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40 años de la muerte de John Wayne (11-06-2019)

En el Hollywood clásico de los años 30 y 40 no había espacio para el multifacetismo; todos los actores estaban encasillados en algún género. Así, si pensamos en las aventuras, pensamos en Errol Flynn. Para las screwball comedies tenemos a Cary Grant. Humphrey Bogart es el rey del cine negro, mientras para los dramas recurrimos a Spencer Tracy y para los biopics a Paul Muni. ¿Y para los westerns? Su extensa filmografía lo confirma, en este género el rey era John Wayne. En el 40 aniversario de su muerte repasamos su carrera. 

El nombre de nacimiento de John Wayne era Marion Robert Morrison, y nació el 26 de mayo de 1907 en la pequeña ciudad de Winterset, en el estado de Iowa, donde aún se conserva su casa natal:

Su familia, de religión presbiteriana, tenía origen inglés, escoces y, sobre todo, irlandés. Cuando sus padres tuvieron otro hijo decidieron llamarle Robert, por lo que cambiaron el segundo nombre de Marion, que pasa a ser Marion Mitchell Morrison. La familia se mudó pronto a California, estableciéndose en 1916 en Glendale, donde su padre, veterano de la Guerra Civil, trabaja de farmacéutico. Es allí donde pasea a su Terrier, llamado “Little Duke”, cuando empieza a ser conocido como “Duke”, el Duque, apodo que mantendrá de por vida, ya que prefería ese apodo a ser conocido como Marion (perfectamente comprensible, por otro lado). 

De joven destaca tanto en el lado deportivo como en el académico. Juega al fútbol, escribe en el periódico del instituto y forma parte de la Orden DeMolay (próxima a la masonería). Comienza a estudiar leyes en la universidad y juega al fútbol en el equipo de la misma. Pero una rotura de clavícula haciendo surf acaba con su carrera deportiva y, con ello, con su estancia en la universidad.

Su entrenador le consigue, en todo caso, trabajo como extra en las películas que rueda John Ford con el actor Tom Mix, lo que le permite incluso conocer al mítico Wyatt Earp, amigo de Mix. Fue poco a poco consiguiendo papeles mayores, siendo su debut propiamente dicho en 1926  en la película “El asalto al tren expreso”. Estamos todavía en época de cine mudo, y Wayne ni siquiera aparece acreditado en el film. 

En 1929 aparece acreditado como Duke Morrison en un musical, “Words an music”. Pero en 1930 Raoul Walsh le elige como protagonista de “La gran jornada” y propone que sea acreditado como Anthony Wayne, en honor a un general de la Guerra de Independencia, pero el estudio (la Fox) dice que suena demasiado italiano. Walsh propone entonces que sea llamado John Wayne, lo que es aceptado por la productora (todo esto sin que él esté presente). El resto ya es historia:

El problema fue que la película era demasiado ambiciosa y terminó siendo un fracaso económico. Eso relegó a John Wayne a actor secundario de películas de serie A y a protagonista de infinidad de westerns de serie B (él mismo calculaba que debían rondar las 80), en la que incluso se le quiso convertir en un cowboy cantante (doblado, él no cantaba). Mientras tanto, el género del western cae en desgracia. 

Así, cuando John Ford quiere rodar en 1939 “La diligencia”, se encuentra con que ninguna productora la acepta, así que decide contactar con el productor privado Walter Wanger para poder rodarla. Cuenta con una de las grandes estrellas del momento, Claire Trevor, y con un nada desdeñable reparto, con Thomas Mitchell (que ganará el Oscar a mejor secundario), Donald Meek, John Carradine, George Bancroft… pero para protagonizarla eligió a John Wayne, al que veía como un “chico para todo”, solvente pero no brillante. La película fue un enorme éxito de crítica y de pronto John Wayne se convirtió en estrella:

En 1940 repite con Raoul walsh y Claire Trevor en el western “Mando siniestro”, y rueda de nuevo a las órdenes de Ford “Hombres intrépidos”, drama bélico ambientado ya en plena II Guerra Mundial, en el que vuelve a compartir pantalla con Thomas Mitchell. Y en 1942 estrena, entre otras, la comedia “Dama por una noche”, la película de aventuras “Piratas del mar Caribe”, en la que interpreta al antagonista frente a Ray Milland y el western “Los usurpadores”, en el que se enfrenta a Randolph Scott por el amor de Marlene Dietrich:

Pero Estados Unidos ha entrado en la II Guerra Mundial. Ya en su juventus John Wayne había querido ingresar en la marina, siendo rechazado. Ahora es el momento de alistarse, pero su situación familiar no se lo permite: en 1933 se había casado con la panameña Josephine Alicia Sáenz, y contaba con 4 hijos: Michael, nacido en 1934, Mary Antonia, de 1936, Patrick (futuro actor) en 1939 y Melinda en 1940. Wayne insiste en entrar en el ejército, pero es de los pocos actores famosos que no se ha alistado, y las productoras hacen lo imposible para mantenerlo. Y, pese a todo, las películas que ruede durante la guerra serán prescindibles. Participa también en programas de radio.

En 1945 vuelve a su rescate de nuevo John Ford, dándole uno de los papeles protagonistas (el otro es para Robert Montgomery) en el drama bélico “No eran imprescindibles”, en la que interpretan a dos oficiales que intentarán detener el avance japonés en las Filipinas justo después del bombardeo de Pearl Harbour:

En 1945 se divorcia de Josephine y en 1946 se casa con la actriz mexicana Esperanza Baur, de la que se divorcia en 1953. 

Cinematográficamente no participa en ninguna película relevante hasta 1948, cuando vuelve a trabajar a las órdenes de John Ford, no una, sino dos veces. La primera, “Tres padrinos”, western con tono de comedia en el que tres fugitivos (Wayne, Pedro Armendariz y Harry Carey Jr.), mientras huyen de la justicia (del sheriff Ward Bond) se hacen cargo del hijo recién nacido de una mujer que muere en el parto (Mildred Natwick), poniendo en grave peligro su fuga:

La otra, en “Fort Apache”, película dedicada a la caballería, en la que Wayne interpreta a un militar de campamento, libre, ajeno a la legalidad estricta que representa la academia militar de la que procede Henry Fonda, lo que provoca un enfrentamiento entre ambos:

Pero ese mismo año da la gran sorpresa la da en el magistral western de Howard Hawks “Río Rojo”, en la que interpreta a un tiránico cowboy que busca vengarse de sus hombres que se amotinaron, y en especial de su hijo adoptivo, un jovencito Montgomery Clift:

La interpretación de John Wayne sorprende al mismísimo John Ford, que al parecer, al ver su interpretación, dijo “¡No sabía que ese gran hijo de puta pudiera actuar!”. Y es cierto que aquí Howard Hawks le da a Wayne un papel con una profundidad dramática que no habían tenido sus papeles anteriores, y demuestra su capacidad interpretativa. John Ford tomará buena nota, sin duda. 

Por el momento, John Wayne protagoniza la segunda entrega de la trilogía de la caballería de Ford, “La legión invencible”, en 1959. Ese mismo año protagoniza “Arenas sangrientas”, narración de la batalla de Iwo-Jima, por la que consigue su primera nominación al Oscar:

Pero ese año el Oscar será para Broderick Crawford por “El político”, papel que Wayne rechazó por considerarlo anti-americano. Y es que, pese a haber votado por Franklin D. Roosevelt en años anteriores, John Wayne era un patriota conservador republicano, y la visión crítica del mundo de la política en la película no era de su agrado. 

En 1950 protagoniza la tercera película de la caballería de Ford, la mejor de las tres, “Río Grande”, primera vez que coincide en pantalla con su pareja más emblemática, Maureen O’Hara, interpretando a una pareja que se enfrenta por el destino en la caballería de su hijo, Claude Jarman Jr, acompañados de otros actores frecuentes en la filmografía de Wayne como Victor McLaglen y Harry Carey Jr.:

John Wayne repite con John Ford y Maureen O’Hara (además de Victor McLaglen, Mildred Natwick y Ward Bond, sumándose esta vez Barry Fitzgerald) en la genial comedia romántica “El hombre tranquilo”, una de las mejores películas de Ford y uno de los mejores papeles de Wayne interpretando a ese ex-boxeador que busca cambiar su vida en su Irlanda natal y que tendrá que soportar la oposición del hermano de la mujer de la que se enamora:

En 1953 trabaja a las órdenes de John Farrow en el western “Hondo”, en el que tiene que proteger a una testaruda mujer, Geraldine Page, y a su hijo, del inminente ataque de los indios:

También trabaja a las órdenes de William A. Wellman en “Infierno blanco”, interpretando a un piloto que tiene un accidente en Canadá. Al año siguiente, 1954, repite con Wellman en otra historia de aviación, interpretando a un piloto con problemas para llegar a Hawaii que tendrá que decidir si sigue adelante o regresa a San Francisco, con un reparto completado por Robert Stark o Claire Trevor entre otros, además de la magnífica música de Dimitri Tiomkin:

En 1954 se casa por tercera y última vez, con la actriz peruana Pilar Pallete, con la que estará casado hasta su muerte y con la que tendrá tres hijos: Aissa en 1956, Ethan en 1962 y Marisa en 1966. 

En 1955 vuelve a trabajar a las órdenes de John Farrow en “El zorro de los océanos”, en la que interpreta a un militar alemán que tiene que regresar a su país al estallar la II Guerra Mundial pese a sus pocas simpatías nazis, perseguido por un barco inglés en el que le acusan de un crimen que no ha cometido y llevando a una espía a bordo, interpretada por Lana Turner:

En 1956 protagonizó una de sus más fallidas películas, “El conquistador de Mongolia”, dirigida por Dick Powell, en la que daba vida al mismísimo Gengis Khan. El argumento no hay por dónde cogerlo, y pese a contar con Susan Hayward y Agnes Moorehead en el reparto, fue un fracaso. Al margen de haber sido rodada en terrenos contaminados por radiactividad tras unas pruebas atómicas:

Para compensarlo, ese mismo año protagoniza “Centauros del desierto” de John Ford, uno de los westerns más famosos de la historia (tal vez algo sobrevalorado) en el que interpreta a un veterano de guerra que, tras ver cómo su familia es masacrada por los indios, no cede en la búsqueda de su sobrina (insulsa Natalie Wood), que fue raptada, ayudado al final sólo por Jeffrey Hunter para encontrarla convertida en india, lo que enciende su más profundo racismo:

En 1957, tras rodar la mediocre “Arenas de muerte” junto a Sophia Loren, vuelve a ponerse a las órdenes de John Ford en “Escrito bajo el sol”, biopic del piloto Frank Wead quien, tras sufrir un accidente doméstico que le dejó parapléjico, escribió guines (Ford trabajó con él en “No eran imprescindibles”) y fue instructor de vuelo durante la II Guerra Mundial. En esta ocasión volvía a acompañarle en escena Maureen O’Hara:

Tras rodar en 1958 “El bárbaro y la Geisha” a las órdenes de John Huston, en 1959 vuelve a trabajar con John Ford en “Misión de audaces”, drama bélico ambientado en la Guerra de secesión en la que él, un unionista, tendrá que unirse al confederado William Holden en una misión:

Pero su mejor película de 1959 será el magistral western “Río Bravo”, que Howard Hawks rodó como oposición a “Solo ante el peligro” de Fred Zinnemann: el sheriff no está nunca sólo, cuenta con sus ayudantes, en este caso un borracho Dean Martin, un tullido Walter Brennan, un joven Ricky Nelson (estrella del Rock&Roll de vida desgraciada) y una misteriosa mujer, Angie Dickinson. Además, a diferencia de los westerns tradicionales, aquí los malos no son los indios, sino los ricos terratenientes que contratan a matones para controlar la vida de los pueblos del oeste, cambiando así la visión tradicional del western. Pese a no conseguir ninguna nominación a los Oscars, “Río Bravo” marcará un nuevo rumbo en el género, además de ser uno de los mejores westerns de la historia (en mi opinión le supera, por un pelo, “El hombre que mató a Liberty Valance” en el puesto de mejor western):

Los años 50 han sido los mejores de John Wayne hasta la fecha, pero su carrera sigue todavía en ascenso. Comienza 1960 con un western menor, “Alaska, tierra de oro”, de Henry Hathaway, de carácter más bien cómico, acompañado por Stewart Granger:

Pero ese mismo año su gran película será “El Álamo”, que se atreverá a dirigir él mismo, además de interpretar al mítico David Crockett, con un enorme reparto en el que destacan Richard Widmark y Laurence Harvey, además del propio hijo de John, Patrick Wayne, en la famosa historia del ataque mexicano al fuerte de El Álamo en la Guerra de Independencia de Texas. La película fue un gran éxito, consiguiendo incluso ser nominada al Oscar como mejor película:

En 1961 estrena “Los comancheros”, western a las órdenes de Michael Curtiz. Más productivo será sin duda 1962, en el que, a parte de su pequeña participación en la superproducción “La conquista del Oeste”, estrena tres grandes películas. La primera, la bélica “El día más largo”, detallada historia del Desembarco de Normandía que cuenta con 3 directores y un extenso reparto, en el que destacan Henry Fonda, Robert Mitchum e innumerables pequeños papeles y cameos, como el de Richard Burton:

La segunda es la genial comedia de aventuras “Hatari!”, de Howard Hawks, en la que lidera a un grupo de cazadores de animales salvajes para suministrar a los zoos en Tanzania, junto a Red Buttons o Hardy Kruger entre otros, además de surgir una complicada historia de amor con Elsa Martinelli. Aquí John Wayne demuestra como pocas veces sus magníficas dotes para la comedia:

No voy a negar mi absoluta predilección por esta película, pero es que John Wayne tenía todavía que ofrecer el que es en mi opinión su mejor papel en la otra película que estrenó en 1962, “El hombre que mató a Liberty Valance” de John Ford (ya he mencionado que es, en mi opinión, el mejor western de la historia), en la que Ford arregla todos los defectos que tenía “Centauros del desierto”: los villanos no son los indios, sino los terratenientes, Lee Marvin es un magnífico y creíble villano, las interpretaciones son mucho menos histriónicas y más matizadas (no podía ser de otra forma con James Stewart y Vera Miles como protagonistas) y el Tom Doniphon de Wayne es un papel matizado, realista pero al final derrotado por haber perdido a la mujer que ama. Y, con todo, esta obra maestra obtuvo una única nominación al oscar, a mejor vestuario; Wayne se merecía una nominación a mejor actor secundario más que cualquier otro intérprete:

En 1963, Andrew V. McLaglen, el hijo del actor Victor McLaglen, reúne de nuevo a John Wayne y Maureen O’Hara en el western cómico “El gran McClintock”, divertidísima película en la que participan Yvonne de Carlo y Patrick Wayne:

Wayne se encuentra cómodo en la comedia, y por ello en 1963 protagoniza junto a Lee Marvin y Jack Warden la comedia de aventuras de John Ford “La taberna del irlandés”: será la última película que ruede a las órdenes de Ford:

En 1964 se nos pasa al mundo del circo de la mano del director Henry Hathaway en “El fabuloso mundo del circo”, en la que comparte protagonismo con Rita Hayworth y Claudia Cardinale:

En 1965 es famoso su cameo en la película “La historia más grande jamás contada”, interpretando al centurión romano:

Pero ese mismo año protagoniza dos grandes películas. La primera, “Primera victoria”, de Otto Preminger, un retorno a la II Guerra Mundial, interpretando a un capitán de marina que se enamora de Patricia Neal al tiempo que intenta recuperar su relación con su hijo, el magnífico pero malogrado Brandon de Wilde, además de responder al ataque de Pearl Harbour junto a un magnífico reparto en el que destacan  Kirk Douglas, Henry Fonda o Franchot Tone en su última película:

Y la otra, el magnífico western de Henry Hathaway “Los cuatro hijos de Katie Elder”, en la que interpreta al mayor de 4 hermanos (los otros son Dean Martin, Earl Holliman y Michael Anderson Jr.) que vuelven a encontrarse para intentar recuperar las tierras que le robaron a su recién fallecida madre:

En 1966 protagoniza el segundo western de la trilogía de Howard Hawks iniciada con “Río Bravo”, titulada “El Dorado”, acompañado en esta ocasión por Robert Mitchum y James Caan:

En 1967 protagoniza “Ataque al carro blindado”, interpretando a un ex-presidiario que intenta robar a la persona que le tendió una trampa para encerrarlo y robarle sus tierras, Bruce Cabot (mítico secundario en tantas películas de Wayne), para lo que contará con la ayuda de Kirk Douglas, Keenan Wynn, Robert Walker Jr. y Howard Keel:

En 1968 volvió a la dirección, pero sin tanto éxito como con “El Álamo”: y es que “Boinas verdes”, ambientada en la Guerra de Corea, fue vista desde el principio como una película que se posicionaba a favor de la polémica Guerra de Vietnam (que era a fin de cuentas la posición de John Wayne):

En 1969 trabaja en dos películas a las órdenes de Andrew McLaglen, en el drama sobre bomberos “Los luchadores del infierno” y en el western “Los indestructibles”, en el que comparte pantalla con Rock Hudson:

Pero ese año su mayor éxito fue interpretar al tuerto Rooster Cogburn, agente de la ley contratado por una joven, Kim Darby, para que capture a los asesinos de su padre en “Valor de Ley”, western dirigido de nuevo por Henry Hathaway:

Por este papel John Wayne consiguió su segunda y última nominación al Oscar, pero esta vez se lo llevó a casa:

Quién le iba a decir a John Ford que ese gran hijo de… no sólo era capaz de actuar, sino incluso de ganar un Oscar (merecidamente), y que es grandullón se iba a emocionar al recogerlo. Magnífico por cierto escuchar al tiempo que se levanta la magistral banda sonora de Elmer Bernstein, compositor habitual en sus últimos westerns. 

En 1970 John Wayne trabaja de nuevo con Andrew V. McLaglen en el western “Chisum”, y protagoniza el último film de la trilogía western de Howard Hawks, “Río Lobo”, acompañado en esta ocasión por el mexicano Jorge Rivero y por Christopher Mitchum, el hijo de Robert Mitchum:

En 1971 trabaja por última vez junto a Maureen O’Hara en “El gran Jack”: ella se reúne con su ex-marido cuando unos cuatreros secuestran a su nieto (interpretado curiosamente por el hijo pequeño de John, Ethan), y este consigue la ayuda de dos de sus hijos, Patrick Wayne y Christopher Mitchum, pese a los problemas que ambos tienen con él:

En 1972 protagoniza un simpático western, “Los cowboys”, en el que, sin trabajadores que le ayuden a llevar al ganado, contrata a un grupo de jóvenes, que tendrán que enfrentarse a unos bandidos liderados por Brice Dern que querrán robar el ganado. Es uno de los pocos films en los que John Wayne muere:

En los siguientes años John Wayne protagoniza algunos westerns y películas policiales. Destaca en 1975 “Brannigan”, en la que interpreta a un policía americano que tiene que colaborar con la policía británica, encabezada por Richard Attenborough, para detener a un criminal, aunque la película se centra demasiado en las diferencias entre americanos y británicos:

Ese mismo año retoma su papel de Rooster Cogburn, protagonista de “Valor de ley”, en “El rifle y la biblia”, en la que comparte pantalla con Katherine Hepburn. El duelo interpretativo entre ambos, con esos juegos de ironía, es magistral y digno de ver:

Al año siguiente, 1976, estrena su última película: “El último pistolero”, de Don Siegel, western crepuscular en la que interpreta a un antiguo pistolero que, diagnosticado de cáncer terminal, se instala para morir en la casa de un viuda, Lauren Bacall, incómoda con su pasado, y su hijo, Ron Howard, fascinado por quién fue, para enfrentarse en una batalla final con sus últimos enemigos. La película es en realidad un homenaje a toda su carrera, apareciendo imágenes de algunas de sus películas, con un marcado carácter crepuscular que nos anuncia la despedida del Duque:

En sus últimos años se alejó del Partido Republicano y se acercó al demócrata Jimmy Carter en su defensa de que el canal de Panamá debía ser soberanía exclusiva del estado de Panamá. 

Diagnosticado de cáncer de pulmón en 1966, consiguió superarlo, pero luego sufrió cáncer de estómago. Siempre se ha sospechado que el rodaje de “El conquistador de Mongolia” en zonas contaminadas con radioactividad pudo haberlo provocado (de cáncer habían muerto tanto el director como otros protagonistas de la película). Su última aparición pública, en los Oscars de 1979, dejó en evidencia su mal estado de salud:

Pocos meses después sucumbía al cáncer de estómago, el 11 de junio de 1979. Poco antes de morir se había convertido al catolicismo. Fue enterrado en el Pacific View Memorial Park Cemetery, cerca de Los Angeles. 

John Wayne es el rostro por excelencia del western, pese a haber destacado también en otros géneros, como el bélico o la comedia. Quizá en sus comienzos no fuera un gran actor, pero a base de trabajar (más de 150 películas en su filmografía) terminó convirtiéndose en un magnífico actor que nos dejó una gran cantidad de interpretaciones memorables. 

60 años de la muerte de Tyrone Power (15-11-2018)


Las rivalidades entre los grandes estudios cinematográficos en los años 30 y 40 sirvieron para lanzar a la fama a nuevas estrellas que, a menudo, carecían de ningún control sobre sus carreras, en manos de algún productor corto de miras que era incapaz de aprovechar todo el potencial de sus artistas. Un caso paradigmático es el de Tyrone Power, actor de enorme fama y carrera moderadamente extensa (su temprana muerte le permitió a penas 20 años de carrera) que solo en sus últimos años fue capaz de demostrar todo su potencial interpretativo.




Tyrone Edmund Power III nació en Cincinnati, estado de Ohio, el 5 de mayo de 1914, en el seno de una familia de actores teatrales. Su padre, Tyrone Power Sr, era un destacado actor teatral descendiente de una larga saga de actores irlandeses, y estaba lejanamente emparentado con Laurence Olivier. Cuando en 1915 nace su hermana Anne, su madre Patia se hace cargo de ambos, renunciando a su carrera teatral, mientras el padre realiza giras por el país. La pareja termina divorciándose en 1920, lo que señala el inicio de un distanciamiento entre padre e hijo que durará una década.

Pero, interesado siempre en el teatro, nada más graduarse de la escuela, en 1931, se traslada a California, donde su padre trabaja ya en el mundo del cine, deseando seguir sus pasos y aprender interpretación junto a él. Pero a penas estuvieron unos meses juntos, ya que Tyrone llegó en verano, y en diciembre su padre moría en sus brazos durante un rodaje a causa de un infarto.

El joven Tyrone no renunció a su carrera como actor, y llamó a numerosas puertas, buscando los contactos que tenía a través de su padre, pero no conseguía contratos. Un pequeño papel en la película “¿Héroe o cobarde?” de 1932 no le sirvió para que le volvieran a llamar, por lo que decidió hacer caso a un amigo que le aconsejó ganar experiencia interpretativa en Broadway. Tyrone Power se trasladó a Nueva York entre 1932 y 1936, trabajando en numerosas obras de teatro.

De vuelta en Hollywood, en 1936, llama la atención del director Henry King, que estaba a punto de comenzar a rodar “Lloyds de Londres”, que narraba la historia de un agente de seguros (interpretado en su etapa de niño por Freddie Bartholomew) que, con su insistencia, consigue evitar que los mercantes vayan escoltados, reduciendo así las fuerzas navales de Horatio Nelson. Darryl F. Zanuck, el productor, no está convencido de darle el papel al recién llegado, ya que está previsto que el papel sea interpretado por Don Ameche, pero finalmente la presencia física de Power le convence para darle el papel.

Tyrone Power entró en el estreno siendo un desconocido y salió convertido en una estrella. Su presencia y su talento interpretativo lo convirtieron de inmediato en uno de los más importantes actores de la Fox.

Curiosamente, tras haberle “robado” su papel en “Lloyds de Londres”, Tyrone Power trabaja con Don Ameche en dos películas en 1937: en la comedia romántica “Amor y periodismo”, junto a Loretta Young, y en el prestigioso drama “Chicago”, en el que interpretan a dos hermanos enfrentados por la forma de gobernar la ciudad:

En 1938 repite junto a Don Ameche y Alice Faye (y de nuevo dirigido por Henry King, el director de “Chicago”) en el musical “La banda de Alexander”, en la que también trabaja Ethel Merman:

También en 1938, Tyrone Power protagoniza “Suez”, drama histórico en el que interpreta a Ferdinand de Lesseps, el constructor del canal de Suez, acompañado de Loretta Young y de una actriz francesa casi recién llegada a Hollywood, Annabella, con la que se casará en 1939:

También en 1938 es cedido a la Metro para interpretar al Conde Axel von Fersen, amante y protector de “Maria Antonieta”, drama histórico que contaba la historia de la reina de Francia, interpretada por Norma Shearer, en un reparto en el que aparecían el debutante Robert Morley como Luis XVI, John Barrymore como Luis XV o Joseph Schildkraut como Felipe “Igualdad”:

Pese al éxito de la película, Zanuck se sintió ofendido por el hecho de que la Metro hubiera usado a su gran estrella para un papel secundario, y se negó a volver a ceder a Power a ninguna otra productora. Esto le supuso, entre otras cosas, no poder optar a interpretar a Ashley Wilkes en “Lo que el viento se llevó”.

Pese a todo, su carrera pasa por un buen momento: en 1939 protagoniza “Vinieron las lluvias”, drama romántico ambientado en la India, junto a Myrna Loy y George Brent:

Pero su mayor éxito ese año será interpretando al bandido Jesse James en “Tierra de audaces”, western de Henry King en el que le acompaña Henry Fonda como su Hermano Frank, y que fue muy criticado en su época por pintar de forma demasiado positiva al bandido:

Pero su suerte cambiará en 1940 cuando protagonice “La máscara del Zorro”, junto a Linda Darnell, en la que se enfrenta en un duelo a espada con Basil Rathbone, actor y famoso espadachín que quedó sorprendido con la habilidad de Power en la esgrima:

En ese momento, una de las estrellas de la Warner era Errol Flynn, y Daryl F. Zanuck vio en Tyrone Power a un buen rival para la Fox a la hora de interpretar papeles similares. El primero será en 1941 al interpretar al torero protagonista de la adaptación de la novela de Vicente Blasco Ibáñez “Sangre y arena”, en la que abandona temporalmente a su esposa, de nuevo interpretada por Linda Darnell, seducido por una femme fatale Rita Hayworth:

En la misma línea, en 1942 protagoniza “Hijo de la furia”, en la que, además de enamorarse de Gene Tierney, tiene que enfrentarse a su tío, su rival habitual en este tipo de películas, George Sanders:

Y más aventuras, dirigido de nuevo por Henry King, en “El cisne negro”, de nuevo con George Sanders como villano y ahora con Maureen O’Hara como pareja, acompañados por Thomas Mitchell:

Por esas fechas su relación con su esposa, Annabella, se deteriora, al parecer, por el comienzo de la II Guerra Mundial, que le afecta especialmente a ella, por ser francesa, y se encuentra especialmente irritable, mientras que él se mantiene al margen hasta la entrada de Estados Unidos en el conflicto, momento en el que no tardará en alistarse en la Marina. Pese a todo, aún después de alistarse, rodará una última película, la bélica “Tiburones de acero”, junto a Dana Andrews, realizada como propaganda bélica:

Tras combatir en el Pacífico, Tyrone Power regresa a Estados Unidos a finales de 1945, quedando libre de servicio en 1946. Es sólo entonces cuando retoma su carrera cinematográfica. Y vuelve al cine por todo lo alto, protagonizando la adaptación de la novela de W. Somerset Maugham “El filo de la navaja”, en la que interpreta a un veterano de guerra que emprende un largo viaje en busca de su paz interior, y en el que comparte pantalla con Gene Tierney, Anne Baxter, Lucille Watson  o Clifton Webb entre otros:

Pero, pese a demostrar su notable talento para el cine dramático, la Fox vuelve a utilizarlo para protagonizar películas de aventuras. Protagoniza asó “El Capitán de Castilla”, interpretando a un noble español del siglo XVI que huye de la península por un enfrentamiento con la Inquisición y se une a las tropas de Hernán Cortés, interpretado por su viejo amigo Cesar Romero, en la película que será el debut de Jean Peters:

Ese mismo año, Power protagoniza el drama dirigido por Edmund Goulding (quien le había dirigido ya en “El filo de la navaja) “El callejón de las almas perdidas”, en la que interpreta a un trabajador de feria que estafa a sus clientes con trucos de adivinación hasta terminar degenerando en poco menos que un monstruo:

Este es el papel favorito de Power, pero no de Zanuck, que no soporta verle interpretando a personajes que terminan hundidos en el fango, y reconduce su carrera (de hecho, se encarga de que la película caiga en el olvido, algo que apenas cambiará hasta su edición en DVD). Primero, con dos comedias en 1948, una junto a Gene Tierney y otra junto a Anne Baxter, y con una vuelta al género de aventuras en 1949 con “El príncipe de los zorros”, en la que se enfrenta a Orson Welles.

En 1948 se divorcia finalmente de Annabella y comienza un romance con Lana Turner, a quien al parecer dejó embarazada (ella confesaría años después este hecho y que abortó al hijo que esperaban). Algún tiempo después se enamora de Linda Christensen, con quien se casa en 1949, con quien por fin podrá formar la familia que siempre soñó, al nacer dos hijas, Romina en 1951 y Taryn Stephanie en 1953.

En 1950 repite en el género de aventuras, y de nuevo junto a Orson Welles, en “La rosa negra”, interpretando a un Sajón que huye a Asia para evitar a sus odiados normandos:

Pero Tyrone Power está harto de los papeles que la Fox le obliga a protagonizar. Por ello, en 1950 decide marchar a Londres para trabajar en teatro. Varios fracasos cinematográficos en los años siguientes le llevaron a impulsar su carrera teatral y a trabajar cada vez menos en cine. En 1953 interpretará su último gran papel en el cine de aventuras, “El Capitán King”, ambientada en la India, en la que le acompaña Terry Moore:

Tras rechazar protagonizar “La túnica sagrada” en 1953 (papel que terminará catapultando a la fama a Richard Burton, pese a ser probablemente su peor papel) y sin ningún estreno en 1954, en 1955 trabaja por última vez para la Fox en la película de aventuras africanas “Caravana hacia el sur”, junto a Susan Hayward, y a partir de ahí se permite el lujo de elegir los papeles que va a interpretar. Y el primero será “Cuna de héroes”, drama militar dirigido por John Ford en el que volverá a trabajar junto a Maureen O’Hara:

También en 1955 se divorcia de su mujer, Linda Christensen. Las infidelidades de ella (y probablemente de él) no ayudaron, pero es que a ella le gustaba mucho ir difundiendo rumores sobre la orientación sexual de su marido, destacando la estrecha relación que le unía con Cesar Romero (quien muchos años después reconocería abiertamente su homosexualidad). A Power se le atribuirán romances con Marlon Brando o con Errol Flynn, aunque ninguno de ellos puede ser probado. Esta situación llevó finalmente a que Power se divorciara de Christensen en 1955 y decidiera no volver a casarse nunca, pese a que tuvo algunas parejas conocidas en los siguientes años.

En 1956 protagoniza “La historia de Eddy Duchin”, drama biográfico dirigido por George Sidney que cuenta la historia de un famosos pianista que pierde en el parto a su esposa, interpretada por Kim Novak, lo que le aleja de su hijo (interpretado por Rex Thompson), que pese a todo seguirá sus pasos al piano, y al que finalmente le tendrá que confesar que padece una enfermedad terminal:

En 1957 vuelve a trabajar a las órdenes de Henry King en “Fiesta”, adaptación de la obra de Ernest Hemingway en la que comparte pantalla con quien fuera su “rival” Errol Flynn, junto a Ava Gardner y Mel Ferrer:

Su último papel fue la mejor decisión que podía haber tomado nunca: trabajar a las órdenes de Billy Wilder en su adaptación de la obra de Agatha Christie “Testigo de cargo”, una de las mejores películas de la historia: un drama judicial con unos inmensos Charles Laughton (con quien Power había trabajado previamente en teatro) y Marlene Dietrich:

El talento interpretativo de Tyrone Power siempre había sido puesto en duda por el tipo de papeles que le tocaba interpretar, lo que le supuso no haber sido nunca nominado al Oscar (lo mismo que le sucedió a Flynn, por otro lado), pero si alguien dudaba de que era un magnífico actor, aquí lo demostró de sobra. Ya no vale hablar de la presencia escénica, ya que, con 43 años, el actor se encuentra bastante envejecido; no es su belleza la clave de su éxito, de su magnetismo ante la cámara. Y, pese a todo, la película tuvo poco éxito en los premios y ni Power ni Dietrich fueron nominados al Oscar que merecían.

En 1958 rompe con su promesa de no volver a casarse y se casa, por tercera vez, con Deborah Jean Montgomery Minardos. La pareja se traslada a Madrid, donde Power va a trabajar a las órdenes de King Vidor en “Salomón y la Reina de Saba”, junto a Gina Lollobrigida. Con el rodaje muy avanzado, Power se dispone a rodar una escena de duelo frente a su histórico rival, George Sanders, cuando se desvaneció: había sufrido un infarto (lo mismo que le sucedió a su padre). Se lo llevaron al hospital en el coche de Lollobrigida, pero Power no llegó con vida. Tenía sólo 44 años, y su esposa estaba embarazada.

Vidor tuvo que buscar un sustituto para volver a rodar buena parte de la película (pese a que en las escenas en las que aparece más lejano de la cámara se conserven los planos rodados por Power), siendo el elegido su amigo Yul Brynner. El director no queda satisfecho con el trabajo de Brynner: se muestra demasiado seguro de sí mismo, frente al carácter mucho más dubitativo que lucía Power, en su opinión más adecuado para el film.

El deseo de toda su vida de tener un hijo se cumplió apenas dos meses después de su muerte, al nacer su hijo Tyrone Power Jr, que terminaría siendo también actor. El cuerpo de Power fue trasladado a Estados Unidos y enterrado en el Hollywood Forever Cemetery:

Tyrone Power es quizá el mejor ejemplo de un actor echado a perder por las grandes productoras, que fueron incapaces de aprovechar su talento prefiriendo las posibles ventajas económicas de películas que no satisfacían al actor. Sólo en sus últimos años Power pudo rodar los proyectos que le interesaban, demostrando que, mucho más que un galán, era uno de los actores con más recursos interpretativos de su época. Mucho salimos perdiendo los cinéfilos con estas decisiones poco acertadas, aunque en el fondo disfrutemos con esas películas de aventuras de las que fue uno de los más grandes exponentes.



Centenario del nacimiento de Rita Hayworth (17-10-2018)


El mundo del cine no es un mundo justo, no es ninguna novedad. No es así difícil encontrar casos de grandes injusticias, de películas y estrellas sobre valoradas mientras otras son infravaloradas. Y tenemos casos de películas que, al margen de su calidad artística, suponen un hito cinematográfico que marca la carrera de sus intérpretes de por vida. Ese sería el caso de la actriz que hoy nos ocupa, Rita Hayworth, que para muchos será eternamente “Gilda”, y que cumpliría 100 años en esta misma fecha.




El nombre de nacimiento de Rita Hayworth era Margarita Carmen Cansino, y nació en Nueva York el 17 de octubre de 1918. Su padre era el bailarín sevillano de origen sefardí Eduardo Cansino, y su madre era la actriz americana de origen irlandés Volga Hayworth. Ambos se conocieron actuando juntos en Ziegfield Follies, y se casaron en 1917. Rita fue la mayor de los tres hijos que tuvieron, siendo los otros Eduardo y Vernom, ambos también actores y bailarines.

Su padre estaba empeñado en convertirla en bailarina, y desde apenas 3 años de edad ya comienza a recibir clases de baile. Como confesará más tarde, no le gustaba, pero no se atrevía a decírselo a su padre. Antes de cumplir los 5 años ya debuta en Broadway y en 1926 participa junto a su familia, los Cansinos, en la película “La fiesta”:

En 1927, la familia se traslada a Hollywood, donde su padre funda una academia de baile a la que acudirán futuras estrellas como james Cagney o Jean Hawlor. Pero con la llegada de la Gran Depresión de 1929, se arruina, y regresa a las tablas. La ley de California impide que su hija pueda trabajar, así que a menudo viajan a Tijuana, y en otros casos la hace pasar por su mujer para disimular su edad. Tiempo después la propia Rita confesará que su padre abusaba sexualmente de ella. Además, los constantes viajes le impidieron acudir a la escuela y terminar su educación formal, lo que le acomplejó el resto de su vida.

Su regreso a las pantallas se produce en 1934, en papeles de bailarina. Wanfield Sheeham, presidente de la Fox, se fija en ella y le ofrece un contrato de 6 meses. Ella adopta el nombre artístico de Rita Cansino (Rita como abreviatura de Margarita) y participa en varias películas, entre las que destaca su participación en “Charlie Chan en Egipto”. Pero, cuando su contrato de 6 meses va a expirar, la Fox es absorbida por la Century, formanco la 20th Century Fox. Sheeham quiere a Rita como protagonista de “Ramona”, pero el nuevo presidente, Daryl Zanuck, prefiere a Loretta Young, y su contrato no es renovado.

Es entonces cuando aparece en su vida Edward C. Judson, un charlatán que pretendía ser mánager, que consigue pequeños papeles para ella, y además se casarán en Las Vegas en 1937, algo que enfurece a sus padres.

Rita consigue un papel en la Columbia, en la película “Meet Nero Wolf”, y llama la atención de su presidente, Harry Cohn. Pero este observa que ni su nombre ni su aspecto le permiten adoptar una gran variedad de roles. Rita lucía por aquellos años un aspecto muy diferente al que le asociamos:

Judson toma en cuenta esta opinión: le hace adelgazar, le somete a tratamientos de electrodepilación para ampliar su frente y la convierte en pelirroja, además de hacerle cambiar su nombre artístico por el definitivo de Rita Hayworth, tomando el apellido de su madre. Finalmente, y tras trabajar en numerosos films de serie B en 1937 y 1938, Cohn, enamorado de ella pero nunca correspondido, consigue que el director Howard Hawks cuente con ella en 1939 en su película “Sólo los ángeles tienen alas”, en un papel secundario junto a Cary Grant y Jean Arthur:

Este será el papel por el que su nombre empiece a hacerse popular. Trabaja en varias películas en 1940 y 1941, siendo cedida en algunos casos a la Warner, que quiere contratarla, algo a lo que Cohn se niega. En 1941 la cede a la Fox, la misma que la había rechazado años atrás, para interpretar a la seductor Doña Sol en la adaptación de la novela de Vicente Blaco Ibáñez “Sangre y arena”, seduciendo a al torero interpretado por Tyrone Power y llevándolo por el mal camino, alejándolo de su esposa Linda Darnell:

Aquí interpreta por primera vez su papel más característico, el de Femme fatale, que tanto éxito le dará años después, aunque no sea en Technicolor. Y la película será un gran éxito.

Pero por el momento interesa más ver a Rita Haywort como bailarina. Y el momento no podía ser más adecuado: tras la ruptura con Ginger Rogers, Fred Astaire necesita una nueva compañera de baile, y Rita lo será en dos ocasiones: en 1941 en “Desde aquel beso” y el 1942 en “Bailando nace el amor”:

Fred Astaire confesará años después que Rita Hayworth había sido su mejor pareja de baile. Eso sí, no es ella la que canta, como siempre.

Mientras, en 1942 se divorcia de su marido, que la deja en la miseria, ya que se aprovechaba de las ganancias que ella conseguía. Sorprendentemente, en 1943 se casa con Orson Welles, que sólo 2 años antes había sorprendido a la crítica con su debut como director en “Ciudadano Kane”. Con Welles tendrá a su primera hija, Rebecca, el 17 de diciembre de 1944.

Antes del embarazo había rodado otro musical, a las órdenes de Charles Vidor y junto a Gene Kelly, “Las modelos”:

Gracias al éxito de este musical, rodará dos más, “Esta noche y todas las noches” en 1945 y “La diosa de la danza” en 1947. Pero entre medias se colará otra película, de temática muy distinta. Y es que el director Chales Vidor recurre a ella para interpretar a la seductora “Gilda”, la protagonista de su nueva película de cine negro junto a Glenn Ford:

La película es un inmediato éxito de público, pero no de crítica: ni Rita Hayworth ni Glenn Ford fueron nunca nominados al Oscar, aunque tuvieron buenos papeles para conseguirlo: el estigma de “Gilda” perduraba. Además, no resultaría fácil conseguir un éxito semejante.

Tal fue la fama que alcanzó la película que se pegó una imagen de la actriz en una bomba atómica que se lanzó en las pruebas nucleares del Atolón Bikini, algo que la enfureció. Hayworth, que no ocultaba sus simpatías demócratas, era pacifista y se oponía a las pruebas nucleares.

En 1947 rueda un gran éxito de crítica pero no de público, “La Dama de Shangay”, dirigida y co-protagonizada por su marido, Orson Welles, en la que retoma su papel de Femme fatale de cine negro:

Al público no le gusta el cambio de look de Hayworth, de rubia y con el pelo corto, y tampoco le agrada a Cohn, que no había sido consultado. Y, mientras tanto, su matrimonio naufraga, ya que Welles no está dispuesto a sacrificar su libertad por formar una familia estable. Pese a que la propia Rita Hayworth afirmara que fue el gran amor de su vida, se divorció en 1947.

Intentando retomar su carrera, regresa junto a Glenn Ford en “Los amores de Carmen”, interpretando a la heroína de la obra de Mérimée, que será un gran éxito:

Pero Rita Hayworth abandonará el cine después de este rodaje, ya que en 1949 se casa con el príncipe iraní Ali Khan, con quien tendrá ese mismo año una hija, Yasmin. Pero diversas situaciones hacen que este matrimonio tampoco funcione. Ali Khan lleva un estilo de vida que ella es incapaz de seguir, y además tiene una reconocida fama de mujeriego, lo que provocará un primer intento de divorcio en 1951. Además, Hayworth no se convierte al Islam, como había prometido, y se empeña en que su hija sea criada como católica, contra los deseos del príncipe. El divorcio definitivo (con la custodia de su hija asegurada) llega en 1953.

Ya antes del divorcio, en 1952 regresa al cine, de nuevo junto a Glenn Ford (por tercera vez) en otro drama negro, “La dama de Trinidad”:

En 1953 rueda “La Bella del Pacífico”, junto a José Ferrer, en la que retoma el papel que años atrás interpretara Joan Crawford, y protagoniza “Salomé”, de William Dieterle, en la que vuelve a lucir su talento como bailarina ante Charles Laughton, Judith Anderson o Stewart Granger:

Pero volverá a ausentarse de las pantallas por unos años, de nuevo a causa de su nuevo matrimonio. En este caso, el elegido es el cantante (y actor ocasional, por ejemplo en el musical “State Fair”) Dick Haymes, nacido en Argentina y que siempre se negó a obtener la ciudadanía americana. Acusado de antipatriotismo por no unirse al ejército durante la II Guerra Mundial, estaba todavía casado cuando conoce a Rita Hayworth, pero no tarda en divorciarse para casarse con ella en 1953. Pero, endeudado por tener que pagar a sus ex-mujeres, Rita tiene que hacerse cargo de muchos de los gastos, además de enfrentarse a su ex-marido por la custodia de su hija, lo que le sumirá en una crisis. Cuando, en 1955, Haymes la golpea en público, ella lo abandona. Pero su manager, Cohn, envidioso de Haymes, a quien es posible que arruinara su carrera, castiga tambiñen a Hayworth, que sólo rodará de nuevo para Columbia por última vez en 1957, en el que será su último musical, “Pal Joey”, junto a Frank Sinatra y Kim Novak:

En 1958 se casa por quinta y última vez, con el productor James Hill, que le consigue un papel en la aclamada “Mesas separadas”, junto a un reparto de lujo encabezado por David Niven y Burt Lancaster, en el que será el inicio de un intento por convertirse en una actriz dramática:

En 1959, siguiendo en esa línea de actriz dramática, protagoniza el thriller judicial “Sangre en primera página”, y tiene uno de sus mejores papeles en el drama bélico de Robert Rossen “Llegaron a Cordura”, en la que interpreta a una traidora que se convierte en la única aliada del militar Gary Cooper que la escolta de vuelta a los Estados Unidos cuando el resto de militares se revelan contra él:

Rita Hayworth quiere retirarse del cine, pero su esposo insiste en que siga trabajando. Según declaró Chartlon Heston, en una cena que compartieron en España, él la humilló violentamente. En ese momento se encontraba rodando la comedia de robos “Último chantaje”, junto a Rex Harrison, que se estrena en 1961, el mismo año en el que la pareja se divorcia, alegando ella maltrato mental, como ya había hecho en casos anteriores.

Ya durante su matrimonio con Orson Welles, éste había detectado que Rita Hayworth bebía mucho, aunque nunca pensó que fuera alcohólica. Pero ya a principios de los años 60 su deterioro físico y mental hacen sugerir un problema con el alcohol. De hecho, Hayworth apenas trabaja ya en el cine. Pese a todo, conseguirá su única nominación al Globo de Oro por su papel en “El fabuloso mundo del circo”, de 1964, junto a John Wayne y Claudia Cardinale:

En 1965 rueda, de nuevo y por última vez junto a Glenn Ford, “La trampa del dinero”, pero en 1966, en la película para televisión “Las flores del diablo” luce un aspecto demacrado y mentalmente ido. Pese a trabajar en varias películas europeas, Hayworth no es capaz de memorizar los guiones. Se asocia al alcoholismo lo que son los síntomas de una enfermedad poco conocida en aquella época, el Alzheimer. Trabaja por última vez en 1972, en el western “La ira de Dios”, junto a Robert Mitchum:

El único motivo por el que aceptó participar en el film fue su necesidad de dinero. Su situación se complica cuando, en 1974, sus dos hermanos mueren con pocos días de diferencia, lo que le hace caer más en el alcohol. Las especulaciones concluyen cuando en 1981 se le diagnostica finalmente el Alzheimer, siendo la primera figura pública a la que se le diagnostica una enfermedad descubierta a comienzos de siglo pero ignorada hasta pocos años antes. Su estado de salud va declinando hasta que, en febrero de 1987, cae en coma, muriendo el 14 de mayo de ese mismo año. Fue enterrada en el católico Holy Cross Cemetery de Culver City, California.

Gilda hizo de Rita Hayworth un icono del cine, pero fue en parte también su maldición, al ser incapaz de repetir el éxito conseguido por esta película. Pese a haber realizado posteriormente papeles mucho mejores, en la retina del público seguía marcado a fuego ese streptease de guante negro que escandalizó a la sociedad de su época y la convirtió en una estrella.



40 años de la muerte de Howard Hawks (26-12-2017)


Una de las grandes discusiones cinéfilas es tratar de acordar cuál ha sido la mayor injusticia de los Oscars. Las propuestas son numerosas: Hitchcock, Cary Grant, Greta Garbo… hoy vamos a hablar de alguien que muy bien podría ocupar ese triste lugar, uno de los mejores directores de cine de la historia, versátil, capaz de hacer genialidades en innumerables géneros, que no sólo no ganó nunca un Oscar, sino que además sólo fue nominado en una única ocasión. Hoy, aprovechando el 40º aniversario de su muerte, hablamos de Howard Hawks.




Howard Winchester Hawks nació el 30 de mayo de 1896 en Goshen, en el estado de Indiana. Fue el mayor de los 6 hijos que tuvieron Frank y Hellen Hawks, familia acomodada que se había casado un año antes. Por problemas de salud de una de sus hermanas, la familia se traslada definitivamente a California en 1910. Howard Hawks estudia ingeniería mecánica en Nueva York, donde entra en contacto con el teatro, y se alista en las fuerzas armadas durante la I Guerra Mundial, en el ejército del aire, ya que tanto él como su hermano Kenneth eran pilotos aficionados.

Howard Hawks era además aficionado a las carreras de coches, en las que en 1916 conocerá a otro piloto aficionado, Victor Fleming, que había comenzado a trabajar en Hollywood como director de fotografía. Así, terminada la Guerra, Hawks consigue trabajo en la industria cinematográfica gracias a Fleming, consiguiendo ser director de fotografía de Cecil B. de Mille, entre otros.

En 1926, la Fox le ofrece dirigir sus propias películas (aunque ya había dirigido algunas escenas de las películas en las que trabajaba), siendo su debut “El espejo del alma”, hoy perdida, de la que filmará un remake, ya en cine sonoro, 10 años después. En total dirigirá 8 films mudos. Mientras, en 1928 se casa por primera vez, con Athole Shearer, hermana de la actriz Norma Shearer, de la que se divorciará en 1940.

En 1930 debuta en el cine sonoro, en el drama bélico “La escuadrilla del amanecer”, ambientado en la I Guerra Mundial en la fuerza aérea, basada en una historia de John Monk Saunders en la que al parecer el propio Hawks intervino, y que protagonizó la estrella del momento, Richard Barthelmess:

Ese mismo año, su hermano Kenneth fallece en un accidente de avión mientras dirige una escena de aviación en la película “Such men are dangerous”.

En 1931 dirige el drama carcelario “El código criminal”, que muchos consideran una de sus mejores películas, con Walter Huston como el alcalde de una prisión que trata de rescatar a un joven, Philips Holmes, al que años atrás, siendo abogado, consiguió encarcelar. En la película aparece además el gran Boris Karloff:

Problemas con la censura (el Código Hays que ya se estaba creando por esas fechas) provocan el retraso del estreno de su siguiente película, la genial “Scarface”, mito del cine de gangsters producida por el excéntrico Howard Hughes y protagonizada por un enorme Paul Muni:

También en 1932 estrena un drama ambientado en el mundo de las carreras de coches, “Avidez de tragedia”, protagonizada por James Cagney, y el drama “Pasto de tiburones”, con un triángulo amoroso encabezado por Edward G. Robinson:

En 1933 dirige el drama bélico “Vivamos hoy”, con un triángulo amoroso formado por Gary Cooper, Joan Crawford y Franchot Tone. Hawks ha dirigido dramas bélicos, aventuras, cine negro, dramas amorosos… pero en 1934 se convierte en uno de los creadores del género cinematográfico por excelencia de los años 30, las screwball comedies, al dirigir “La comedia de la vida”, considerada, junto con “Sucedió una noche” de Frank Capra, la primera en el género. Comedia de ritmo alocado y diálogos delirantes, protagonizada por John Barrymore y Carole Lombard, es una sátira del mundo del teatro:

En 1935 estrena “La ciudad sin ley”, drama criminal, de nuevo con un triángulo amoroso de fondo, con un Edward G. Robinson que actúa como el mafioso dueño y señor de San Francisco en el siglo XIX y que se pelea con el iluso Joel McRea por el amor de Miriam Hopkins:

En 1936 estrena “Camino a la gloria”, remake de la primera película que dirigió, “El espejo del alma”, drama bélico protagonizado por Fredric March; estrena también otro film de aviación, “Águilas heroicas”, protagonizado por James Cagney, y comienza a dirigir el drama “Enemigos”, con Edward Arnold, Joel McRea, Frances Farmer y Walter Brennan, pero problemas con el productor, Samuel Goldwyn, provocan que sea sustituido en mitad del rodaje por William Wyler.

Su carrera llega a uno de sus puntos culminantes con su siguiente película, la genial Screwball comedy (quizá la mejor en su género) “La fiera de mi niña”, con Cary Grant, Katherine Hepburn y dos leopardos, uno pacífico y otro salvaje. Risas aseguradas:

El personaje de Katherine Hepburn en este film cumple con el estereotipo de mujer hawksiana: de lengua vivaz, capaz de vencer al hombre en combate dialéctico y de hacer lo que sea con tal de salirse con la suya. No es que Howard Hawks fuera un feminista, desde luego, pero en sus películas las mujeres no sufren la acción ni son personajes pasivos o sufridores, sino justo lo contrario.

En 1939 dirige otra de sus películas de aviación, “Sólo los ángeles tienen alas”, de nuevo con un triángulo amoroso formado por Cary Grant, Jean Arthur y Rita Hayworth:

En 1940 estrena “Luna nueva”, adaptación de la obra teatral “Primera plana”, llevada al cine en numerosas ocasiones, en otro magistral ejemplo de Screwball comedy protagonizada por Cary Grant y Rosalind Russell:

1941 es uno de sus mejores años. Por un lado estrena “Bola de fuego”, genial adaptación del cuento de Blancanieves y los 7 enanitos con guión de Billy Wilder y Charles Brackett, protagonizada por Gary Cooper y Barbara Stanwyck:

Y estrena también “El sargento York”, drama bélico sobre un joven campesino que tiene que ir a la guerra, interpretado de nuevo por Gary Cooper:

Por esta película recibirá Howard Hawks la única de sus nominaciones al Oscar, como mejor director. Perderá frente al gran John Ford.

Su siguiente película, estrenada en 1943, es un film de propaganda bélica en plena II Guerra mundial, contando la historia de un grupo de militares de la fuerza aérea que se ven sorprendidos por el bombardeo de Pearl Harbour, y que será su última película ambientada en el mundo de la aviación:

En 1944 estrena la adaptación de la obra de Ernest Hemingway “Tener y no tener”, drama bélico y cine negro al mismo tiempo, la primera película que protagonizaron juntos Humphrey Bogart y la recién llegada Lauren Bacall:

El éxito de la película y de la pareja le lleva a repetir fórmula en 1946 con “El sueño eterno”, cine negro de muy difícil comprensión pero que sigue siendo un clásico del género:

En 1948 debuta en un nuevo género que le traerá grandes éxitos, el western, con la magnífica “Río Rojo”, con Montgomery Clift en uno de sus primeros (y mejores papeles) y con un John Wayne que demostró que podía ser un gran actor (o al menos se lo demostró a su amigo John Ford, que por lo visto no creía tanto en él como Hawks):

Ese mismo año dirige un remake en clave musical de “Bola de fuego”, “Nace una canción”, de la que no se sentirá especialmente orgulloso, protagonizada por Danny Kaye y Virginia Mayo:

En 1949 regresa a la Screwball comedy con “La novia era él”, disparatada historia de un soldado que tiene que disfrazarse de mujer para volver a América junto a su mujer, protagonizada por Cary Grant y Ann Sheridan:

En 1951 produce y, al parecer, dirige buena parte del film de terror “El enigma de otro mundo”, dirigida en teoría por Christian Nyby:

En 1952 estrena un nuevo western, “Río de sangre”, protagonizado por Kirk Douglas, y otra Screwball comedy, “Me siento rejuvenecer”, de nuevo con Cary Grant, en este caso junto a Ginger Rogers, Marilyn Monroe, Charles Coburn y un chimpancé (siempre hay algún animal de por medio en sus crewball comedies: en “La fiera de mi niña” era un leopardo, y aquí un chimpancé):

Y repite con Marilyn Monroe en 1953 en la genial “Los caballeros las prefieren rubias”, junto a Jane Russell y Charles Coburn, en otra de sus mejores comedias:

En 1955 dirige un film histórico, la poco realista pero no por ello menos brillante “Tierra de faraones”, con Jack Hawkins y Joan Collins:

Tras 4 años sin estrenar nada, en 1959 estrena el primer film de su trilogía de westerns, la magnífica “Río Bravo”, que sigue un esquema similar al de las dos siguientes: un reducido grupo encabezado por el sheriff se enfrenta a una banda de matones (oponiéndose así al modelo de “Solo ante el peligro”). En este caso los protagonistas son John Wayne, Walter Brennan, Dean Martin, Ricky Nelson y Angie Dickinson:

Si no existiera John Ford, este sería probablemente el mejor western de la historia.

Y cambiamos de género. En 1962 nos lleva de aventura a la sabana de Tanzania en la genial “Hatari!”, protagonizada por John Wayne y Elsa Martinelli:

Tengo una predilección especial por esta película.

En 1964 dirigió su última comedia, “Su juego favorito”, con Rock Hudson y Paula Prentiss, y en 1965 vuelve al mundo del automovilismo con “Peligro… línea 7000”. Pero será en 1966 cuando vuelva a su mejor estilo con el segundo western de su trilogía, “El Dorado”, con John Wayne, Robert Mitchum y James Caan:

Y Howard Hawks se retirará del cine en 1970 con la última entrega de la trilogía, “Río Lobo”, de nuevo con John Wayne, Jorge Rivero y el hijo de Robert Mitchum, Christopher. No tenemos ninguna escena en Youtube que compartir.

Probablemente esta retirada del cine fuera un aviso a la Academia,que así se vio en la obligación de reconocer una de las más brillantes trayectorias como director cinematográfico con un Oscar honorífico en 1977 que le entregará, como no, John Wayne:

Howard Hawks sobrevivirá dos años más. Un accidente con su perro le provocará una caída de la que no se recuperará, muriendo el 26 de diciembre de 1977 a los 81 años.

Con Howard Hawks se nos iba uno de los más brillantes y polifacéticos directores de Hollywood, autor de numerosas obras maestras y, por qué negarlo, uno de mis directores favoritos.

30 años de la muerte de Fred Astaire (22-06-2017)




Decepcionante en su primera prueba cinematográfica, que decía que no sabía actuar ni cantar, y que bailaba “un poco”, terminó convirtiéndose en una estrella cinematográfica y en el que quizá sea el bailarín más admirado del siglo XX, elogiado por bailarines tan diversos como Nureyev o Michael Jackson, pasando por Bob Fosse o su gran rival, Gene Kelly. Con una destreza técnica y una elegancia que levantaban admiración, Fred Astaire disfrutó de una larga vida, pero nos dejó hoy hace 30 años.




El nombre real de Fred Astaire era Frederick Austerlitz, y nació el 10 de mayo de 1989 en Omaha, estado de Nebrasca. Su padre, nacido en Austria, se había mudado a Omaha por motivos laborales, y allí se casó con su madre, americana de origen austriaco. Tenían ya una hija, Adele, nacida en 1896, que demostró un gran talento como bailarina, motivo por el que su madre quería dejar Omaha y trasladarse a una ciudad más grande.

El pequeño Fred rehusaba recibir lecciones de danza, aunque aprendió a tocar diversos instrumentos musicales. Pero en 1905 su padre pierde el trabajo, y la familia se muda a Nueva York, donde los dos hermanos reciben clases de baile para participar en espectáculos de vaudeville:

Por esas fechas, su madre decide cambiarles el apellido por uno que suene más americano, adoptando ya el nombre artístico de Fred Astaire. Con diversa fortuna, en esos años de juventud va desarrollando su estilo de baile.

En 1916 conoce a George Gershwin, convirtiéndose en amigos y colaboradores. Así, tras debutar en Broadway en 1917 con la revista “Over the Top”, Fred y Adele estrenarán varias obras musicales de Gershwin, como “Lady, be good” en 1924, “Funny face” en 1927 (que llevaría años después al cine, aunque muy modificada) y “The band wagon” en 1931 (que también llevará al cine), además de obras de otros autores, como “The bunch and Judy” de Jerome Kern. Escuchamos a la pareja de hermanos cantar el tema principal de “Funny face”:

Curiosamente, mientras la mayoría de compositores (Porter, Kern, Berlin) elogian la forma de cantar de Fred Astaire, Gershwin será más reacio a su voz (que nunca fue realmente buena, aunque sabía aprovecharla para cantar con un gusto irrepetible gracias a su dicción y fraseo siempre elegantes).

En 1932, la pareja que forma con su hermana Adele se disuelve cuando ella se casa. Libre de las ataduras de los contratos con su hermana, Fred Astaire protagoniza “Gay Divorce” con una nueva pareja, Claire Luce. En 1933 se casa con Phyllis L. Potter, con quien tendrá dos hijos, Fred en 1936 y Ava en 1942.

En 1933 se produce la prueba cinematográfica para el estudio RKO que mencionábamos al principio. Pese a su pobre resultado, Fred consigue un contrato, aunque lo primero que hace el estudio es cederlo a la Metro para unas breves escenas en “Alma de bailarina” en las que baila junto a Joan Crawford:

La elegancia de Astaire contrasta con la bruteza de la Crawford.

La primera película que rueda con la RKO es “Volando hacia Río de Janeiro”, que protagonizan Dolores del Río y Gene Raymond. Allí baila junto a Ginger Rogers esta “Carioca” que será el gran triunfo de la película:

¿Quién se acuerda de la pareja protagonista? Nadie, todo el mundo se fijó en los secundarios, en especial en él. La RKO propone entonces que Astaire y Rogers formen pareja artística, algo a lo que Astaire no está muy dispuesto, ya que tuvo de pareja a su hermana y no vuelve a querer ataduras. Pero el contrato se impone, y en 1924 estrenan “La alegre divorciada”, adaptación del musical de Cole Porter que Astaire protagonizó dos años antes (aunque con el título cambiado por la censura: una divorciada puede ser alegre, pero un divorcio no). Escuchamos a Fred cantar la famosa canción “Night and day”:

Los siguientes musicales que ruede la pareja serán collages de canciones de distintos autores. Fred Astaire insiste en que los números musicales tienen que estar siempre integrados en la acción del film (que serán siempre comedias, acompañados de actores cómicos como Edward Everett Horton, Eric Blore o Helen Broderick, con quien Fred ya había compartido escenario), además de exigir que las coreografías se realizaran en una toma única.

No era Ginger Rogers na gran bailarina, pero la pareja se complementaba a la perfección. El estilo de baile de Fred revoluciona el baile de salón, incorporando elementos afroamericanos, claqué y el estilo que habían desarrollado la pareja formada por Vernon e Irene Castle.

En 1935 ruedan “Roberta”, en la que no son la pareja protagonista, ya que ese puesto lo ocupan Irene Dunne (que canta un maravilloso “Smoke gets in your eyes”) y Randolph Scott, aunque Astaire le arrebata el protagonismo. Podemos apreciar además sus habilidades como pianista en este “I won’t dance”:

También en 1935 ruedan la que probablemente sea la mejor película de la pareja, la genial “Sombrero de copa”, famosa por este “Cheeck to cheeck”:

A estas películas siguen en 1936 “Sigamos la flota” y “En alas de la danza”, “Ritmo loco en 1937” y “Amanda” en 1938, todas ellas enormes éxitos. Fred Astaire prueba también suerte en solitario con “Señorita en desgracia”.

Tras 8 películas juntos (muchas dirigidas por Mark Sandrich, el que mayor partido supo sacarles), en 1939 cambia la temática de su siguiente película, “La historia de Irene Castle”, La propia Irene Castle participa en la realización de este guión biográfico, en el que el argumento no es tan cómico y en el que, además, Fred Astaire muere por primera vez en una película:

La película es un fracaso, y Fred Astaire, ahora considerado “veneno para la taquilla”, abandona la RKO, mientras Ginger Rogers permanecerá siendo la gran estrella del estudio. No era difícil trabajar con Fred, pero era muy cansado, por su insistencia en ensayar los números de baile (que se aprendía a la perfección), y Ginger estaba cansada.

Fred Astaire necesita ahora una nueva pareja que esté a la altura. Y la encuentra en Eleanor Powell, junto a la que rueda “La nueva melodía de Broadway”:

Por desgracia, no volvieron a trabajar juntos.

Su siguiente pareja fue Rita Hayworth, en 1941 en “Desde aquél beso” y en 1942 en “Bailando nace el amor”:

Fracasa en sus siguientes películas, “El límite es el cielo” en 1943 y “Yolanda y el ladrón” en 1945. Pero en 1945 comparte baile con Gene Kelly en “Ziegfeld follies”:

Así podemos compararlos y ver quién de los dos bailaba mejor.

En 1946 trabaja por segunda vez junto a Bing Crosby (con el que protagonizó en 1942 “Quince días de placer”) en “Cielo azul”. Y a continuación afirma que se retira. Quiere dedicarse a la equitación y funda una academia de baile.

Afortunadamente, la retirada es sólo temporal: Gene Kelly se encuentra indispuesto para rodar “Desfile de Pascua” junto a Judy Garland, y Fred Astaire le sustituye:

Además de este baile en solitario, es inolvidable la escena de los mendigos con Judy Garland:

En 1949 rueda por décima y última vez junto a Ginger Rogers “Vuelve a mí”:

En 1950, Fred Astaire es recompensado con un Oscar honorífico (pese a nunca haber sido nominado hasta el momento), que le entrega la propia Ginger Rogers:

Fred Astaire consigue volver a asentarse en la taquilla, pese a fracasos como “Let’s dance” y “Tres palabritas” en 1950 (aunque por esta última gana un Globo de Oro a mejor actor de comedia) y “La reina de Nueva York” en 1952. Pero si alguna película confirma su popularidad es “Bodas reales”, dirigida por Stanley Donen, en la que se marca uno de sus bailes más recordados:

En 1953 rueda, dirigido por Vincente Minnelli, el que es considerado uno de los mejores musicales de la época, “Melodías de Broadway 1955”, adaptación de “The band wagon” que ya había representado en su juventud. Destaca el número de los trillizos, junto a Nanette Fabray y Jack Buchanan:

La película destaca así mismo por una nueva canción compuesta expresamente para ella, “That’s entertainment”:

Su siguiente película es “Papá piernas largas”, junto a Leslie Caron. Pero durante el rodaje, a su mujer le diagnostican un cáncer y muere. Fred quiere retirarse, y propone pagar de su bolsillo los costes del film. El compositor Johnny Mercer consigue convencerle de que en ese momento lo mejor que puede hacer es terminar la película, que se estrena finalmente en 1955 con moderado éxito:

En 1957 protagoniza “Una cara con ángel”, de nuevo dirigida por Stanley Donen, junto a Audrey Hepburn, en una adaptación muy libre de “Funny Face” de George Gershwin que ya había interpretado junto a su hermana, en la que se incluyen nuevos números musicales como este “Bonjour, Paris”:

Incomprensiblemente, la película no es un éxito, como tampoco lo será la otra película que estrene en 1957, “La bella de Moscú”, adaptación musical de la Ninotchka de Lubitsch junto a Cyd Charisse, que queda lejos del encanto y la frescura de la original:

Fred Astaire todavía se mantiene ágil y esbelto, pero se le notan los años (va camino de los 60) y sus parejas son mucho más jóvenes. Por eso decide abandonar el cine musical para dedicarse a papeles dramáticos. Y se estrena en la magnífica “La hora final”, drama nuclear junto a Gregory Peck, Ava Gardner y Anthony Perkins, en el que interpreta el papel de un científico muy crítico con el armamento nuclear defensivo que provoca una guerra nuclear y con ello la extinción de la humanidad, en un discurso un tanto extraño para un republicano conservador y partidario de la intervención militar como él (pese a no utilizar nunca su faceta pública con fines políticos):

Por este papel consigue una nominación al Globo de Oro como mejor secundario.

A continuación trabaja en televisión y en algunas películas, en papeles generalmente secundarios, hasta que en 1968 vuelve al musical, esta vez de la mano de Francis Ford Coppola, en “El valle del Arco Iris”, junto a Petula Clark:

Es su último musical. Y no porque ya no pueda balar; aunque dijera lo contrario, lo demostró en la ceremonia de entrega de los Oscars en 1970:

Su papel posterior más memorable será en “El coloso en llamas”, en la que todavía mantiene ese estilo que le había hecho ser considerado uno de los actores mejor vestidos de Hollywood:

Por esta película recibe su única nominación al Oscar, como mejor secundario. Y, para sorpresa de todos, pierde frente a Robert De Niro (por El Padrino II). Y más tras haber ganado el BAFTA y el Globo de Oro.

Su última película es el thriller de terror “Historia macabra”, que se estrena en 1981. Había participado en otras películas, olvidadas, y en televisión, tanto en series como en programas de entretenimiento, como cuando en 1975 estuvo en el show de su amigo Bing Crosby y ambos cantaron deliciosamente ese “You’ve got a friend” de James Taylor:

El 24 de junio de 1980, Fred Astaire se casa por segunda vez, con la jockey Robyn Smith, 45 años más joven que él. Y junto a ella permaneció hasta el 22 de junio de 1987, cuando una neumonía acabó con su vida, a los 88 años. Poco antes había mencionado que su sucesor era Michael Jackson. Fue enterrado en el Oakwood Memorial Park Cemetery de California:

Fred Astaire no sólo era un excepcional bailarín, fue un coreógrafo que revolucionó el mundo del cine musical por su forma de entenderlo, además de demostrar unas dotes como actor dramático que nadie se esperaba en sus inicios. Sin duda, una de las mayores estrellas del Hollywood dorado.



George Sidney en el centenario de su nacimiento (04-10-2016)


Pese a su juventud, fue uno de los grandes directores de comedias y musicales de los años 40 y 50, aunque su nombre no nos resulte familiar. Por eso hoy nos toca hablar de George Sidney, del que seguro que todos hemos visto un buen puñado de películas suyas.




George Sidney nació en Nueva York el 4 de octubre de 1916. Su precocidad en el mundo del cine se debe a su entorno familiar: sus padres eran actores; su padre además era productor teatral, y su tío también era actor. Así que desde niño estuvo muy vinculado al mundo de la interpretación, acompañando a su familia en funciones teatrales. Pero pronto da el salto a Hollywood, donde comienza a trabajar como montador y asistente de dirección para la Metro Goldwyn Mayer, productora a la que permanecerá vinculado el resto de su carrera. De ahí pasó a dirigir algunos cortos (“Sunday night at the Trocadero” en 1937), pero su gran oportunidad vino cuando la Metro adquiere los derechos de la serie de “La pandilla”, estrenándose en 1938 con “Party fever” y dirigiendo varios cortos más de la serie:

 Las travesuras de Alfalfa y compañía, que no tienen nada que ver con las “travesuras” reales de estos niños nada inocentes…

George Sidney trabajó además en otras series hasta que en 1941 dirigió su primer “largometraje” (definición incorrecta de un film que no llega a una hora de duración), “Free and easy”. Pero su gran suerte por esta época es entablar amistad con Gene Kelly, al que dirigirá por primera vez en 1943 en “El desfile de las estrellas”, un musical (género en el que destacará durante toda su carrera):

En 1944 dirige el que será un gran éxito, el musical “acuático” “Escuela de sirenas”, protagonizado por la nadadora Esther Williams:

En 1955 dirige el musical coral “Ziegfeld Follies”, que destaca sobre todo por poder ver bailando juntos a Gene Kelly y Fred Astaire:

Pero ese mismo 1945 George Sidney alcanza la fama con otro musical, de nuevo junto a Gene Kelly: “Levando anclas”. Aunque lo mejor de la película, en mi opinión, es el descubrimiento de ese gran actor, por entonces niño, que es Dean Stockwell:

Pero con respecto a esta película hay que mencionar otro detalle: George Sidney se hizo amigo de William Hannah y Joseph Barbera, grandes figuras en el mundo de la animación. De hecho, cuando la Metro cierre el departamento de animación en 1957, Sidney les ayudará a crear la Hannah-Barbera Productions. Es por esta amistad que les unía que una de las escenas más famosas de “Levando anclas” es aquella en la que Gene Kelly baila junto a uno de los personajes más famosos del dúo de animación, el ratón Jerry:

En 1946 es uno de los directores de “Hasta que las nubes pasen”, biopic del compositor Jerome Kern con numerosos números musicales. Y ese mismo años dirige “Las chicas de Harvey”, musical protagonizado por Judy Garland:

En 1948 vuelve a trabajar con Gene Kelly en la adaptación de “Los 3 mosqueteros”, la primera de sus adaptaciones de aventuras históricas:

Por esos años la Metro estaba envuelta en la adaptación cinematográfica de la novela “Vespers in Vienna”  de Bruce Marshall, una obra de propaganda anticomunista ambientada justo después de la II Guerra Mundial. Con varios cambios de reparto, el director original, Victor Saville, es finalmente reemplazado por George Sidney, en un estilo cinematográfico que no es el suyo. La película se salva por sus grandes interpretaciones (sobre todo Ethe Barrymore, Walter Pidgeon, Louis Calhern y Angela Lansbury), pero fue un fracaso comercial:

Tras dirigir algunas comedias más, en 1951 dirige de nuevo un musical, una nueva versión de “Show boat” que ya se había llevado al cine en 1936 con Irene Dunne. En esta ocasión Kathryn Grayson, Howard Keel y Ava Gardner serán los protagonistas, aunque como siempre el mejor momento se lo lleva el intérprete de Joe, William Warfield, que nos regala esta soberbia versión del bellísimo “Ol’ Man River”:

Pero ya que estamos, vamos a escuchar también esa rareza que es ver cantando a Ava Gardner:

En 1952, George Sidney vuelve a las aventuras históricas de las manos de ·Scaramouche”, historia de capa y espada ambientada en la revolución francesa y protagonizada por Stewart Granger, Janet Leigh y Eleanor Parker:

1953 será un año destacable en la carrera de George Sidney, estrenando dos películas. Las primera, “La reina virgen”, otra película histórica (aunque no tanto de aventuras) con Jean Simmons como la joven Isabel I, Stewart Granger como Thomas Seymour, tío del Rey Eduardo, Deborah Kerr como la reina Catalina Parr, última esposa de Enrique VIII, Charles Laughton retomando ese papel de Enrique VIII que le llevó a la fama y el joven debutante Rex Thompson como Eduardo VI. Una película muy interesante, desde luego, y con magníficas interpretaciones de todo el reparto:

Y ese mismo años estrena también el musical “Bésame, Kate”, de nuevo con Howard Keel y Kathyn Grayson, a quienes escuchamos el famoso “So in love”:

El 1954 vuelve a dirigir otro musical acuático con Esther Williams, junto a Howard Keel y George Sanders: “La amada de Júpiter”, ambientada en la antigua Roma:

 En 1956 se pasa al drama biográfico en “La historia de Eddy Duchin”, biopic del pianista del mismo nombre que protagoniza Tyrone Power junto a Kim Novak y, de nuevo, Rex Thompson como el hijo del pianista:

George Sidney cumple 40 años ese mismo 1956 y ya ha estrenado buena parte de sus obras maestras, lo que demuestra su precocidad. A partir de ahí, su ritmo de trabajo (y también la calidad de su obra) disminuye.

Su siguiente película más relevante es en 1957 con la adaptación cinematográfica del musical”Pal Joey”, protagonizada por Frank Sinatra (con quien ya trabajó en “Levando anclas”), Rita Hayworth y, de nuevo, Kim Novak:

En 1960 trabaja con Cantiflas en “Pepe”, una de sus pocas películas americanas. Le vemos en una escena junto a Kim Novak, que hace un cameo:

En 1963, George Sidney vuelve a adaptar al cine el musical “Bye bye Birdie”, con el título en españa de “Un beso para Birdie”, en el que será el debut cinematográfico del cómico Dick van Dyke y los cantantes Bobby Rydell y Jesse Pearson, junto a una divertidísima Maureen Stapleton, la habitual Janet Leigh y guapísima joven Ann-Margret. La película no deja de tener ese tono empalagoso sesentero pese a que es un tanto escandalosa para la censura de la época, y tiene momentos realmente divertidos:

Ya hemos visto que George Sidney solía repetir con los actores con los que trabajaba, siendo habituales en sus películas gente como Gene Kelly, Esther Williams, Kathryn Grayson, Howard Keel, Frank Sinatra, Janet Leigh, Kim Novak, Stewart Granger o Rex Thompson. Pues la última en incorporarse a la lista es precisamente Ann-Margret, con la que vuelve a trabajar en “Cita en Las Vegas”, en 1964, junto, obviamente, a Elvis Presley:

A partir de ahí George Sidney sólo dirigió dos películas más, siendo la última, en 1967, “La mitad de seis peniques”, protagonizada por el cantante inglés Tommy Steele:

A sus 51 años, George Sidney se retira del cine, pese a su larga vida posterior. Y es que morirá en Las Vegas el 5 de mayo de 2002 a los 85 años, 35 años después de su última película, a consecuencia de un linfoma.

George Sidney nunca se llevó una nominación al Oscar, pero no cabe duda de que fue un director fundamental en la comedia y,sobre todo, en el cine musical de los años 40 y 50, con varias de ellas (“Levando anclas”, “Magnolia” o “Bésame, Kate”) que todavía permanecen en la memoria.



Glenn Ford en el centenario de su nacimiento (01-05-2016)


A veces un único papel en el cine puede marcar la carrera de un intérprete, para bien o para mal. En el caso que nos ocupa hoy, más bien para mal: Glenn Ford fue un gran actor que ni siquiera recibió una nominación al Oscar: ser el protagonista de la famosísima (pero más bien mediocre) “Gilda” pesó demasiado en su carrera. Una carrera plagada de buenas interpretaciones (no sobresalientes, desde luego, pero siempre convincentes) que, en el centenario de su nacimiento, nos conviene recordar.




Gwyllyn Samuel Newton Ford (afortunadamente pasó a la fama con el más sencillo nombre de Glenn Ford, que a ver quién recuerda su nombrecito real…) nació el 1 de mayo de 1916 en Quebec, Canadá, aunque a los 8 años se trasladó con su familia a Santa Monica, California, donde desde joven se introduce en grupos teatrales. De ahí el salto al cine es el camino lógico, y Glenn Ford ficha por la compañía Columbia en 1939, debutando en “Heaven with a barber wire fence”. Su primer film relevante será en 1940 con “La dama en cuestión”, de Charles Vidor, en la que comparte pantalla con Brian Aherne y con Rita Hayworth, quien será pareja habitual suya en la pantalla y fuera de ella, ya que mantuvieron un romance (no vamos a hablar de la vida sentimental de Ford, con sus 4 matrimonios e innumerables romances, porque a parte de corresponder más a la prensa rosa, no acabaríamos).

Desde sus comienzos como actor ya llamó la atención del director John Cromwell, quien en 1941 le ofrece un papel en “Así acaba nuestra noche”, en la que compartirá pantalla con el gran Fredric March y con la (desgraciadamente) fugaz estrella Margaret Sullavan, en la que interpreta a un fugitivo alemán durante la II Guerra Mundial. Su interpretación atrae la atención de los medios.

Pero poco después Estados Unidos entra en la II Guerra Mundial: Ford se embarca primero en una gira para promocionar la compra de bonos de guerra (durante la que conoce a la actriz y bailarina Eleanor Powell, que será su primera esposa y con quien se casará en 1943, divorciándose en 1959), y luego se enrola en la Marina.

Terminada la guerra regresa al cine en 1946, protagonizando junto a Bette Davis “Una vida robada”. Pero será otra película de ese mismo año la que le lleve a la fama: d nuevo dirigido por Charles Vidor y junto a Rita Hayworth, será el protagonista de “Gilda”. La película no gustó a la crítica (con razón), pero sí al público. El resto es ya historia:

Ford trabaja en esos años en western menores y en algunas otras películas de cine negro, aunque de nuevo sus films más memorables serán junto a Rita Hayworth (pese a que ambos cometieron el error de rechazar protagonizar “Nacida ayer”, que supuso el lanzamiento definitivo de William Holden y el Oscar para Judy Holliday). En 1948 protagonizaron “Los amores de Carmen”. No sé bien qué pintaba Glenn Ford como Don José (no pega ni con cola), pero bueno…

Volverían a trabajar juntos (pero esta vez sin la dirección de Charles Vidor) en 1952 en “La dama de Trinidad”:

Mal iba así la carrera de Glenn Ford, pero alguien acudiría a su rescate. Siendo un actor habitual del cine negro, el gran director alemán Fritz Lang se fijó en él para protagonizar dos míticas películas de ese género. La primera, en 1953, “Los sobornados”, joya del cine negro que protagonizará junto a Gloria Grahame:

La segunda, en 1954, de nuevo junto a Gloria Grahame y con Broderick Crawford, “Deseos humanos”, basada en una obra de Zola:

Gracias a estas películas, su prestigio como actor aumentó considerablemente, y así protagonizó un puñado de películas en 1955, de las que destacaremos dos. La primera, el drama “Melodía interrumpida”, en el que interpreta al esposo de Eleanor Parker, una cantante de ópera que sufre un accidente que le impide retomar su carrera, quizá su papel más dramático hasta la fecha:

La otra, la magnífica “Semilla de maldad” de Richard Brooks, en la que interpreta a un idealista profesor que tiene que enfrentarse a conflictivos alumnos (entre ellos un magnífico Sidney Poitier)… ¿conseguirá su objetivo?:

En 1956 comienza a colaborar con otro director, Delmer Daves, en varios Western, siendo el primero de ellos Jubal, junto a Ernest Borgnine y un malvado Rod Steiger:

En 1957 será “El tren de las 3:10”, en la que interpreta a un forajido al que captura Van Heflin, en otro de sus mejores papeles:

Y trabajará de nuevo con Delmer Daves en 1958 en “Cowboy”. Pero quizá más relevante resulta su participación en otro Western, pero de Anthony Mann, el remake de “Cimarrón” de 1960, junto a Maria Schell. A falta de otra cosa en Youtube, veamos la escena final (spoiler obvio):

En 1961 protagonizará uno de sus mayores éxitos, “Un gangster para un milagro”, de Frank Capra. Protagonizada por una inolvidable “Annie Manzanas” de Bette Davis y rodeado por unos secundarios robaescenas (Thomas Mitchell en su último papel, Edward Everett Horton o Peter Falk), Glenn Ford consigue mantener el tipo… y más, ya que se llevará el Globo de Oro al mejor actor de comedia (aunque los Oscar de nuevo le ignorarán injustamente):

En 1962 comete un serio error: protagonizar “Los cuatro jinetes del Apocalipsis” de Vincente Minnelli. Acertadamente trasladada la acción de la I a la II Guerra Mundial, con sobresalientes interpretaciones de Charles Boyer, Paul Lukas, Paul Henreid o Karlheinz Böhm, Glenn Ford resultaba demasiado mayor (más de 40 años) para interpretar al protagonista (y competir con el Rodolfo Valentino de la versión muda, algo poco menos que imposible). El fracaso fue absoluto:

Pese a todo, en 1963 volverá a trabajar con Vincente Minnelli, con mucho mejor resultado, en la genial comedia “El noviazgo del padre de Eddie”, interpretando al viudo padre de un Ron Howard al que le quedaban muchos años para ganar el Oscar a mejor director (qué pena que creciera…):

Cada vez más cómodo en la comedia, acompañará a Geraldine Page en “Querido corazón”, de Delbert Mann, en 1964:

Volverá a trabajar con Rita Hayworth en “La trampa del dinero”, aparecerá fugazmente en “¿Arde París?” de René Clément y trabajará en no pocos westerns, como “Los desbravadores” de Burt Kennedy, de 1965, junto a Henry Fonda:

O en “Duelo a muerte en Río Rojo” de Richard Thorpe, de 1967, junto a Angie Dickinson:

Pero su ritmo de trabajo se reduce notablemente, y cada vez trabaja más en televisión. En 1976 trabaja en “La batalla de Midway”, aunque quizá su papel más remarcable sea el de Jonathan Kent en “Superman”de Richard Donner, en 1978:

Su último papel en cine fue en 1991 en “Visiones mortales” Mejor que se lo habría ahorrado.

En 1987 recibió el Premio Donostia, en el que se emocionó recordando a Rita Hayworth, que acababa de morir, y eligió para proyectar en la ceremonia su film más mítico, “Gilda”. Desde mi punto de vista, un error, pero claro, la mitomanía es muy fuerte…

Retirado de la vida pública, Glenn Ford murió de un infarto (sufría del corazón desde tiempo atrás) el 30 de agosto de 2006, a los 90 años, en su casa de Beverly Hills. Está enterrado en el cementerio Woodlawn, en Santa Monica. Tuvo un único hijo, Peter, con su primera esposa, Eleanor Powell.

Infravalorado por la crítica, seguramente por causa de esa “Gilda” que mejor sería olvidar, Glenn Ford fue un actor más que solvente, adaptable a casi cualquier género y que nos regaló un buen puñado de interpretaciones que en un día como hoy nos conviene recordar. Sus dos films con Fritz Lang, “El tren de las 3:10”, “Cimarrón” o “Un gangster para un milagro” bien merecen un repaso.



Gene Kelly, 20 años después de su muerte (02-02-2016)


El mundo está dividido en dos grupos antagónicos: los fans de Fred Astaire y los fans de Gene Kelly. Y luego están los que no son de ninguno de estos grupos… los que no tienen gusto, vamos.




Pues hoy nos toca hablar de Gene Kelly, el más tardío de los 2. Nacido en Pittsburg el 23 de agosto de 1912, desde niño siente pasión por el baile gracias a su madre, y tras la gran depresión será profesor en la academia de baile que funda su familia. Y de paso trabaja en Nueva York, dónde en 1940 conocerá a un bailarín llamado Stanley Donen…

No tarda en ir a Hollywood, donde David O. Selznick quiere convertirlo en actor dramático, al no estar interesado el productor en musicales. Así protagoniza su primera película junto a Judy Garland, “Por mi chica y por mí”, en 1942:

Quizá su primer gran éxito fue en 1944 con “Las modelos”, junto a Rita Hayworth:

Pero su salto definitivo a la fama tuvo lugar en 1945 con el mítico musical “Levando anclas”, junto a Kathryn Grayson, Dean Stockwell y Frank Sinatra:

Si Fred Astaire tenía de pareja de baile a Ginger Rogers, Gene Kelly tiene al ratón Jerry…

Bueno, todo se arregla, en 1946 baila junto a Fred Astaire en “Ziegfeld follies”:

-Bailo en películas. ¿No has visto “Las modelos”?

-Sí… ¿No serás Rita Hayworth?

Creo que a eso es a lo que hoy día le llamamos “ZASCA”.

En 1948 vuelve a trabajar con Judy Garland (y a lucir cara de tontaina) en el musical “El pirata”:

Ese mismo 1948 protagonizará otro gran éxito, pero en este caso no es un musical, es “Los tres mosqueteros”, donde interpreta a D’Artagnan:

A falta de coreografía de baile, pues tenemos coreografía de lucha a espada…

En 1949 emprende una nueva a ventura: se anima a dirigir, mano a mano con su viejo amigo Stanley Donen, un musical, en este caso la obra de Leonard Bernstein “Un día en Nueva York”, donde volverá a acompañar a Frank Sinatra de nuevo tras “Levando anclas”:

Será la primera de las 3 películas que dirijan juntos.

Pero antes de volver a ponerse tras las cámaras, protagoniza uno de sus mayores éxitos, a las órdenes de Vincente Minnelli, “Un americano en París”:

La película ganará el Oscar a mejor película en 1951.

En 1952 dirige su segundo film junto a Stanley Donen, que de nuevo también protagoniza, “Cantando bajo la lluvia”. Se queda sin el mejor número de la película (Ese “Haz reír” que se marca el gran Donald O’Connor), pero suyo es el número que da título a la película:

Y junto a Debbie Reynolds y Donald O’Connor tiene uno de los mejores número de la peli, ese “Good morning”:

Parece que Gene Kelly era tan exigente que Debbie Reynolds acabó llorando y tuvo que ayudarla Fred Astaire, que pasaba por allí, para que terminara la película…

En 1954 la Metro estaba preparando dos musicales. Decide destinar la mayor parte de los fondos al uno de ellos, ese “Brigadoon” que protagonizaba Gene Kelly junto a Cyd Charisse y dirigido de nuevo por Minnelli, pensando que el otro sería un musical menor:

En otro musical, menor, al que la Metro cedió muchos menos medios, fue el dirigido por Stanley Donen “Siete novias para siete hermanos”… la metedura de pata del estudio fue monumental.

En 1955 dirige su último musical junto a Donen, “Siempre hace buen tiempo”, y protagoniza algún musical más, pero quizá su papel más significativo sea en el film dramático “Herencia del viento”, de 1960, junto a dos monstruos de la interpretación como Spencer Tracy y Fredric March, en el que interpreta a un cínico periodista en el que seguramente sea su mejor papel dramático:

En 1969 dirige la que seguramente sea su obra maestra, “Hello, Dolly!”; tras problemas para conseguir a la protagonista (Judy Garland no estaba en condiciones, y de hecho morirá antes de comenzar el rodaje), termina protagonizándola la casi novata en el cine (pero ya ganadora del Oscar a la mejor actriz en su debut el año anterior) Barbra Streisand, que tiene tan mal recuerdo del film que no ha querido saber nada más de él… peor para ella, porque es una delicia:

(¿Me dejarían dirigir el remake? Me encantaría… )

Kelly dirigirá al año siguiente un western cómico, “El club social de Cheyenne”, protagonizado por James Stewart y Henry Fonda:

Su último papel relevante fue en la fallida “Xanadú”:

Y este es básicamente el resumen de lo mejor que nos dejó la carrera de Gene Kelly, quien tras tener serios problemas de salud en los años 90, nos dejaba el 2 de febrero de 1996, hoy hace 20 años.

Al principio decía que hay dos grupos, los fans de Fred Astaire y los de Gene Kelly. No sé si se ha notado mucho que yo soy muy del primer grupo… pero hoy tocaba hablar de Gene Kelly e intentar hacerle justicia. Juzgad si lo he conseguido.