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Crónica: Orquesta Filarmónica de Luxemburgo en Quincena Musical (25, 26-08-2017)


Debutaba, si no me equivoco, la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo en la Quincena musical con dos conciertos muy distintos entre sí. Pasábamos del universo post-romántico ruso al más absoluto romanticismo italiano de un día para otro de la mano de su joven director, el valenciano Gustavo Gimeno.




El primer concierto, el del día 25, del que dejo aquí el enlace del programa, me resultaba bastante desconocido. Ni Prokofiev, ni mucho menos Shostakovich, son compositores con los que tenga una cierta afinidad, y a Liadov apenas lo conocía de nombre. Así las cosas, la única obra que conocía era “Una noche en el monte pelado” de Modest Mussorgsky, un compositor por el que siento una gran predilección (Boris Godunov es una ópera excepcional, y como compositor instrumental está también entre los grandes)… bueno, eso es lo que pensaba, porque debieron tocar alguna versión de la obra distinta a la que yo conocía. Exceptuando el comienzo, la obra me resultó desconocida. De ella diría que hubo una buena sonoridad de las cuerdas graves, tapadas en exceso por los metales y la percusión, que metieron la quinta en lo que a volumen se refiere (algo por otra parte común al resto del concierto y al del día siguiente).

Seguía el 3º concierto de piano de Sergei Prokofiev. Acompañaba en este caso a la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo el pianista Alexander Gabrylyuk, que se desenvolvió con gran agilidad a lo largo del teclado. Ya he dicho que no conozco la obra y, porlo tanto, no puedo valorar la ejecución, pero a priori el rendimiento de la orquesta me pareció correcto, mientras en Gabrylyuk pudimos ver a un virtuoso al que, probablemente por las características de la obra, nos faltó verle una mayor expresividad. Es decir, me quedé con la duda de si nos hallábamos ante un Zimerman (virtuosismo expresivo) o un Lang Lang (pura pirotecnia sin alma). La propina que decidió darnos ayudó a resolver esta incógnita: una adaptación para piano de la marcha nupcial de “El sueño de una noche de verano” de Felix Mendelssohn que fue pura pirotecnia perfectamente resuelta.

Gustavo Gimeno sacó lo mejor de la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo al comienzo de la segunda parte, con “El lago encantado” de Anatoly Liadov de exquisita ejecución, jugando a la perfección con los evocadores pianísimos que abren y cierran la obra, consiguiendo transmitir una magia que no apareció con Mussorgsky.

Concluía el concierto con la 1ª sinfonía de Dmitri Shostakovich, que compuso antes de cumplir los 20 años. El dominio que demuestra el ruso en la orquestación a tan temprana edad no deja de ser sorprendente, y en ese sentido la orquesta estuvo a la altura. Expresivamente, dada mi nula conexión con la música del ruso, no puedo comentar nada, ya que la obra no me transmitió nada. Problema personal, probablemente.

Como remate, una propina, la “Pavana para una infanta difunta” de Maurice Ravel, de notable resultado.

En el concierto del día siguiente, la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo jugaba con la ventaja de colaborar con gente “de la casa”, con ese Orfeón Donostiarra que siempre llena el Kursaal (a diferencia del concierto del día anterior, ese día no se veían butacas libres en todo el auditorio), para interpretar una obra de la magnitud del Requiem de Giuseppe Verdi. Dejo de nuevo un enlace del programa.

Gustavo Gimeno, con gesto de manos ágil, sacó lo mejor de la orquesta en el comienzo, en ese pianísimo que abre la obra, pasándose de decibelios en los momentos más potentes, en especial en esos “Dies Irae” con timbales y bombo a tope. Los músicos en todo caso respondieron con solvencia, salvo un ligero desafine de una de las trompetas situadas en medio del auditorio durante el “Tuba mirum”.

Algo similar cabría achacar al Orfeón Donostiarra: magnífico como siempre en esos pianísimos en los que apenas tiene competencia, en los momentos en forte llegaba a resultar atronador en exceso. En todo caso, encontré a la sección femenina considerablemente mejor que en el pasado Fidelio. El público reacciona con pasión ante los momentos más espectaculares de la obra, cuando es en los más íntimos, los que exigen mayor juego de matices, donde mejor luce el Orfeón su categoría musical. Y hubo muchos momentos en los que la lucieron, sin duda.

Sobre los solistas, en mi opinión sobresalió por encima de sus compañeros la mezzo Daniela Barcellona, convertida ya en una verdadera mezzo verdiana. Fue la única que no necesitó calentar la voz y comenzó ya desde su primera intervención con muy buen nivel. Bello timbre vocal, expresividad en el canto y técnica impecable le permitieron lucirse en sus intervenciones, como el bellísimo “Liber scriptus”. Es siempre un placer tener la ocasión de volver a escucharla.

La soprano, María José Siri, lucía un timbre oscuro en los graves (a veces más oscuro que el de Barcellona), mientras el agudo sonaba peligrosamente en un forte continuo, teniendo serios problemas para apianarlo en los momentos requeridos. Tiene la flexibilidad vocal para hacer frente al nada fácil final “Libera me” que Verdi le reserva, lo que no es poco pedir, pero esa tendencia al canto en forte continuo en la zona aguda no deja de ser preocupante.

Sobre el tenor, Antonio Poli, hay que decir a su favor que se alejó de lucimiento vocal en favor de un canto más expresivo y delicado, tanto en el “Ingemisco” como en el “Hostias”, en los que huyó del canto en forte recurriendo a unas medias voces en la tradición de Bergonzi o Pavarotti, algo que siempre se agradece. El problema es que, a diferencia de ellos, no parece dominar el mixto, recurriendo por tanto a un falsete feo y poco ortodoxo. Por otra parte, cuando cantaba a plena voz, el extremo agudo sonaba extrañamente pálido en una voz con centro razonablemente potente. Probablemente necesite mejorar su técnica de emisión.

Y sobre el bajo, Riccardo Zenelatto, agradecer igualmente su canto matizado, expresivo. Sonaba a bajo cantante verdiano en los momentos más intimistas de la partitura, con un nada despreciable “Mors stupebit”, pero se quedaba corto de rotundidad vocal (y probablemente también tímbrica) en los momentos más contundentes de la obra, que los hay.

El público reaccionó con entusiasmo ante una orquesta y coro a piñón fijo en unos fortes atronadores; gusta el ruido, sin duda. Y la cuestión es que los mejores momentos de este Requiem fueron precisamente los más intimistas. En todo caso, y para terminar la crónica, me gustaría volver a ver a la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo en próximas ediciones de la Quincena musical para comprobar mejor su valía musical en repertorios que me permitan apreciarla mejor.



Crónica: I Capuleti ed I Montecchi en Baluarte (14-01-2017)


Viajar de Donostia a Iruña por esa carretera realmente horrible que es la A-8 en pleno temporal es una cosa de esas que apetece bien poco. Pero tampoco hay muchas oportunidades de poder ver I Capuleti ed I Montecchi en vivo, así que no era una ocasión para dejar que la pereza te venza.




Creo que este I Capuleti ed I Montecchi es el título operístico número 64 que veo en vivo, y en previsión de que pasen muchos años antes de volver a tener ocasión de verlo (ahora sólo falta que me la programen en Bilbo o en Donostia el año que viene y tenga que comerme mis palabras), decidí arriesgarme a coger el coche, viendo que no parecía haber nieve en la carretera (el riesgo de niebla existe hasta en verano, así que eso ya es inevitable), esperando que la función mereciera la pena. Cosa que, en general, resultó ser así.

Se representaba este I Capuleti ed I Montecchi de Vincenzo Bellini en versión concierto. Supongo que la Fundación Baluarte se habrá ahorrado así una considerable cifra económica frente a una obra escenificada, pero las versiones en concierto ni son el ideal operístico (la ópera es teatro a fin de cuentas, y no me esperaría ir al teatro a ver “Romeo y Julieta” y ver a los actores recitando el texto delante del escenario, sin interactuar entre ellos y con la escenografía. Pues lo mismo en la ópera), ni están carentes de ciertos problemas: si la interpretación de los cantantes, pese a la falta de movimiento escénico, en este caso se resolvió razonablemente bien, el problema de tener la orquesta en el escenario en lugar de en el foso, con mayor libertad sonora, sí que afectó al resultado global.

Dejo antes de nada un enlace de la producción.

El director Antonello Allemandi dirigía a la Orquesta Sinfónica de Navarra. La orquesta respondió con solvencia, con remarcables solos de trompa o de clarinete, y Allemandi demostró conocer el estilo belcantista, con una obertura muy bien resuelta, y acompañando con corrección los momentos más líricos de la partitura, pero en los más dramáticos, así como en las caballettas, se pasaba de decibelios, tapando a los cantantes, que se veían muy perjudicados por tener a la orquesta tocando a pleno volumen detrás de ellos. Ese fue seguramente el mayor error de la función.

La parte masculina del Orfeón Pamplonés cumplió con solvencia su parte, aunque de nuevo resultó por momentos excesivamente sonoro, no tanto por falta de matices (supieron apianar en el cortejo fúnebre de Julieta) como quizá por un número excesivo de miembros cantando, tapando en exceso a los solistas en las caballettas y escenas de conjunto.

Del pequeño elenco de 5 solistas, lo peor fueron los 2 bajos. Lo de Miguel Ángel Zapater como Lorenzo fue opuesto al belcanto: un canto rudo, sin legato, apurado en la zona alta de la tesitura. El Capellio del brasileño Luiz-Ottavio Faria fue vocalmente imponente, aunque su canto es más estentóreo que belcantista, algo más perdonable en su caso dada la ingratitud de su personaje, que no deja de ser el villano de la ópera.

El trío protagonista lo formaban tres cantantes navarros que demostraron un alto nivel. El tenor José Luis Sola se encargaba de la parte de Tebaldo. Sola es un cantante al que he visto ya en unas cuantas ocasiones (creo que esta es la cuarta ve que le escucho en vivo, a la espera de volver a hacerlo en febrero en el Don Giovanni bilbaino), y siempre me deja un buen sabor de boca. Canta con gusto, domina el estilo belcantista, no tiene problemas de tesitura (pese a que, desconozco el motivo, sus sobreagudos resulten casi inaudibles, aunque no por ello se amedrenta, lanzándose al sobreagudo al final de su caballetta, aunque apenas fue audible) y su fraseo quizá un tanto cortante en su dúo con Romeo del segundo acto tampoco me pareció inadecuado, aunque no sea lo propio del belcanto. Es desde luego Sola un tenor al que sigo teniendo en muy alta estima.

El papel de Giulietta recayó en la soprano Sabina Puértolas, que demostró también un dominio del belcanto, cantando con gusto, apianando, dominando las coloraturas. No arriesgó mucho en el sobreagudo, siendo quizá la zona alta de su tesitura la más problemática, al sonar más opaca. Sus intervenciones solistas resultaron sobresalientes en todo caso, así como sus dúos con Romeo.

En estos I Capuleti ed I Montecchi, Bellini escribe la parte de Romeo para una Mezzo-Soprano, algo que, aunque llamativo, no es extraordinario, si tenemos en cuenta que en esa época los personajes de hombre joven los solían interpretar mujeres, y que Romeo tiene unos 17 años, aunque para la visión actual resulte un tanto extraño. Esta parte fue interpretada por Maite Beaumont, que si bien en su aria de introducción no me llamó especialmente la atención (resultado correcta en todo caso), a medida que avanzaba la ópera fue despegando hasta ser posiblemente la mejor del reparto, brillante en sus dúos con Giulietta y en la escena final. Fue además seguramente la mejor en el aspecto interpretativo, algo que se notaba por ejemplo en la actitud con la que se alejaba del atril cuando concluía sus intervenciones. Fue la gran triunfadora de la noche, y con razón sin duda.

Función de I Capuleti ed I Montecchi con sus luces y sus sombras, aunque aquí las luces consiguieron brillar lo suficiente como para eclipsar las sombras. Una función más que disfrutable que hizo que mereciera la pena el desplazamiento.



Crónica: Gregory Kunde en el Baluarte de Pamplona (06-10-2016)


Ver en vivo a Gregory Kunde es una de esas cosas que no se pueden pasar por alto. En una época en la que apenas hay tenores spinto capaces de superar con corrección los grandes papeles verdianos y veristas, Kunde brilla como lo hacían los grandes tenores históricos, y eso asegura que cada función suya que tengas ocasión de ver va a ser algo casi histórico y desde luego muy difícil de repetir en el futuro, en vista del panorama actual.




Yo ya había visto previamente a Gregory Kunde 4 veces, todas ellas en Bilbao (“Les vêpres siciliennes”, “Cavalleria rusticana”-“Pagliacci”, “Roberto Devereux” y “Manon Lescaut“, y a la espera del próximo “Andrea Chenier”; por desgracia me perdí el Requiem de Verdi), y siempre fueron grandes funciones. Por eso, el recital que daba en el Baluarte de Iruña era una cita imprescindible.

El recital servía como presentación del nuevo disco que ha grabado junto a la Orquesta Sinfónica de Navarra dirigida por Ramón Tebar, que está compuesto por buena parte del nuevo repertorio que, a un ritmo vertiginoso, ha ido incorporando el tenor norteamericano en los últimos años, repertorio centrado en Verdi y en el verismo. Como le mencionaba al propio Kunde a la salida (sí, por fin, a la 5ª, he conseguido saludarle), me resulta alucinante escucharle ahora en este repertorio cuando yo le conocí gracias a esa grabación de “Lakmé” de Delibes junto a Natalie Dessay y que tiene ya 19 años. Su voz actual no tiene absolutamente nada que ver con la que tenía entonces, y pensar en aquella época que iba a cantar estos papeles debería sonar a chiste… ¡pero no sólo los canta, sino que además los borda!

Bueno, vamos ya al recital. Gregory Kunde estaba acompañado por la Orquesta Sinfónica de Navarra dirigida por Ramón Tebar y por el Orfeón Pamplonés. Para dejar descansar al tenor, se intercalaban arias con fragmentos orquestales y corales. Dejo un enlace con el programa del concierto.

La primera parte fue más floja que la segunda. Comenzó con la obertura de “I Vespri siciliani” de Verdi, correctamente interpretada (aunque yo hubiera preferido la de Nabucco, ya puestos) y bien dirigida por Tebar. Tras ella apareció Kunde para cantar el “Se quel guerrier io fossi – Celeste Aida” de la Aida verdiana. Ya en las primeras notas del recitativo se notó el enorme caudal de voz de Kunde, que llenaba la sala, además de un cuidado fraseo muy verdiano. Solventó el aria con gusto, con esos Sib como cañonazos… pero hubo algún detalle que nos hacía intuir cierta fatiga en un cantante con una agenda casi imposible; y es que, al rematar el aria con el Sib que se supone que tiene que incluir un diminuendo para concluir en pianísimo, Kunde hizo el forte y el piano, pero sin diminuendo, pasando de golpe de una a otra. Un detalle no muy relevante (podría haberlo hecho todo en forte, como hacen tantos…) pero que hacía temer que esta no iba a ser su noche.

Prosiguió el coro con la marcha triunfal de Aida, que sacaron adelante con mejores intervenciones por parte de ellas que de ellos, muy bien acompañados por una orquesta que sonó magnífica toda la noche (aunque por momentos, demasiado presente, con demasiado volumen).

Vuelve a salir Gregory Kunde, y un magnífico clarinete solista (que tuvo otras ocasiones de lucimiento a lo largo de la noche) nos anuncia el “E lucevan le stelle” de “Tosca”. La interpretación fue magnífica, perfectamente cantada… lo malo es que en Kunde, este aria sabe a poco. Ya le llegarían mejores oportunidades para lucirse más adelante.

Una nueva intervención de la orquesta, la obertura de “Luisa Miller” (curiosa elección), de nuevo brillantemente interpretada, dio paso al final de la primera parte, compuesta por la escena del tenor de “Il Trovatore”. Tratándose de Kunde, uno espera un “Di quella pira” espectacular, pero curiosamente lo mejor fue el aria, el “Ah, sì, ben mio”, cantada con absoluto dominio del canto verdiano, casi recordando a maestros estilísticos como Pavarotti o incluso al gran Bergonzi, de una forma que ya no se canta, desde luego. Al llegar la caballetta, demostró todo su arrojo tanto al cantar con precisión las semicorcheas como al no omitir sus frases mientras canta el coro, aunque apenas se le oía. Kunde salió perjudicado por el hecho de tener a la orquesta en el escenario en lugar de en el foso, con lo que ésta le tapaba por momentos, y el coro masculino fue quizá demasiado ruidoso (¿tal vez demasiado numeroso?), pero los mayores problemas se le notaron al afrontar los dos Does de pecho, bien emitidos y potentes, pero muy breves, lo que hacía más evidente la fatiga del cantante. Por otra parte, no hubo repetición de la caballetta, por lo que nos perdimos las variaciones que Kunde suele introducir en la repetición.

El público dejó de aplaudir en seguida, sin permitir que Kunde y Tebar, que habían salido del escenario, volvieran a salir para saludar. Por lo que pude oír a mi alrededor, había gente del público que no se había enterado de que ahí terminaba la primera parte… simplemente desesperante.

Comienza la segunda parte. Y esta fue mucho mejor que la primera, hay que reconocerlo. Comenzó con una magnífica versión de la obertura de “La forza del destino”, de estas que te ponen la carne de gallina, y siguió al más alto nivel cuando aparece Gregory Kunde y nos desgrana cada frase del “La vita è inferno – O tu che in seno”. A priori podría parecer la parte que menos le iba a Kunde, y en cambio fue probablemente lo mejor de la noche. Aquí la orquesta (magníficas maderas, de nuevo) le acompañó mucho mejor, sin taparle, y Kunde dio una lección de canto e interpretación en un momento casi mágico. En ese momento comenzaron a oírse más bravos desde el auditorio, que habían comenzado tímidamente con su “Il Trovatore”. El público ya se iba calentando.

Siguió el celebérrimo coro “Va, pensiero” de “Nabucco”, que me emocionó. No puedo decir más.

Gregory Kunde volvía para cantar un aria de la “Manon Lescaut” pucciniana, a priori la que menos le iba de las 3 (tras haberle escuchado la ópera completa en Bilbao, no dejó de extrañarme que no eligiera el “Ah, Manon, mi tradisce” o el “Non, pazzo son”, que le dan mucho más juego), pero que también es la más famosa, el “Donna non vidi mai”. Grata sorpresa, me dejó mucho mejor sabor de boca que cuando se la escuché en Bilbao. Al aria le siguió el intermezzo de la misma ópera, que fue, junto con la ya mencionada obertura de “La forza del destino”, la parte que mejor interpretó la orquesta, con esos ritmos más bien pausados de Ramón Tebar que sacaron a la luz toda la belleza de esta inspiradísima página pucciniana, de lo mejor de una ópera bastante ladrillaco. Pese a los excesos de volumen en el acompañamiento de algunas arias, lo cierto es que Tebar demostró todo su talento (que no es poco, precisamente) a lo largo de la noche, aunque en especial en los dos momentos orquestales que he mencionado.

Y llega uno de los momentos más esperados por mi parte, el aria de “Pagliacci” “Vesti la giubba”, que me había dejado ojiplático en Bilbao. Pues el efecto se repitió. Kunde se salió, lució una envidiable anchura vocal, un cuidado fraseo, una vibrante interpretación y vocalmente solventó el aria casi sin despeinarse. Los aplausos y bravos van ya caldeándose.

El coro cantó a continuación sin pena ni gloria el “Fuoco di gioia” del “Otello” verdiano para dar paso a la última aria del programa, la tremenda “Dio mi potevi scagliar”, también de Otello. Gregory Kunde ha hecho de este Otello uno de los caballos de batalla de su carrera en los últimos años, y desde luego dudo que tenga rival en este papel, y ayer demostró por qué. Más lírico que Del Monaco, con una línea de canto siempre cuidadísima, interpretando cada frase, jugando con los acentos y solventando todas las dificultades de la partitura, terminando con un “Oh gioia” bien mantenido y que sonaba como un cañonazo. Sí, sí, así es como tiene que sonar Otello.

Tras los numerosos aplausos y bravos, el cansancio del tenor provocó que de las tres propinas previstas se pasase sólo a una (nos quedamos sin “Romeo et Juliette” y, lo peor de todo, sin “La fanciulla del West”; confieso que eso sí que me dolió); como no podía ser de otra forma, la propina tenía que ser el celebérrimo “Nessun dorma”, algo con lo que ya contábamos en vista de que uno de los vídeos promocionales del concierto recogía la parte final de este vídeo (desde el minuto 5 más o menos):

El cansancio de Gregory Kunde se notó en el acortamiento del “Vincerò!” final, con el la (en la sílaba “rò”) muy breve, aunque con el sib (en el “ce”) bastante más prolongado. El único pero que se le puede poner. He escuchado unos cuantos “Nessun dorma” en mi vida, a grandes tenores (Fabio Armiliato, Marcello Giordani, Neil Shicoff), pero os puedo asegurar que ninguno se acercaba a lo que escuchamos ayer. Sí, en el vídeo suena muy bien… ¡pero hay que escuchárselo en directo! Fue simplemente impresionante. El público, que hasta entonces había sido más bien respetuoso con los finales orquestales, aquí no espero a que terminara la música para ponerse a aplaudir y bravear, y en vista de que nos íbamos a perder esos bellos acordes finales, pues ya opté por hacer lo mismo, por desgañitarme braveando y, en cuanto terminó la música, ponerme en pie, como ya empezaba a hacer parte del auditorio, hasta que todo el público en pie despidió como es debido a un tenor casi histórico, al que ya es un mito de mi generación (de esa generación que no tuvo la ocasión de escuchar en vivo a Pavarotti, por ejemplo).

Confieso que salí del concierto perdido entre las nubes, casi hiperventilando, después de haber desfrutado de semejante “Nessun dorma” (que, como no, es un aria que me vuelve loco). Y conseguir poder saludar por fin a Gregory Kunde, tener su firma y hacerme una foto con él (cosa que compensó la larga espera y el frío que hacía por la noche en Iruña) fue ya el remate de una noche mágica. Así sí que vuelve uno feliz a casa pese a tener una hora de camino conduciendo. Y si mañana volviera a dar el mismo recital, allí volvería a estar yo, encantado de la vida. Porque no sé si nos damos cuenta de los grande, grande, pero grande de verdad que es Kunde. Hacedme caso, no desaprovechéis cualquier oportunidad que tengáis de escucharle en vivo: no os arrepentiréis.



Crónica: Te Deum de Berlioz en la Quincena Musical (31-08-2016)


La clausura de la edición de 2016 de la Quincena Musical Donostiarra tenía un reto de más, ya que suponía la clausura de la edición de la capitalidad europea de la cultura, por lo que había que darle un tinte local pero al mismo tiempo espectacular. Por eso se optó por la interpretación del gigantesco Te Deum de Berlioz, que requiere una gran orquesta y coro, para lo que se unieron en el escenario las dos grandes orquestas vascas, la sinfónica de Euskadi y la sinfónica de Bilbao, los Orfeones Donostiarra y Pamplonés y la Escolanía Easo (que, para que pudieran entrar en el más bien reducido escenario del Kursaal, se hizo necesario eliminar varias filas de asientos), al que se sumarían además dos pequeñas obras (pequeñas por duración) de compositores autóctonos. El resultado cumplió con las expectativas que había, desde luego. Dejo, antes de nada, un enlace del programa.




Hector Berlioz era un compositor muy dado a la espectacularidad, a juntar grandes masas orquestales y corales en algunas de sus obras. De hecho, para el estreno de este Te Deum contó con un coro infantil de nada menos que 600 integrantes. Es una obra realmente magnífica (y conste que no soy yo muy fan de Berlioz), con algunos momentos memorables, que si se interpreta como es debido es muy disfrutable.

El encargado de dirigir el concierto fue Víctor Pablo Pérez, un director por el que no tengo una especial predilección, pero que en este caso cumplió con solvencia, consiguiendo un magnífico sonido de la fusión de ambas orquestas, especialmente en las cuerdas (las maderas en ocasiones se hicieron oír demasiado), que permitía que se oyeran las voces del coro, que, en definitiva, no se dedicó a dejar sordo al público con un chorro de sonido a máximo volumen, sino que supo extraer los matices de la partitura. Un trabajo más que notable, tanto el suyo como el de ambas orquestas. Quizá, en todo caso, algo lento (sinónimo en este caso de falto de tensión) el ritmo de la introducción del Te Deum y algo rápido el de la última parte, el Judex Crederis.

El joven organista labortano Thomas Ospital consiguió destacar en sus momentos solistas, con un magnífico sonido, especialmente en la introducción del ya mencionado Judex Crederis. Me temo que su labor pasó demasiado desapercibida entre el público.

Bastante flojo, en cambio, el tenor Christian Elsner en su parte solista  del te ergo quaesumus (una parte bellísima, por cierto); la voz sonaba sin brillo, falta de proyección y con un timbre demasiado dramático en una parte que pide una voz más plenamente lírica.

Tanto el orfeón Donostiarra como su homólogo Pamplonés brillaron en sus intervenciones, con esos juegos de dinámicas, con esos momentos poco menos que susurrados (bellísimo el comienzo del Dignare), y apabullantes en los momentos en forte. Sobresalientes, como cabía esperar de dos formaciones de su nivel.

Magníficos también los jóvenes miembros de la Escolanía Easo (y del Araoz Gazte Abesbatza (que, formada por chicas adolescentes, continúa la labor de la escolanía), especialmente remarcables de nuevo en  ese Judex Crederis que fue un momento para guardar en la memoria. Berlioz habría querido más niños en el coro, desde luego, pero pese a ser bastante pocos en comparación con los adultos, y mal situados en el escenario (lo lógico habría sido situarlos en el centro del coro, y no en un lateral), consiguieron hacerse notar.

Se completaba el concierto con dos obras en euskera (ya va siendo hora de situar a nuestra lengua, la única pre-indoeuropea que pervive en Europa, en el lugar musical que le corresponde). La primera fue el “Aita Gurea” del oñatiarra Aita Madina. Fue sin duda la parte menos atractiva del concierto.

Desconozco las versiones que existen de esta obra (yo he escuchado una exclusivamente coral); aquí se escogió poner a un miembro de la escolanía Easo, Javier Sánchez, como solista. La voz sonaba insegura (como para no… si yo llego a estar en el lugar del pobre niño, me meo en el escenario directamente), aunque de timbre realmente bello. El mayor problema es que, al tener que cantar junto con el coro, en muchos momentos no se le oía (como para oírsele sobre dos pedazo de coros…). Muy bien por su parte, que hizo claramente lo que pudo, pero la elección quizá no fuera la más adecuada.

Y el concierto terminaba con esa impresionante obra que es el Gernika de Pablo Sorozabal, en mi opinión el más grande compositor no sólo donostiarra, sino también euskalduna (y si entendemos euskalduna incluyendo Navarra e Iparralde, significa que lo pongo por delante del mismísimo Ravel…). Para la interpretación de esta obra se contó además con la participación de la Euskal Herriko Txistulari Elkartea.

Orquesta, coro y txistularis sonaron maravillosamente, y el resultado en su parte final era para poner la carne de gallina. Destacar de nuevo a los niños de la Escolanía Easo, que en sus breves intervenciones consiguieron hacerse oír, consiguiendo un bellísimo efecto. Y sobresalientes los coros.

Como propina, y ante la plana mayor del PNV (lehendakari, diputado general de Gipuzkoa y alcalde de Donostia incluidos) se interpretó el Agur jaunak, con el público en pie (y más de uno cantando).

Tanto el Te Deum de Berlioz como el Gernika de Sorozabal bien merecerían ser grabados (o publicados en video en youtube, por lo menos), porque fueron unas interpretaciones sobresalientes que dieron un digno colofón a esta edición de la Quincena tan especial. No, no fue en mi opinión el mejor concierto (para eso sigue imbatible la 3ª de Mahler), pero sí un concierto propiamente local que demostrara uno más de los innumerables motivos por los que nuestra querida Donostia merecía ser la Capital Europea de la Cultura 2016.



Crónica: Nabucco en Fundación Baluarte de Pamplona


Reconozcámoslo: un Nabucco de Verdi siempre apetece. No sé, igual es que a mí me gusta mucho ese Verdi chimpunero, de fanfarrias y platillos, pero es que, tras dos óperas más bien flojuchas, Oberto y Un giorno di regno (muy lejos de la calidad de las obras maestras de Bellini y Donizetti), Verdi encuentra con su tercera ópera su estilo propio y ese enorme talento que ira mejorando con el tiempo, cierto, pero que ya en este Nabucco demuestra que con su poca experiencia, cuando hay inspiración, se pueden hacer maravillas. Y así serían sus siguientes años, en los que combinaría obras llenas de inspiración (Ernani, I due Foscari, Attila, I Masnadieri, Luisa Miller y, sobre todo, Macbeth… yo incluiría Stiffelio en la lista, por cierto) con otras de puro trámite, flojitas (Giovanna d’Arco, Il Corsaro…), hasta que llegara con su trilogía popular al más alto nivel, del que luego apenas bajaría.




Tengo gafe por lo visto cada vez que voy a Pamplona a algún concierto: bueno, ayer en el camino llovía, aunque ni comparación con aquel recital de Roberto Alagna, hace años ya, en el que conduciendo no veía ni 5 metros por delante gracias al chaparrón que caía… vamos, que da bastante pereza salir de casa, tener por delante una hora de viaje conduciendo y meterte en el caos circulatorio de la capital navarra (no me gusta nada conducir por Pamplona, la verdad) para encima llegar justo justo a tiempo para coger una entrada (y encontrarme con que las más baratas estaban encima agotadas… cuando así de casa todavía quedaban unas cuantas… mala noticia para mí, buena para la ópera, en todo caso) y sentarme a ver lo que me iban a ofrecer.

No es Nabucco (cuyo argumento repasamos en este post) una ópera fácil de montar para agrupaciones que cuentan con medios más bien modestos; requiere un grupo de solistas de muy alto nivel que no están desde luego al alcance de teatros de menor categoría (lo que es el caso, nos guste o no asumirlo), así que conseguir un resultado, digamos de alguna forma, “digno”, no es tarea fácil; esto no es “La Traviata”, “La Boheme” o “L’elissir d’amore”, óperas más fáciles de montar. Y al comienzo de la función, me temí que el resultado no fuera a ser digno. Por suerte, esas primeras impresiones fueron equivocadas, por lo menos en parte.

Antes de nada, dejamos un enlace de la producción.

La escenografía era muy sencilla: quizá lo más eficaz fuera esa cortina trasera que emulaba las dos tablas de la ley, que se abría en el momento en el que Nabucco hace su primera aparición en el templo de Jerusalén. Apenas había más elementos en esa escenografía: unas sillas que salían por los aires al comienzo del tercer acto y algunos elementos de influencia asiria (Nabucco es rey de Babilonia, pero el libreto juega con una falsa ambigüedad ya que a menudo se refiere a él como rey de Asiria, siendo esta afirmación totalmente errónea, ya que fue el propio padre de Nabucodonosor, Nabopolasar, el artífice de la caída y fin del Imperio Nuevo Asirio, dando lugar al Imperio Neobabilónico). El vestuario era actual, pero no se sugería ninguna metáfora o reinterpretación de la historia. Buen trabajo de iluminación (magnífico el comienzo del “Va, pensiero”) y correcta dirección de actores (a cargo de Emilio Sagi), con una muy bien resuelta escena final del segundo acto, cuando dios castiga a Nabucco por su soberbia y le arrebata la corona.

La orquesta sinfónica de Navarra fue uno de los puntos más grises de la noche; bueno, en realidad no fue culpa de la orquesta, que sonar sonó bien, sino de su director, Gianluca Marcianò, aburrido, sin chispa ni gracia. La introducción de la obertura fue excesivamente rápida, para luego aburrir con la lentitud de los acordes finales del “Salgon già”, por ejemplo. La orquesta no puede aburrir en una ópera como esta, y por desgracia lo hizo. Y, para colmo, en numerosos momentos tapaba a los cantantes.

El Orfeón Pamplonés tenía la complicada tarea de sacar adelante la extensa y magnífica parte coral de esta ópera. Ya desde el mismo comienzo se escuchó un coro bien conjuntado, de agudos penetrantes, bien conjuntado… el “Va, pensiero”, quizá la parte más famosa del aria, fue casi perfecto (lo que ya de por sí hace que merezca la pena haber ido a la función), y el “Immenso Jehovah” simplemente escalofriante. Bravo por ellos, un magnífico trabajo del coro.

Pasamos a los solistas. De los comprimarios, mejor la Anna de Sara Rossini y el Abdallo de Jorge Rodríguez-Norton que el Gran Sacerdote babilonio de Miguel Ángel Zapater, de voz cada vez más ajada.

La Fenena fue cantada por la mezzo María Luisa Corbacho, de voz bella y capaz de sacar adelante un papel que tampoco es especialmente complicado. Muy bien resuelta su aria del 4º acto, cantada para colmo encima de una silla y con la soga de la horca al cuello (y yo mientras temblando… como la silla se rompa o se caiga, vamos a tener problemas…). No es Fenena un papel que, mal cantado te estropee la ópera, pero su labor fue más que digna.

Mal, en cambio, el Ismaele de Enrique Ferrer; el centro sonaba más o menos correcto, pero la zona aguda sonaba pálida, sin squillo, inaudible en las escenas con el coro. En todo caso, de nuevo, no es el personaje de Ismaele el que te estropea la ópera.

Y es que en Nabucco hay tres personajes de gran nivel vocal que, o son bien resueltos, o esos sí que te estropean la función. Y ahí he de decir que, en mi opinión, dos de ellos salvaron los papeles… el tercero ya no tanto.

Ese tercero era el bajo, Ismaele, vocalmente quizá el más interesante de todos los personajes de la ópera, cantado por Ernesto Morillo. Su primera intervención, ese “Freno al timor” fue muy flojito, con una voz muy desigual en los registros, tremolante… en un pasaje tan jugoso (con esa bellísima aria y la espectacular caballetta posterior) quedó muy gris. Su aria del III acto (justo tras el Va, pensiero), “Del futuro nel buio discerno” mejoró, pero su mejor momento fue, sin duda, su plegaria del acto segundo, “Tu sul labbro dei veggenti”, cantada con mucho gusto, a media voz. Fue ese momento el que más le acercó al aprobado.

Abigaile es un papel temible para cualquier soprano, y Maribel Ortega se enfrentó a él con valentía, con unos agudos potentes, capacidad de coloratura y buenos cambios de registro. Muy bien cantada su aria “Anch’io dischiuso un giorno” y la temible caballetta “Salgon già del trono aurato”, aunque su mejor momento quizá fuera su intervención del final de la ópera, ya moribunda, cantada con gusto, con voz bien modulada. Notable interpretación la suya.

El papel protagonista de Nabucco lo interpretaba el barítono Damiano Salerno. La voz sonaba bella, lírica, la técnica era correcta, se proyectaba bien, no forzaba para sonar más potente… a cambio, le faltaba la autoridad que demanda el personaje. A su “Chi mi toglie”, siempre cantado con corrección, le faltaba más garra, más potencia, igual que a la caballetta “O prodi miei, seguitemi”. Mucho más cómodo en un “Dio di Giuda” que me dejó muy buen sabor de boca. Como en todo, es cuestión de gustos, pero yo prefiero un Nabucco bien cantado aunque le falte un poco más de voz que un barítono que por sonar potente fuerza y es técnicamente reprochable. Así que teniendo en cuenta sus limitaciones vocales, fue un Nabucco muy satisfactorio.

Así que ahí volvía yo en coche a casa, cansado, con la sensación de haber estado en una función no memorable, desde luego, pero sí con algunos (varios) momentos que hicieron que mereciera la pena el desplazamiento. Que es lo que vale, a fin de cuentas.