso ha dejado toda su herencia a un convento. Comentan como los fariles engordarán mientras ellos no tendrán nada que comer. Zita comenta que nunca habrían pensado que, a la muerte de Buoso, sería llorado de verdad, ya que todas las muestras de lástima por su muerte, que eran falsas, han desaparecido. Escuchamos la escena con Ewa Podles como Zita, Roberto Alagna como Rinuccio y Ebrico Fissore como Simone:

Entonces empiezan a susurrar si no hay forma de cambiar el testamento. Simone da a entender que es imposible, pero Rinuccio sugiere buscar la ayuda de Gianni Schicchi. Zita, enfadada, le quita la idea de casarse con ella, pero Gherardino anuncia que ya llega Gianni con su hija. Todos se enfadan y Gherardino se lleva una paliza por haberlo traído. La familia se niega a que un Donati se case con una familia recién llegada del campo, la gente nueva. Pero Rinuccio afea sus prejuicios, ya que Gianni es un personaje muy astuto. Escuchamos la escena con Roberto Alagna:

Rinuccio pasa entonces a a elogiar a la ciudad de Florencia, que crece gracias a toda la gente que viene del campo, desde Arnolfo o Giotto hasta los Medici o Gianni Schicchi, y recrimina la actitud de rechazo a la gente nueva que muestra su familia. Escuchamos así el aria “Firenze è come un albero fiorito” cantada por Giuseppe di Stefano:

Llega en ese momento Gianni Schicchi acompañado por su hija Lauretta, que corre a abrazar a su amado. Gianni se sorprende del apagado aspecto de la familia, y piensa que Buoso se ha recuperado, pero cuando se da cuenta de que Buoso ha muerto, les expresa con ironía sus condolencias, pero les dice que les queda la herencia. Zita no tarda un segundo en decirle que la herencia es para los frailes. Ellos están desheredados, así que no habrá consentimiento para que su hija se case con Rinuccio. Escuchamos la escena con Tito Gobbi, Victoria de los Ángeles, Carlo del Monte y Ana Maria Canali:

Schicchi le recrimina su tacañería a Zita, y comienza una pelea entre ellos, ante la desesperación de la pareja de amantes, que ven como sus esperanzas de casarse desaparecen. El resto de familiares insta a que se dejen de peleas de enamorados y piensen en el testamento, y entonces Rinuccio toma la iniciativa y le pide ayuda a Gianni, pero este se niega. Escuchamos la escena con los mismos intérpretes de antes:

La única persona que puede hacer entrar a razón a Gianni es su hija Lauretta: o se casa con Rinuccio, o se suicidará arrojándose al Arno. Escuchamos la famosísima aria “O mio babbino caro” cantada por una espectacular Victoria de los Ángeles (si cabe alguna duda, así es como tiene que cantarse este aria):

Ante ese argumento, a Gianni no le queda otra opción que intentar ayudar a los Donati. Pide el testamento, lo lee, busca alguna opción, pero no consigue encontrar nada, para desesperación de su hija y Rinuccio. De golpe, parece tener una idea, pero le pide a Lauretta que salga a la terraza, deteniendo a Rinuccio, que pretende seguirla. Seguimos escuchando al mismo reparto de antes:

Una vez su hija se va, pregunta si nadie más sabe de la muerte de Buoso. Ante la respuesta afirmativa, pide que no se difunda la noticia, que retiren el cuerpo y rehagan la cama. Pero en ese momento se oye llamar a la puerta. Es el doctor, que no debe entrar bajo ningún concepto en la habitación: 

Para evitar que el doctor entre, todos los familiares le dicen que Buoso está mejor, y que quiere descansar. Pero ante su insistencia, Gianni finge la voz de Buoso y le dice que está bien pero que necesita descansar, y convence así al doctor de que se vaya, orgulloso de que otro paciente suyo no se haya muerto. Los familiares se sorprenden de lo lograda que está la imitación de la voz que Gianni ha hecho de Buoso, pero siguen sin entender cuál es su plan:

Hay que avisar al notario de que Buoso, al haber empeorado, quiere hacer un nuevo testamento. Gianni fingirá ser Buoso, ya que tienen la misma enorme nariz, y en la cama será difícil que se den cuenta del cambio. Y así podrá modificar el testamento. Toda la familia se emociona ante el plan, y Zita manda a Rinuccio a buscar al notario. Todo va muy bien hasta que Simone saca el tema de la división de la herencia. Escuchamos al magnífico Tito Gobbi cantar el aria “Si corre dal notaio”:

No hay problema en el reparto del dinero en contando, a partes iguales entre todos, ni de los bienes de los pueblos de los alrededores. La cosa cambia con los bienes más preciados: la casa, la mula y el molino de Signa. El amor entre parientes no tarda en desaparecer cuando todos se pelean por conseguir ser los herederos, y Gianni se burla de ellos:

El sonido de una campada fúnebre los detiene. Mientras, Lauretta vuelve a entrar en la habitación y Gianni se deshace de ella. Todos piensan que se ha descubierto la muerte de Buoso, pero Gherardo trae la noticia de que ha muerto otra persona. Entonces, Simone decide que sea Gianni el que elija quién se quedará con esos bienes más preciados:

No hay tiempo que perder. Gianni empieza vestirse con las ropas de Buoso, mientras los familiares intentan sobornarlo para que les nombre herederos a ellos. Las mujeres le acuestan y le halagan para conseguir su favor:

Pero Gianni les advierte del riesgo que corren: si son descubiertos, la pena es que les corten la mano y el exilio (de ahí que se deshaga de su hija para que no sepa nada). Gianni canta una canción de despedida a Florencia como si fuera un exiliado Gibelino para recordarles a todos que se estén bien calladitos: 

Llaman a la puerta. Gianni se mete en la cama y todos acogen al notario y los testigos. Gianni imita perfectamente la voz de Buoso, y con la habitación a oscuras no hay forma de verle. Tras pedir que los parientes se queden presentes mientras dicta el testamento, Gianni cede pocas monedas a los monjes, y cuando el notario le dice si no es poco, él contesta que así no pensarán que es dinero robado. Luego reparte los bienes tal como los parientes han estipulado, hasta que llegan a la mula, la casa y el molino de Signa, que lega a Gianni Schicchi, para desesperación de unos parientes cada vez más incapaces de contener su furia. Gianni vuelve a cantar la canción de despedida de Florencia para recordarles que es mejor que sigan fingiendo. La escena está llena de una finísima ironía que la convierte en una comedia absolutamente genial. Terminado el testamento, Gianni le hace a Zita dar de su bolsillo una buena propina al notario y a los testigos, y Gianni los despide. Escuchamos la escena con leo Nucci como Gianni:

Nada más desaparecen el notario y los testigos, los familiares se abalanzan sobre Gianni, pero este se defiende a palos, y ellos aprovechan para robar todos los objetos que pueden de una casa que ya es propiedad de Gianni. Volvemos a escuchar a Tito Gobbi:

Mientras, Rinuccio ha estado ausente de la escena, ya que ha salido a la terraza a encontrarse con su amada Lauretta. Ese será su hogar y podrán vivir felices. Gianni ha conseguido echar a los familiares y recuperar algunos de los objetos que se llevaban, y mira complacido a la pareja. Escuchamos a Carlo del Monte, Victoria de los Ángeles y Tito Gobbi:

Gianni entonces se gira hacia el público y, hablando, comenta que esa es la mejor forma en la que podían terminar los dineros de Buoso: en manos de esta pareja. Su castigo será el infierno, pero si el público se ha divertido, les pide que aplaudan como atenuante a su castigo. Escuchamos el recitado final con Tito Gobbi:

Y así termina la magistral única comedia de Puccini, una maravillosa obra llena de ironía y comicidad. Y concluimos, como siempre, con un Reparto Ideal:

Gianni Schicchi: Tito Gobbi. 

Rinuccio: Roberto Alagna. 

Lauretta: Victoria de los Ángeles. 

Simone: Paolo Montarsolo. 

Zita: Ewa Podles. 

Dirección de Orquesta: Bruno Bartoletti. 

150 años de la muerte de Gioachino Rossini (13-11-2018)


Olvidado desde finales del siglo XIX hasta mediados del siglo XX, en parte debido a la dificultad de su escritura vocal, es a día de hoy, tras la recuperación de buena parte de sus óperas, uno de los compositores italianos más conocidos del repertorio operístico. Hoy día, con ediciones críticas de sus partituras y con voces con la técnica adecuada para interpretar sus, a menudo, vocalmente terribles partituras, podemos disfrutar de las numerosas obras maestras que firmó Gioachino Rossini.




Gioachino Antonio Rossini nació en Pesaro el 29 de febrero de 1792. La ciudad formaba parte en aquella época de los Estados Pontificios, pero su padre, Giuseppe, tenía una ideología revolucionaria que le hará apoyar la invasión napoleónica de Italia, por lo que, tras la vuelta al poder del papado, provocó que la familia estuviera trasladándose continuamente de ciudad en ciudad huyendo de la justicia papal.

Su padre tocaba la trompa en las bandas municipales y su madre era una discreta cantante. Por ello, pese a los orígenes familiares humildes, la vocación musical de Rossini no tarda en salir a la luz, en especial durante su estancia en el municipio de Lugo, en la provincia de Ravena, de la que era originario su padre, donde comenzó su educación musical forma, y cuyo resultado será su primera obra importante como compositor, las 6 sonatas para cuatro instrumentos, compuestas en 1804, cuando contaba con 12 años de edad. Escuchamos la cuarta de estas sonatas, “La tempesta”:

Poco después, la familia se traslada a Bolonia, en cuyo conservatorio Rossini estudiará canto, piano y espineta, además de composición, estudiando en especial las obras de Mozart, Haydn y Cimarosa. Ya hacia 1808 compone su primera ópera, por encargo del tenor Domenico Mombelli, para ser interpretada por él y por sus dos hijas; su esposa Vincenzina será incluso quien se haga cargo del libreto. El resultado es la ópera “Demetrio e Polibio”, que, pese a todo, no será estrenada hasta 1812. Escuchamos el aria de Demetrio cantada por el tenor Dalmacio González:

Pero será en 1810 cuando Gioachino estrene su primera ópera: será la farsa, o comedia en un acto, “Le cambiale di matrimonio”, que estrena en el veneciano teatro San Moisè el 3 de noviembre. Escuchamos el aria de la soprano Fanny, “Vorrei spiegarvi il giubilo”, cantada por Luciana Serra:

El género de la farsa le dará un gran éxito a Gioachino Rossini en sus primeros años de carrera. Así, entre 1811 y 1813 estrenará 6 óperas de este género: “L’equivoco stravagante”, “L’ingano felice”, “La scala di seta”, “La pietra del paragone”, “L’occasione fa il ladro” y, por último, “Il signor Bruschino”, quizá la más famosa de todas, en especial por esa obertura que incluye el efecto sonoro de los arcos golpeando los atriles, que escuchamos a continuación:

Su trabajo en estas farsas, y el considerable éxito que alcanzan algunas de ellas, prepara su camino como compositor de grandes óperas bufas, pero será otro género el que le catapulte a la fama. En 1812 estrena dos dramas: “Ciro in Babilonia” y ese “Demetrio e Polibio” que esperó varios años a ser estrenado. Pero será en 1813 cuando estrene el que será su mayor éxito hasta la fecha, “Tancredi”. Pese a ciertos problemas durante el estreno que impidieron que se terminara de representar el segundo acto, la ópera caló en el público veneciano, en especial el aria del protagonista, Tancredi, interpretado por una mezzo travestida (lo que ya nos señala que nos encontramos más ante una ópera seria clásica que ante un drama romántico), “Di tanti palpiti”, que escuchamos cantada por Marilyn Horne:

Poco después, en mayo de ese mismo 1813, estrena una de sus obras maestras, en este caso del género bufo, la maravillosa “L’italiana in Algeri”, ópera que triunfó entre el público y que se encuentra entre las pocas óperas del compositor que se han seguido representando casi de forma ininterrumpida (con la excepción de las dos primeras décadas del siglo XX) hasta la actualidad. Con grandes números solistas y reivindicaciones patrióticas (basta recordar el aria de Isabella “Pensa alla patria”), si por algo destaca esta ópera es por sus magistrales números de conjunto en los que Rossini sabe sacar el máximo partido de las situaciones cómicas que le plantea el libreto: el terzeto “Pappatacci”, el quinteto del café y, en especial ese concertante onomatopéyico final del I acto, quizá la excena más divertida de toda la creación del compositor, de una maestría genial:

No deja de resultar curioso, por otro lado, el tratamiento de género en esta ópera: es la mujer la que va en rescate del amado, engaña al bobalicón Mustafá y demuestra una independencia poco frecuente en la ópera de la época.

Tras estrenar, a finales del mismo año, una nueva ópera seria, “Aureliano in Palmira”, en Milán, repite en esta ciudad en 1814 con otra comedia, “Il Turco in Italia”, otra obra cómica magistral que, desgraciadamente, no tiene una gran acogida en el estreno, siendo comparada con la comedia precedente. Pero se trata de otra partitura magistral, con momentos de lucimiento vocal para sus personajes y otros de enorme comicidad, como este dúo entre Geronio y Fiorilla “Per piacere alla signora” que escuchamos cantado por Alessandro Corbelli y Olga Peretyatko:

En 1815, Gioachino Rossini es llamado a Nápoles por el empresario teatral Domenico Barbaja, que le contrata para componer óperas serias en el teatro San Carlo. Dicho teatro cuenta con un  impresionante elenco de cantantes para los que Rossini compondrá expresamente muchos de los roles de las óperas escritas para el teatro napolitano, entre ellas Isabella Colbran, con la que se casará años después, en 1827. Ella, junto a los tenores Andrea Nozzari y Manuel García, estrenará “Elisabetta, regina d’Inghilterra”el 4 de octubre de 1815. Escuchamos el aria de la protagonista, “Quant’è grato all’alma mia” cantada por Joyce DiDonato:

Pero su contrato con Barbaja no le impide seguir componiendo para otros teatros, y así, el 20 de febrero de 1816 estrena en Roma una nueva comedia, que será un fracaso en sus primeros días, pero que se convertirá en su ópera más famosa: “Il barbiere di Siviglia“. Escuchamos para comenzar el aria de la mezzo, “Una voce poco fa”, cantada por Teresa Berganza, en la que podemos observar que Rossini toma prestados motivos musicales del aria de la Elisabetta que acabamos de escuchar:

Escuchamos también el aria de Figaro “Largo al factotum”, otro de las arias rossinianas más famosas, en la voz de Leo Nucci:

Y terminamos escuchando el aria del bajo buffo “A un dottor della mia sorte”, con ese endiablado canto sillabatto que borda el bajo Enzo Dara:

De nuevo para Domenico Barbaja, pero en este caso para otro teatro Napolitano, el Teatro del Fondo (actual Teatro Mercadante) compone Gioacchino Rossini su segunda gran ópera dramática napolitana, “Otello“, en la que, además de con la Colbran, cuenta por primera vez con la pareja de tenores formada por el baritenor Andrea Nozzari, que será Otello, y Giovanni David, que será Rodrigo. Escuchamos el dúo entre Otello y Rodrigo, “Ah, vieni”, cantada por Gregory Kunde como Otello y Juan Diego Flórez como Rodrigo, ambos magníficos exponentes de las dos diferentes tipologías de tenor rossiniano, seguido del final del segundo acto, con Olga Peretyatko como Desdemona:

También en 1816 estrena la cantata “Le nozze di Teti e di Peleo”, de la que escuchamos el aria “Ah, non potrei resistere”, cantada por Mariella Devia y dirigida por Alberto Zedda, un musicólogo y director de orquesta clave en la recuperación del legado rossiniano:

En 1817, Gioacchino Rossini estrena 3 nuevas óperas. Comienza estrenando en enero en Roma una nueva comedia, la 4ª y una de sus obras más famosas y perdurables, “La Cenerentola“, curiosa adaptación del cuento de la Cenicienta, que si bien no arrasa en el estreno, lo hará poco después. Rossini recurre, como es frecuente en él, al autopréstamo, adaptando el aria final del Conde Almaviva del Barbiere, “Cessa di più resistere” para convertirla en el rondó de Angelina, la Cenerentola, que cierra la ópera, “Non più mesta”, que escuchamos cantada por Cecilia Bartoli:

Endiabladas coloraturas que contrastan con el canto buffo que le da al padre (el malo de la historia a falta de madrastra), Don magnifico, al que otorga arias llenas de guiños bufos y de canto sillabato, al que saca un gran partido el gran Paolo Montarsolo:

En mayo vuelve a la Scala de Milán, en la que no estrenaba desde 1814, para presentar una ópera semi-seria, un tipo de ópera que apunta a tener un final trágico que se resuelve en el último segundo. El estreno fue un éxito rotundo, y de esta ópera es especialmente recordada la chispeante obertura, una de las mejores salidas de la pluma de Rossini, que escuchamos dirigida por Claudio Abbado:

Y en noviembre estrena su tradicional drama en Nápoles, en este caso “Armida”, basada en el drama de Torquato Tasso, que no alcanza un gran éxito pese a tener como pareja protagonista a Nozzari y la Colbran. De esta obra destaca el dúo de amor de la pareja protagonista, “Amor, possente nome”, que escuchamos cantado por Bruce Ford y Cecilia Gasdia:

Y todavía le queda tiempo para estrenar otra ópera más, “Adelaide di Borgongna”, en diciembre. Y en 1818, Rossini estrena su cantata “La morte di Didone”, compuesta unos años antes, y que escuchamos cantada por Jessica Pratt:

Ese mismo 1818, Gioacchino Rossini estrena dos dramas en Nápoles. El primero será “Mosè in Egitto”, de la que es especialmente famosa la plegaria de Moisés “Dal tuo stellato soglio”, que escuchamos cantada por Nicola Rossi-Lemeni:

Y estrena a continuación “Riccardo e Zoraide”. También en 1819 estrena otras dos óperas en Nápoles. La primera será “Ermione”, basada en la mitología griega en su adaptación por Racine. La ópera es un notable fracaso y no vuelve a representarse hasta bien entrado el siglo XX. Escuchamos el aria “Balena in man del figlio” cantada por el baritenor Chris Merritt:

Mucha mejor suerte correrá la otra ópera, estrenada unos meses después, “La donna del lago”, basada en la obra de Walter Scott, que le abre a Rossini las puertas del romanticismo. Escuchamos el aria de Malcolm “Mura felici” cantada por Ewa Podles:

Y escuchamos también el aria de Giacomo “O fiamma soave”, cantada por Rockwell Blake:

Tras regresar a Milán a finales de 1819 para estrenar “Bianca e Falliero”, en 1820 estrena en Nápoles “Maometto Secondo”, nuevo fracaso, de la que escuchamos el aria “Non temer d’un basso affetto” cantada por Daniela Barcellona:

Gioacchino Rossini sólo estrena una ópera en 1821, la semi-seria “Mathilde di Shabran”; es el primer año que no estrena ninguna ópera en Nápoles. Será en 1822 cuando estrene en esta ciudad su último drama para el Teatro San Carlo, “Zelmira”, estrenada el 16 de febrero con considerable éxito. Es en esta magistral ópera en la que saca mayor partido de sus dos tenores. Escuchamos primero el aria compuesta para el contraltino Giovanni David, intérprete del personaje de Ilo, “Terra amica”, con esos terribles ascensos al re sobreagudo, cantada por Juan Diego Flórez:

Y a continuación escuchamos el aria escrita para Antenore, que estrenó el baritenor Andrea Nozzari, con brutales ascensos y descensos a los extremos de la tesitura, y que escuchamos cantada por Michael Spyres:

El 3 de febrero de 1823 estrena en Venecia su última ópera italiana, “Semiramide”, obra de dimensiones brutales (la versión integral dura casi 4 horas), vocalmente exigente hasta la extenuación, muy barroca en sus adornos y en la ambientación, pero muy avanzada en otros aspectos estructurales, como la ausencia de recitativos parlatos y el esquema de aria cuatripartita (recitativo, aria, escena y caballetta), como podemos comprobar en el aria del villano Assur, “Deh, ti ferma”, que escuchamos sublimemente cantada por el bajo norteamericano Samuel Ramey:

Han pasado 10 años desde que saltara a la fama con “Tancredi”, y ahora Gioacchino Rossini es un compositor de fama internacional que acaba de componer una de sus grandes obras maestras. En ese momento la meta de cualquier compositor es triunfar en París, y Rossini se dispone a hacerlo, acompañado por su pareja, Isabella Colbran. Pasa por Londres en 1824, donde proyecta estrenar una ópera, “Ugo, Re d’Italia”, que nunca terminará /y lo que compuso está hoy día desaparecido), y, en 1825, establecido ya en la capital francesa, compone una curiosa ópera para celebrar la coronación de Carlos X (no creo que a su revolucionario padre le hubiera hecho mucha gracia esto), “Il viaggio a Reims”, comedia coral sin argumento: un grupo internacional se encuentra alojado en un balneario preparados para a acudir a la coronación del nuevo Rey, y ahí se suceden pequeñas historias. De entre los numerosos personajes que se agrupan en el balneario, escuchamos el aria del inglés Lord Sidney “Invan strappar dal core” cantada por Mirco Palazzi:

En los siguientes años, Rossini traduce al francés y adapta algunas anteriores obras suyas (“Maometto Secondo” se transforma en “La siège de Corinthe”, y “Mosè in Egitto” será “Moïse et Pharaon”), antes de estrenar una nueva ópera, una comedia titulada “Le comte Ory”, si bien la mayoría de sus números musicales son auto-préstamos de óperas anteriores. Escuchamos el aria del protagonista “Que les destins prospères” cantada por Lawrence Brownlee:

Y en 1829 estrena la que será su última ópera, “Guillaume Tell”, basada en la obra de Schiller. Especialmente famosa es su obertura, que escuchamos dirigida por Arturo Toscanini:

Pero si por algo destaca “Guillaume Tell” es por iniciar la tradición de la “Grand’Opera” francesa que seguirán compositores como daniel Auber, Jacques-Fromental Halèvy o Giacomo Meyerbeer: óperas de enormes dimensiones, con 5 actos, ballet, grandes números corales, escenografías espectaculares y unos personajes vocalmente muy exigentes, en especial los tenores heroicos, cuyo mayor exponente será Adolphe Nourrit, quien estrena el papel de Arnold. Escuchamos la gran escena de este personaje, “Asile héréditaire”, impecablemente cantada por Nicolai Gedda:

Y así, con 37 años, en el zenit de su fama, Gioachino Rossini se retira de la composición operística. Quienes afirman que es por su incapacidad a adaptarse a los nuevos gustos románticos se equivocan, como lo demuestra su muy romántica (y magistral) última ópera. Motivos políticos o problemas de salud podrían ser razones más creíbles, si bien la suya sigue siendo una razón incomprensible. Rossini dedicará el resto de su vida a la cocina, uno de sus grandes placeres, se casará por segunda vez, en 1948 (un año después de la muerte de Isabella Colbran, de la que estaba separado desde 1837), con Olympe Pélissier, y compondrá algunas obras menores. Entre 1830 y 1835 compone las “Soirées musicales”, doce canciones para voz y piano, de las que la tarantella “La danza” es sin duda la más famosa, que escuchamos aquí cantada por Luciano Pavarotti:

Igualmente famosa es “La regata Veneziana”, que escuchamos cantada por la paisana de Rossini, la también Pesaresa Renata Tebaldi:

En 1842 estrena su obra religiosa más famosa, el “Stabat Mater”, compuesta durante los 10 años anteriores, y de la que escuchamos el aria del tenor, “Cujus animam”, cantada por Gregory Kunde:

En 1864 estrena su última gran obra, compuesta el año anterior, la “Petite messe solennelle”, que escuchamos completa dirigida por Alberto Zedda:

Gioachino Rossini gozó de una considerable longevidad, y fue viendo como sus sucesores iban muriendo uno detrás del otro: Vincenzo Bellini en 1835, Gaetano Donizetti en 1848 y Giacomo Meyerbeer en 1864. Finalmente, Rossini sucumbía a un cáncer rectal el 13 de noviembre de 1868 a la por entonces considerable edad de 76 en su villa de Passy, cerca de parís, donde había pasado una buena parte de su vida. Enterrado originalmente el el cementerio de Père-Lachaise, sus restos fueron trasladados en 1887 a la florentina Basilica di Santa Croce, donde reposan en un gran monumento funerario, cerca de los de Miguel Ángel y Galileo y del cenotafio de Dante:

Gracias al redescubrimiento de obra a partir de los años 50 del siglo XX, a día de hoy es posible disfrutar, con mayor o menor frecuencia, de la práctica totalidad de la obra operística de Gioachino Rossini, comprobándose así que fue un compositor clave en el desarrollo posterior de la ópera italiana que nos dejó magníficas obras maestras con las que todavía, 150 años después de su muerte, seguimos disfrutando como lo hizo el público que iba a sus estrenos.



In Memoriam: Alberto Zedda (06-03-2017)


Recuerdo aquel verano de 2015, en el que la Quincena Musical programaba un Stabat Mater de Rossini al que no podía acudir. Recibí por mail una invitación para ir al ensayo, y quise aprovecharlo, ya que era una oportunidad única de ver dirigir a un ya mayor Alberto Zedda (no recordaba haberle escuchado en vivo anteriormente, mala memoria la mía). Y me sorprendió que, pese a dirigir sentado, tenía una energía en sus brazos que literalmente me daba envidia. “Yo de mayor quiero ser como él”, pensé tantas y tantas veces a lo largo de aquel ensayo en el que pude disfrutar de forma privilegiada de su talento como director de orquesta. Por eso, a apenas dos meses de tener la oportunidad de volver a verle, me sorprendió tristemente la noticia de que nos dejaba ayer, a los 89 años.




Alberto Zedda había nacido en Milán el 2 de enero de 1928. Allí estudió música con directores de la talla de Antonino Votto o Carlo Maria Giulini, debutando en La Scala en 1956 con “Il barbiere di Siviglia” rossiniano. Y es que su carrera estuvo muy ligada al compositor de Pesaro, de quien, en su faceta como musicólogo, fue el autor de la edición crítica de todas sus óperas junto a Philip Gosset, además de ayudar a la recuperación de muchas de ellas, así como a obras poco conocidas de otros compositores. Fue entre otras actividades director artístico de La Scala y del festival Rossini de Pesaro, que ayudó a fundar, junto con la Academia Rossiniana en la que cambiaría la forma de cantar la música de Rossini.

Aunque muy recordado por su labor como director de ópera, Alberto Zedda dirigió también repertorio sinfónico, como por ejemplo la “Sherezade” de Nikolai Rimski-Korsakov, de la que escuchamos la última parte:

O en obras tan infrecuentes como el concierto para flauta del danés Carl Nielsen:

Pero destacó por encima de todo como director de música vocal, especialmente de ópera, siendo el repertorio italiano del siglo XIX el más frecuente, aunque le tenemos también dirigiendo recitales discográficos de repertorios a priori tan extraños en su carrera como el verismo. Le escuchamos acompañando a Francisco Araiza en el aria “Che gelida manina” de “La Boheme” de Puccini:

O le tenemos incluso dirigiendo la “Manon” de Jules Massenet en italiano:

Dirigió música barroca de compositores como Claudio Monteverdi o Antonio Vivaldi (no pongo vídeos por no encontrar fragmentos en Youtube, hay sólo grabaciones completas), así como de compositores posteriores como Domenico Cimarosa (de cuya ópera “Le donne rivali” gravó una integral que también está en Youtube) o de Gaspare Spontini, del que escuchamos la escena del infierno del “Teseo riconosciuto”:

Fruto de esa labor recuperadora de obras olvidadas le tenemos dirigiendo “Il dissoluto punito” de Ramón Carnicer:

También grabó el “Fra Diavolo” de Daniel Auber, del que escuchamos el aria “Si, domani” cantada por Luciana Serra:

De Giuseppe Verdi fue un destacado director de “Falstaff”, del que escuchamos la escena final con un reparto de lujo que incluye a Bryn Terfel, Ainhoa Arteta, Marianne Cornetti, Ruth Iniesta o Juan Jesús Rodríguez:

Y fue también un gran difusor de la temprana (y fallida) “Un giorno di regno”, que pude ver dirigida por él en Bilbao en estas funciones:

De Gaetano Donizetti le tenemos por ejemplo dirigiendo a Luciana Serra en el aria “O luce di quest’anima” de la ópera “Linda di Chamounix”:

Y también le escuchamos dirigiendo “Lucia di Lammermoor”, en concreto el dúo final del primer acto, con Virginia Zeani y Alfredo Kraus:

De Vincenzo Bellini le escuchamos “I Puritani”, dirigiendo a Mariella Devia en la caballetta “Vien, diletto”:

Pero también títulos menos frecuentes como “I Cappuletti ed I Montecchi” o “Il Pirata”, de la que escuchamos el aria “Nel furor delle tempeste”:

Pero por encima de cualquier otro compositor, en su carrera destaca la atención que presta a Gioacchino Rossini, del que realiza la edición crítica de las partituras precisamente para limpiarlas de las tradiciones espurias de las interpretaciones anteriores y recuperar el estilo original (prestaba especial atención a las coloraturas) siendo desde entonces su labor absolutamente referencial en la interpretación del compositor de Pesaro. Destaca su labor divulgativa en el Festival Rossini de Pesaro, que contribuyó al lanzamiento de no pocos intérpretes rossinianos. Antes de pasar a sus óperas, escuchamos el fragmento más conocido del “Stabat Mater” que mencionaba al comienzo, el aria para tenor “Cujus animam” que le escuchamos a Juan Diego Flórez:

En su labor como recuperador de obras o de fragmentos desconocidos le tenemos por ejemplo dirigiendo a Marilyn Horne en un aria alternativa de la famosa “Il barbiere di Siviglia”, “La mia pace, la mia calma”:

Vamos a verle ahora dirigir la obertura de “La Cenerentola”, para ver sus enérgicos gestos y la ligereza y sutilidad de sus versiones:

Vamos ahora con unas funciones en vivo de la maravillosa “L’Italiana in Algeri” de A Coruña; en concreto el trío “Pappataci” con Rockwell Blake, José Julian Frontal e Ildar Abdrazakov:

Vamos ahora con “Il turco in Italia”, en concreto con el aria de Fiorilla “Non si da follia maggiore” que canta Lella Cuberli:

Vamos ahora con la no muy frecuente “La gazza ladra”, de la que escuchamos a Lucia Valentini-Terrani cantar “Tocchiamo, bebiamo”:

Alberto Zedda se encargó también de popularizar la recién descubierta “Il viaggio a Reims”, de la que escuchamos el dúo “D’alma celeste, o dio” con Ewa Podles y Rockwell Blake:

“Semiramide” fue otra obra fundamental en su repertorio. Escuchamos el aria del tenor “La speranza più soave” cantada por Gregory Kunde:

Vamos ahora con otra ópera rossiniana que no podía faltar en el repertorio de Alberto Zedda, “Tancredi”, de la que escuchamos el aria “Di tanti palpiti” cantada por Daniela Barcellona:

Y seguimos con otra obra muy frecuente en su repertorio, “Otello”, de la que escuchamos una magnífica versión del dúo “Ah, vieni” con Gregory Kunde y Maxim Mironov:

Escuchamos ahora el final de “Ermione” con Angela Meade:

Y ahora escuchamos un fragmento de la poco conocida “Torvaldo e Dorliska”, con Lucia Valentini-Terrani y Lella Cuberli:

Le escuchamos ahora dirigiendo a Ewa Podles en el aria “Mura felice” de “La donna del lago”:

Y para terminar le escuchamos dirigiendo a Gregory Kunde en la gran escena de Arnoldo de “Guillaume Tell”:

Con proyectos por delante pese a sus 89 años, la muerte el pasado 6 de marzo de Alberto Zedda nos ha sorprendido a todos. Y es que su incansable labor como divulgador de la obra rossiniana le mantendrá en la memoria de todos los operófilos de los que se ha ganado la más profunda admiración.



275 años sin Antonio Vivaldi (28-07-2016)


Hay compositores que, pese a la gran fama de su nombre, apenas son recordados por un pequeño puñado de obras; quizá el caso que hoy nos ocupa, el de Antonio Vivaldi, sea especialmente llamativo, ya que por lo general de él se recuerda únicamente “Las cuatro estaciones”, que pese a ser una obra maestra, es sólo una de las muchas obras de uno de los compositores más importantes de la primera mitad del siglo XVIII.




Antonio Lucio Vivaldi nació el 4 de marzo de 1678 en la ciudad de Venecia, por aquel entonces capital de la República de Venecia. Fue bautizado en su casa ese mismo día, ya que parece que desde el principio se notó que tenía mala salud (parece que sufría asma). Era hijo de Gianbattista Vivaldi, originario de Brescia y que en Venecia destacó como violinista (e incluso parece que compuso alguna obra), quien enseñó a su hijo a tocar el violín, aunque probablemente Antonio fue también alumno de Giovanni Legrenzi.

A los 15 años comenzó a estudiar para sacerdote, cosa que consiguió el 23 de marzo de 1703, a la edad de 25 años (por lo que será conocido como “Il prette rosso”, el sacerdote rojo, al ser sacerdote y pelirrojo). Pero no tardó en conseguir quedar eximido de dar misa por motivos de salud. En realidad, su mayor interés era la música.

En octubre de 1703 entra a trabajar como profesor de violín en el Ospedale della pietà de Venecia, en el que se acogía a huérfanos o niños que no podían ser mantenidos por sus familias; a los niños se les enseñaba un oficio, mientras que a las niñas se les enseñaba música y, si destacaban, podían entrar a formar parte de la orquesta del Ospedale. Al parecer, Vivaldi había desarrollado una magnífica técnica como intérprete de violín, por lo que el puesto de profesor era idóneo para él. Pero era además el maestro di coro, lo que le obligaba a componer un enorme número de obras.

Sus primeras obras fueron sonatas para uno o dos violines con acompañamiento de bajo continuo, todavía con un estilo tradicional, siguiendo el de Arcangelo Corelli. Pero será con su Opus 3 con lo que destaque a nivel internacional como compositor. Se trata de un conjunto de 12 conciertos para instrumentos solistas (generalmente uno o dos violines) conocidos como “L’estro armonico”, compuestos en 1711 y con los que revoluciona el mundo de los conciertos para instrumentos solistas. Va ahí la integral de conciertos, con una duración de una hora y media:

En la misma línea se encuentra su opus 4, otra colección de doce conciertos para violín (en ocasiones con un segundo instrumento solista, violín o chelo) conocidos como “La stravaganza”, de 1714:

Pero Vivaldi no compone sólo música instrumental, también tiene que componer música vocal. Destacamos de este período el Stabat mater RV 621, que se estrenó en Brescia en 1711, y que escuchamos en la voz del contratenor Andreas Scholl:

De esta misma época destaca también el “Gloria” RV 589:

En este período comienza también su carrera como empresario teatral y compositor de ópera, en un estilo más moderno opuesto al conservador de Benedetto Marcello pero que no conseguirá el éxito y la permanencia de sus obras en los teatros comparable al de las grandes iguras óperísticas de su tiempo, como Alessando Scarlatti o Johann Adloh Hasse. La primera de sus óperas, “Ottone in villa”, de 1713, no es estrenada en Venecia, sino en Vicenza, cosa que sí consigue con su segunda ópera, “Orlando finto pazzo”, de 1714, de la que escuchamos un fragmento cantado por el contratenor Philippe Jaroussky:

Mientras tanto, continúa componiendo para el ospedalle, tanto conciertos como dos oratorios que se le encargan, de los cuales sólo se conserva el segundo, el famoso “Juditha triunfans”compuesto para celebrar la victoria de Venecia frente al Imperio Otomano y la conquista de la isla de Corfú en 1716, que será una de sus más importantes obras religiosas, estrenada por las jóvenes del ospedale, lo que nos permite comprender el altísimo nivel musical de la institución, a la vista de las importantes dificultades de la obra, dividida en dos partes y de más de dos horas de duración; yo la comparto entera:

En 1717 o 1718 Vivaldi abandona Venecia, adonde volverá en 1725, tras pasar también por Mantua, Milán y Roma. Su objetivo al irse de Venecia era conseguir el puesto de maestro de Capilla en la corte del gobernador de Mantua Felipe de Hesse-Darmstadt. Allí compondrá algunas óperas, de las cuales destaca “Tito Manlio”, estrenada en 1719, y de la que escuchamos aquí el aria del protagonista:

Pero la obra más importante que compone en Mantua es un grupo de 4 conciertos para violín a los que titula “Las cuatro estaciones”, ya que cada uno de ellos describe con detalle las distintas estaciones, pudiendo así escucharse desde danzas pastoriles o escenas de caza hasta el canto de distintos pájaros, algo innovador para la época, cuando la música programática era todavía desconocida. Comparto mi parte favorita, el invierno, con la violinista Julia Fischer:

De vuelta en Venecia, continúa su obra como compositor, componiendo cantatas en honor a distintos miembros de la realieza europea, como “Gloria e imeneo”, escrita para la boda de Luis XV de Francia:

Prosigue componiendo óperas, de las que destaca el “Orlando Furioso” de 1727, del que escuchamos aquí el aria “Nel profondo cieco mondo” cantada por Marilyn Horne:

En 1728, Antonio Vivaldi conoce al emperador Carlos VI de Habsburgo, para quien había compuesto la serie de 12 conciertos de violín “La cetra”; el emperador le invita a Viena, cosa que hace, acompañado de su padre, visitando también Praga, donde se representa su ópera “Farnace”.

En Venecia, Antonio Vivaldi trabaja cada vez más en el mundo de la ópera, colaborando con el gran libretista Pietro Metastasio en “L’Olimpiade”, de 1734, de la que escuchamos el aria “Siam navi all’onde algenti” en la voz de Patricia Petibon:

En 1735 estrena en Verona “Bajazet”, del que escuchamos el aria “Sposa son disprezzata” en la voz de Ewa Podles:

Apenas unos meses después estrena en Venecia “La Griselda”, con un libreto original de Apostolo Zeno reescrito por Carlo Goldoni, de la que escuchamos la famosa aria “Agitata da due venti” en la voz de Cecilia Bartoli:

En 1737 vuelve a colaborar con Pietro Metastasio en “Catone in Utica”, estrenada en Verona. Escuchamos el aria “Doveva svenarti allora” en la voz del tenor Topi Lehtipuu:

Escuchamos también a Vivica Genaux cantar el aria “Come in vano il mare irato”:

Pero la suerte de Antonio Vivaldi pasa por su peor momento: su música no es apreciada en Venecia, donde su estilo se considera ya anticuado, por lo que decide trasladarse a Viena bajo la protección de Carlos VI, con intención probablemente de conseguir representar sus óperas en la capital imperial. Pero para su desgracia, Carlos muere en 1740, dejando a Vivaldi en la miseria. Para colo de mala suerte, Carlos moría sin descendencia masculina, dejando el trono a su hija Maria Teresa, pero varios estados europeos aprovecharon la ocasión para comenzar una guerra, la Guerra de sucesión austriaca, que provocó la huida de María Teresa a Hungría y el cierre de los teatros vieneses.

Así, sin posibilidades de ganarse la vida, Antonio Vivaldi murió en la miseria la noche del 28 de julio de 1741, a los 63 años. Será enterrado en un cementerio próximo a la Karlskirche, en la zona donde hoy se encuentra la universidad, donde hay una placa en su memoria.

Pese a la gran influencia que ejerció en muchos compositores contemporáneos (entre ellos el mismísimo Johann Sebastian Bach), con los nuevos estilos clásico y romántico, Antonio Vivaldi cayó en el olvido. Su figura no se recuperará hasta el siglo XX, recuperando el prestigio que le corresponde como la principal figura musical de la primera mitad del siglo XVIII en Italia. De hecho, con la gran cantidad de intérpretes historicistas, sus óperas han conseguido volver a ser representadas. Han tenido que pasar casi 3 siglos, pero parece que ya de forma definitiva Antonio Vivaldi ocupa el lugar que le corresponde en la historia de la música.



La Gioconda de Ponchielli cumple 140 años (08-04-2016)


Antes de nada, como ya he señalado en el título, matizar que hoy hablamos de La Gioconda de Ponchielli, de la ópera, no del cuadro de Leonardo da Vinci. Para no llevarnos a equívoco.




Victor Hugo fue un dramaturgo muy apreciado por algunos compositores de ópera italianos del siglo XIX. Verdi, por ejemplo, recurrió a obras suyas para su “Ernani” y, sobre todo, su “Rigoletto”. En los años 70 del siglo XIX, un compositor contemporáneo de Verdi, Amilcare Ponchielli, estaba a la búsqueda de un argumento para su nueva ópera, cuando el libretista Arrigo Boito le sugiere tomar como base el “Ángelo, tirano de Padua” del escritor Francés. Ponchielli es reacio en un principio: esa obra ya había sido la base de una ópera de Saverio Mercadante, “Il giuramento”, pero Boito introduce muchos cambios en la historia (a fin de cuentas, Boito es un gran libretista, que años después escribirá para Verdi los geniales libretos de sus dos últimas óperas, Otello y Falstaff): traslada la acción a Venecia, ambientándola en medio del consejo de los 10 y de los espías que controlaban la república; incorpora a un personaje más al cuadrilátero amoroso, el villano Barnaba (claro antecedente del Iago del Otello verdiano) y, con ello, cambia también el final: el protagonista no mata a la protagonista pensando que ella ha matado a la mujer que ama: la amada se despierta justo a tiempo para impedirlo. Así, no le cogemos (tanta) manía al protagonista, aunque la protagonista termine muriendo, sólo que por otros motivos.

Eso sí, Ponchielli no se siente seguro de su ópera, pero Arrigo Boito no puede atenderlo demasiado, porque está envuelto en el re-estreno de su ópera “Mefistofele”. Por otra parte, Boito firma el libreto bajo seudónimo como Tobia Gorrio (no sea que echara su prestigio por los suelos). La Gioconda de Ponchielli se estrena finalmente el 8 de abril de 1876 en La Scala de Milán. Al principio, la ópera triunfa: se bisa la obertura y el aria del tenor “Cielo e mar” (que por algo la canta el mítico Julián Gayarre), pero a medida que la ópera sigue, al público se le hace demasiado larga. Ponchielli insiste en añadir cambios, como suprimir el aria de la mezzo del comienzo del III acto, cambiar el final de los actos I y II, el dúo de amor del II acto e incluso el aria del bajo, y la ópera se estrena en su versión definitiva en Génova el 27 de noviembre de 1879, arrasando en La Scala en su reestreno de 1880.

La inspiración musical de Ponchielli y el gran talento dramático de Boito hacen de esta Gioconda una auténtica obra maestra, que si a día de hoy se representa más bien poco es, sobre todo, por sus exigencias vocales para sus 6 personajes principales y por la dificultad de la escenografía (grandes escenas corales, ballet… y un barco ardiendo al final del II acto, nada menos), que hacen que se trate de una ópera cara para programar. Una lástima, porque es una maravilla.

Como siempre, antes de empezar el repaso de la ópera, ponemos el enlace al libreto y su traducción al español.

La Gioconda de Ponchielli comienza con una bella obertura en la que además escuchamos uno de los principales leitmotivs de la ópera, el tema del rosario, así como los acordes violentos de las cuerdas asociados ala villanía de Barnaba. A falta, en Youtube, de la versión dirigida por Bruno Bartoletti, vamos a escuchar esta obertura dirigida por Gianandrea Gavazzeni:

La acción transcurre toda ella en la Venecia del siglo XVIII, en fechas de carnaval.

Como era costumbre en la época, cada acto lleva un subtítulo. El primer acto de La Gioconda de Ponchielli se titula “La boca del león”.

Estamos en plena Plaza de San Marcos, junto a la famosa “boca del león” (de la que hablaremos más adelante), junto al palacio ducal, cerca de los muelles. El pueblo celebra las fiestas, mientras Barnaba les anuncia que comienzan las regatas, a las que todo el pueblo acude corriendo. Comenzamos así con este coro “Feste! Pane!”:

Cuando todos se van, Barnaba se ríe del pueblo, ya que él, bajo su disfraz de cantante callejero, es en realidad quien les controla a todos en su función de espía del estado (del consejo de los diez, para entendernos, quienes en realidad están en el poder, por encima del propio Dux). Pero Barnaba babea por una mujer, la cantante Gioconda, que justo aparece en ese momento guiando a su ciega y anciana madre, que necesita sus cuidados constantemente. No se dan cuenta que Barnaba está al acecho, capaz de cualquier cosa con tal de conseguir el amor de Gioconda. Escuchamos a Ettore Bastianini como Barnaba, Anita Cerquetti como Gioconda y Franca Sacchi como la Cieca:

Gioconda deja a su madre sentada junto a la iglesia, a la espera de la misa, mientras ella va a buscar a su amado Enzo, pero Barnaba aparece y es rechazado por Gioconda, que al final huye. Escuchamos a Maria Callas como Gioconda (atención a los graves del “Al diabol vanne colla tua chitarra!”) y a Paolo Silveri como Barnaba:

Barnaba se aprovecha que la Cieca está sola para poder usarla como medio para atrapar a su hija. Así que, cuando se escucha que las regatas han terminado, va a donde un perdedor en la competición, Zuane, y le dice que ha perdido porque la Cieca ha embrujado su barca. Ayudado por su ayudante Isepo, Barnaba convence al pueblo de que la Cieca es una bruja y que, pese a su ceguera, les ve. El pueblo está dispuesto a detenerla y llevarla a la hoguera, y ya la han atado, pese a las súplicas de la anciana diciendo que es ciega, cuando llegan Gioconda y su amado Enzo, que intentan detener al pueblo en vano. Aparecen entonces Alvise Badoero, miembro del consejo de los diez, y su esposa Laura, que detienen a la turba. Alvise escucha la acusación de Barnaba de que la vieja es una bruja, pero Laura ve que ella tiene un rosario, por lo que no puede ser una bruja, y Alvise hace que liberen a la Cieca. Escuchamos la escena completa de nuevo con Anita Cerquetti, Franca Sacchi y Ettore Bastianini, a los que se suman ahora Mario del Monaco, Cesare Siepi y Giulietta Simionato:

La Cieca decide entonces recompensar a Laura con ese rosario que le ha salvado. Mientras, Alvise y Barnaba conversan sobre sus pesquisas, y Enzo y Laura se reconocen entre la multitud; son antiguos amantes. Alvise le da algo de dinero a Gioconda y todos entran en la iglesia. Estamos ante uno de los momentos más importantes de la ópera, ya que ese tema del rosario lo vamos a escuchar más a menudo y tiene gran importancia en la trama; es la romanza de la Cieca “Voce di dona o d’angelo”, que escuchamos a la gran Ewa Podles:

Y ahora escuchamos el final de la escena, con ese bellísimo “Enzo adorato, ah, come t’amo!” que le escuchamos a Zinka Milanov:

Se quedan solos Enzo y Barnaba. Barnaba le reconoce como el proscrito Enzo Grimaldo, príncipe de Santafior, aunque él se oculta bajo el nombre del dálmata Enzo Giordan como marinero. Pero Barnaba no se deja engañar, y sabe de su historia de amor con Laura, así que intenta hacer resurgir en él el pasado amor. Enzo protesta, le ha jurado amor a Gioconda, pero Barnaba le convence al decirle que Laura le ha reconocido, y le propone un plan para que pueda huir junto a Laura, y le confiesa por qué lo hace: es su forma de conseguir el amor de Gioconda; la muerte de Enzo no vale, es necesario que él sea un traidor, además de decirle que es un espía del gobierno que podría delatarle. Enzo acepta, pero maldice a Barnaba. Escuchamos el dúo en las voces de Richard Tucker como Enzo y Cornell McNeil como Barnaba:

Pero todo es una trampa de Barnaba. Cuando Enzo se va, aparece Isepo, el ayudante de Barnaba, que escribe lo que su amo le dicta: le cuenta al jefe secreto de la inquisición (Alvise) que su esposa va a huir esa misma noche en el bergantín dálmata. Gioconda, tras una esquina, escucha la conversación. Barnaba se queda con la nota y, antes de introducir el sobre en “la boca del león” (que para eso sirve, es un buzón de los espías), canta un monólogo en el que explica un poco el sistema de poder en Venecia: el Dux, por encima el consejo de los diez, y por encima de ellos el espía, que tiene las cárceles de la ciudad (los “pozzi” o pozos subterráneos, y los “piombi”, cárceles en los pisos superiores muy calurosas por el plomo que las recubre). Escuchamos el aria en voz de Robert Merrill:

Barnaba se retira y aparece el pueblo dispuesto a bailar la Furlana, baile típico de Venecia que quizá tome su nombre del Friuli (aunque puede tener origen eslavo, puede en sus ritmos recordar a unas czardas):

Unos cantos religiosos abren paso a un sacerdote que llama al pueblo a las vísperas. Gioconda queda con su madre, destrozada al ver que Enzo le va a traicionar, y busca el consuelo de su madre. Así, el tema de este “O cor, dono funesto” es el leitmotiv del sacrificio de Gioconda. Escuchamos el bellísimo final del primer acto de La Gioconda de Ponchielli con las voces de Zinka Milanov como Gioconda y Belén Amparán como la Cieca:

Comenzamos el segundo acto de La Gioconda de Ponchielli, que se titula “El rosario”. Estamos en un muelle próximo a la laguna de Venecia, donde hay un bergantín. Un grupo de pescadores canta cuando aparece en escena Barnaba, haciéndose pasar por pescador. Espía el armamento y la cantidad de marinos que hay para mandar a Isepo a dar la información para el ataque, mientras intenta quedar bien con los marinos, cantando la barcarola “Pescator, affonda l’esca”. Escuchamos la escena con Matteo Manuguerra como Barnaba:

Llega Enzo, el propietario del bergantín, que da instrucciones para levar anclas esa misma noche y después envía a todos sus hombres a descansar. Ya solo en cubierta, canta uno de los momentos más célebres de La Gioconda de Ponchielli, el aria “Cielo e mar”, que escuchamos en la insuperable versión de Carlo Bergonzi:

Ya sólo esa forma de cantar la frase “Buona notte” es pura magia.

Enzo ve llegar una barca, en la que llega Laura. Ella se asusta al escuchar la voz de Barnaba, no se fía, pero él le tranquiliza con sus planes de fuga y los dos cantan a esa esperanza de poder huir juntos. Escuchamos así el dúo “Laggiù nelle nebbie remote” en las voces de Carlo Bergonzi y Marilyn Horne:

Enzo regresa al interior del barco y deja sola a una aterrada Laura, que al ver una imagen de la virgen, se pone a rezar; es su aria “Stella del marinar”, que escuchamos a Giulietta Simionato:

Pero llega Gioconda, y amenaza a Laura, diciéndole que huya porque ella ama más a Enzo, así que ambas se enfrentan verbalmente sobre quién de las dos le ama más. Gioconda agarra a Laura con la intención de apuñalarla, pero se da cuenta de que es mejor dejarlo todo en manos de su marido Alvise, que está llegando a la isla. Laura, asustada, coge el rosario que le dio la Cieca para pedir ayuda a la virgen, y entonces Gioconda se da cuenta de que es la mujer que salvó a su madre y le ayuda a huir (de ahí la importancia del rosario). Cuando llega Barnaba se da cuenta de que Laura no está.

Escuchamos este dúo en dos partes, cantando por María Callas y Fedora Barbieri en un auténtico duelo de titanes:

Gioconda podía haberse desecho de su rival, pero por causa de su madre no ha podido hacerlo. Eso no significa que renuncie a luchar por el amor de Enzo, por lo que, al volver éste, le miente diciéndole que Laura ha huido porque no le ama. Enzo no se lo cree, y en ese momento aparecen las galeras de la armada veneciana disparando, por lo que Enzo decide prender fuego a su barco, siempre suspirando por Laura ante la desesperación de Gioconda. Termina así el segundo acto de la Gioconda de Ponchielli con este dúo que escuchamos en las voces de Carlo Bergonzi y Leyla Gencer:

Comenzamos el tercer acto de La Gioconda de Ponchielli, titulado “La Ca’ d’oro”. Y es que precisamente estamos en una habitación de ese palacio, en el que vive Alvise. Éste se prepara para la fiesta que va a dar, pero está furioso porque sabe que su mujer ha traicionado su honor, y no ha podido apuñalarla, que es lo que quería hacer al descubrirla en la isla a punto de huir. Así que prepara su venganza: un veneno. Estamos ante el aria de Alvise “Si, morir ella de”, que canta Cesare Siepi:

Aparece Laura, y Alvise le dice que nunca la vio tan bella pero pálida. Laura observa la ironía de sus palabras, y Alvise le acusa de amar a otro hombre y le dice que va a morir, sin ceder ante las súplicas de su esposa: debe de tomar un veneno antes de que termine la canción que unos cantantes callejeros entonan. Escuchamos el dúo en la voz de Cesare Siepi y Giulietta Simionato:

Nada más salir Alvise, aparece Gioconda, quien le lleva un narcótico a Laura para que parezca que está muerta; previendo su suerte, Gioconda ha preparado todo para salvarla, y la Cieca está rezando por ella en la capilla. Laura se bebe el narcótico y Gioconda vacía la ampolla de veneno en la vacía del narcótico y se esconde. Alvise ve la ampolla vacía y se va satisfecho. Gioconda recuerda que otra vez tiene que salvar a su rival por causa de su madre. Escuchamos la escena en la voz de Leonie Rysanek como Gioconda y Eva Randová como Laura:

Cambiamos de escena, nos vamos a la gran sala que hay junto a la habitación donde yace Laura. Alvise recibe a los invitados a la fiesta y les anuncia que ha preparado un espectáculo, una mascarada de bailarinas que representan las horas. Es en realidad el momento más célebre de La Gioconda de Ponchielli, el ballet conocido como “Danza de las horas”, que vemos aquí dirigido por Antonio Pappano:

Para terminar el acto, siguiendo la estética verdiana, la Gioconda de Ponchielli cuenta con un magnífico concertante en el que se dan cita la mayoría de los personajes de la ópera.

Entra Barnaba llevando a rastras a la Cieca, acusándola de maleficio. Ella se defiende diciendo que estaba rezando por quien muere, y al oír esto todos se preguntan quién es la persona que se está muriendo. Barnaba le dice a Enzo, que le acompaña, que la agonizante es Laura, lo que le desespera a su amante. Alvise, altivo, dice que, si él, anfitrión, está feliz, nadie tiene derecho al dolor. Pero Enzo sale de entre todos y descubre quién es, acusando a Alvise de haberle robado tanto la patria (al proscribirlo) como el amor (el de Laura) y le amenaza ante todos. Gioconda, que estaba ya presente en la sala, sabiendo lo que va a pasar, le promete a Barnaba que será suya si consigue salvar a Enzo. Alvise decide abrir la cortina para dejar ver el cuerpo inerte de Laura en su cama, Enzo le acusa de asesinato y es detenido ante la conmoción general. Escuchamos este gran concertante en las voces de Mario del Monaco, Ettore Bastianini, Cesare Siepi, Anita Cerquetti y Franca Sacchi:

Comenzamos el cuarto y último acto de La Gioconda de Ponchielli, titulado “Canal Orfano”. Y es que estamos en un palacio en ruinas en el veneciano barrio de Giudeca, al borde del canal que da nombre al acto. Unos cantantes amigos de Gioconda llevan envuelto el cuerpo de Laura, que Gioconda les ha pedido que rescaten de su tumba. Los hombres rechazan el pago que Gioconda les había prometido, y esta les pide un último favor: no encuentra a su madre, y necesita que alguien la encuentre. Piensa abandonar Giudeca. Al quedarse sola canta el famoso “Suicidio”, su aria en la que se muestra desesperada por haberlo perdido todo, a su madre y a su amor; sólo le queda morir. Escuchamos la escena y el aria en la voz de Maria Callas:

Gioconda saca el veneno que le quitó a Laura; quiere tomarlo, pero se da cuenta de que entonces nadie ayudará a Laura a huir. Eso si está viva, cosa que no sabe… y si está viva, nadie se enteraría si ella ahora la arroja al agua… debatiéndose de esta forma, aparece por fin Enzo, erado de la prisión gracias a ella. Él le pregunta que qué es lo que quiere de él, y ella le provoca, porque lo que quiere es que Enzo la mate; le dice que la tumba de Laura está vacía, que ella la ha robado. Enzo enfurece y saca su puñal para matarla… y es lo que tendría que hacer; eso es lo que pasa en la obra de Victor Hugo. Pero no, aquí no, aquí Laura despierta en ese momento y llama a Enzo. Ambos amantes  se reencuentran. Ella se asusta al ver una sombra, temiendo que sea Alvise, pero es Gioconda, y Laura le dice a Enzo que fue ella quien le salvó. Gioconda ha preparado todo para que puedan huir de Venecia, por lo que llega una barca que se los llevará. Cuando Gioconda le va a dar a Laura su capa para que pueda ocultarse, ve el rosario que le dio su madre, la causa por la que Laura sigue viva, por la que Gioconda le ha salvado en varias ocasiones. Gioconda les bendice mientras ellos parten agradecidos a la protagonista. Escuchamos el dúo y el trío posterior con Anita Renata Tebaldi, Carlo Bergonzi y Marilyn Horne:

Una vez sola, Gioconda se prepara para morir cuando recuerda que todavía falta por encontrar a su madre. Se acuerda del pacto que hizo con Barnaba: le entregaría su cuerpo a cambio de que él salvara a Enzo. Se arrodilla para rezar, y mientras entra Barnaba sin que ella se entere. Después de rezar, ella se dispone a huir, pero Barnaba aparece: ella le dice que va a cumplir el pacto, y le entretiene acicalándose mientras Barnaba babea de placer. Entonces Gioconda saca un puñal y se lo clava en el pecho. Barnaba, malvado hasta el final, le dice que la noche anterior estranguló a su madre, pero Gioconda ya no le puede oír, y él grita de rabia. Así termina La Gioconda de Ponchielli, y escuchamos ese final en las voces de Leyla Gencer y Cornell McNeil:

Y terminamos como siempre con el reparto ideal:

Gioconda: Maria Callas. También pueden valer Anita Cerquetti o Zinka Milanov.

Enzo Grimaldo: Carlo Bergonzi. En su defecto, Richard Tucker.

Barnaba: Sherrill Milnes.

Laura: Fedora Barbieri o Giulietta Simionato.

Alvise Badoero: Cesare Siepi.

La Cieca: Ewa Podles.

Director de orquesta: Bruno Bartoletti.